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Vaison-La-Romaine sussurra história em cada canto antigo

Vaison-La-Romaine sussurra história em cada canto antigo

A histórica região francesa da Provença é famosa por sua beleza, cultura e estilo de vida descontraído. Uma das cidades mais belas e antigas é Vaison-la-Romaine, com herança romana e medieval.

A longa história de Vaison-la-Romaine

Escavações mostraram que havia um assentamento no local pelo menos desde a Idade do Bronze. No 2 WL e 1 st século AC a cidade era um povoado fortificado celta e uma das capitais da tribo Vocontii. Embora tenham sido subjugados pelos romanos, eles mantiveram uma grande autonomia.

Do 1 st Século aC, a Gália desfrutou de uma longa era de paz e prosperidade. Quando Vaison se tornou romanizado, a elite local adotou a prática cultural de seus governantes com muitos membros da elite Vocontii construindo vilas e casas de estilo romano. Dois aquedutos forneciam água. A cidade era uma das mais importantes da província de Gallia Narbonese, antiga província romana, que hoje é Languedoc e Provença, no sul da França.

Ruínas romanas na cidade de Vaison-la-Romaine, Provença, França ( lic0001 / Adobe Stock)

Durante a Crise do Terceiro Século, período em que o Império Romano esteve perto do colapso, a cidade que havia crescido para uma área de 75 hectares foi saqueada por invasores germânicos. Nunca se recuperou totalmente.

Após a queda do Império Romano, a cidade tornou-se um importante centro eclesiástico. Vaison era controlado pelos borgonheses, uma tribo germânica primitiva, que mais tarde usou muitos dos assentos do anfiteatro como lápides.

Os ostrogodos sob o comando de Teodorico, o Grande, tomaram a cidade em 527 DC. Mais tarde, foi adicionado ao reino franco e acabou ficando sob o controle dos Condes da Provença. A era medieval foi violenta, pois catalães, borgonheses e outros buscaram controlar as ricas terras. Muitos dos habitantes de Vaison mudaram-se para terras mais altas em busca de uma posição defensável, que foi o início da cidade medieval.

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A ponte romana de Vaison la Romaine com a cidade medieval à direita ( Laurent / Adobe Stock)

No 13 º século, a cidade foi dividida entre os Condes de Provença e o bispo local. A violência que se seguiu levou ao declínio de Vaison. A Provença tornou-se parte do Reino da França 200 anos depois, e no ano 18 º século, os habitantes se mudaram para as terras baixas e construíram casas onde a cidade romana existiu.

Em 1992, partes da cidade moderna foram devastadas por uma enchente e, infelizmente, houve uma grande perda de vidas.

Ruínas da era romana em Vaison-la-Romaine.

A ponte romana que data do 1 st século DC ergue-se orgulhosamente no centro da cidade.

As ruínas romanas estão localizadas em duas áreas separadas de Vaison-la-Romaine. La Villasse contém o fórum que serviu como o principal espaço público da cidade. Vários outros edifícios romanos, como o Office of Professional Guilds, foram descobertos, bem como lojas, banhos e fontes. As ruínas romanas mais famosas de Vaison-la-Romaine são a Casa do Golfinho, que já foi uma villa luxuosa com quartos e jardins ornamentados.

O antigo teatro de Vaison La Romaine ( Olivier-Tuffé / Adobe Stock)

O segundo sítio romano, conhecido como Puymin, é onde se encontram os restos de grandes residências que outrora pertenceram à elite local. Vários conjuntos habitacionais foram identificados, incluindo a Casa do Apolo Laurel, a Casa do Mandril e a Casa do Pavão. O teatro romano, com capacidade para 7.000 pessoas, foi descoberto em 1912.

Muitas das esculturas de mármore que foram desenterradas em Vaison estão agora em museus na América do Norte e em outras partes da Europa.

Castelo da cidade medieval, catedrais e muito mais

A maior parte da cidade velha medieval está situada nas alturas com vista para a antiga cidade romana e as vistas são inspiradoras.

Possivelmente, a estrutura mais impressionante é a 11 º castelo do século que pertenceu ao conde de Toulouse, embora a maioria tenha sido acrescentada no século 13 º século. Na realidade, é um edifício fortificado em vez de um verdadeiro castelo e consiste numa torre de menagem e um pátio.

Rua estreita na cidade velha de Vaison-la-Romaine, na França ( Dudlajzov / Adobe Stock)

Outro grande edifício medieval em Vaison é a Igreja de St Quentin com uma abside que se acredita data do século 700 DC. A maior parte da igreja atual data do século 15 º século e contém muitos bons exemplos de arte religiosa. A igreja já não é utilizada para a celebração de serviços religiosos, mas por baixo encontra-se uma Igreja românica que também data da Idade Média e que ainda é um local de culto.

A vila tem muitas ruas medievais pitorescas e sinuosas, ladeadas por edifícios distintos construídos com pedras locais. Existem também algumas belas passagens abobadadas na cidade velha. A antiga praça do mercado data de 15 º século e contém uma fonte muito impressionante.

Visitando Vaison-la-Romaine na França

A cidade é um centro turístico popular com um famoso mercado ao ar livre e, claro, a comida é excelente. Existem transportes públicos para a cidade e muitos alojamentos. É cobrada uma taxa para visitar as ruínas romanas e há muito para ver.

O cenário natural ao redor de Vaison é espetacular e o castelo oferece uma bela vista da paisagem provençal.


Sigiriya

Sigiriya ou Sinhagiri (Lion Rock Sinhala: සීගිරිය, Tamil: சிகிரியா / சிங்ககிரி, pronuncia-se see-gi-ri-yə) é uma antiga fortaleza de pedra localizada no norte do distrito de Matale, perto da cidade de Dambulla, na Província Central, Sri Lanka. O nome se refere a um local de importância histórica e arqueológica que é dominado por uma enorme coluna de rocha de quase 200 metros (660 pés) de altura. [ citação necessária ]

De acordo com a antiga crônica do Sri Lanka sobre Culavamsa, este local foi selecionado pelo rei Kashyapa (477 - 495 DC) para sua nova capital. Ele construiu seu palácio no topo desta rocha e decorou suas laterais com afrescos coloridos. Em um pequeno platô a meio caminho da lateral dessa rocha, ele construiu um portal na forma de um enorme leão. O nome deste lugar é derivado desta estrutura - Sīnhāgiri, a Lion Rock (uma etimologia semelhante a Sinhapura, o nome sânscrito de Cingapura, a Cidade do Leão).

A capital e o palácio real foram abandonados após a morte do rei. Foi usado como mosteiro budista até o século XIV. [2] Sigiriya hoje é um Patrimônio Mundial da UNESCO. É um dos exemplos mais bem preservados de planejamento urbano antigo. [3]


As origens da excursão subterrânea de Norwich

Agora é possível explorar um dos undercrofts por meio de uma visita guiada. Este passeio, também conhecido como passeio pela "rua escondida", é administrado pela Missing Kind Charity, localizada em KindaKafe, em Castle Meadow.

O KindaKafe está localizado na rua Castle Meadow de Norwich.

Sobre KindaKafe

Este empreendimento social visa combater a exclusão e a solidão na comunidade local. Eles têm um café que opera um esquema de "pagamento adiantado", onde você pode doar uma refeição ou uma bebida para alguém em necessidade.

O local é propriedade da Missing Kind Charity e eles facilitam encontros para grupos locais. Algumas dessas comunidades são tão populares que existem listas de espera, portanto, certifique-se de entrar com antecedência se estiver interessado em um grupo ou evento!

KindaKafe é uma empresa social que facilita encontros locais.

Como mencionado anteriormente, antes de se tornar a casa desse empreendimento social, o prédio que abriga o Missing Kind e o KindaKafe abrigava a sapataria Ponds. Quando eles assumiram a construção, o subsolo abaixo da rua também veio com ele.

O KindaKafe abriu seu abrigo ao público em meados de 2018. No entanto, a turnê underground de Norwich gerou tanto interesse que agora eles fazem turnês regularmente para acompanhar a demanda.

O que devo esperar de uma excursão subterrânea por Norwich?

Depois de encontrar seu grupo em KindaKafe, a historiadora local Sarah Walker o levará para visitar a rua escondida da loja. Acredita-se que parte do subsolo tenha sido uma casa de família e uma oficina. Isso já foi no nível da rua, antes que as valas ao redor do Castelo de Norwich fossem preenchidas.

O passeio está cheio de fatos interessantes sobre Norwich, bem como sobre a vida medieval. Sarah explica tudo sobre as execuções que costumavam ocorrer nas proximidades e como este abrigo particular foi usado durante a guerra.

Sarah é uma guia turística extremamente experiente!

Não apenas uma historiadora, Sarah também é uma contadora de histórias profissional, então espere se surpreender com suas histórias de músicos desaparecidos nos túneis! Se você estiver interessado na narrativa de Sarah, confira a página dela no Facebook.

Além de apresentar muitas histórias interessantes sobre a área, Sarah também aborda os rumores. Há muito se diz que alguns dos túneis subterrâneos em Norwich são caminhos secretos que levam ao castelo, mas você precisará fazer uma excursão para descobrir se isso é verdade!

O undercroft cumpriu muitos propósitos desde que foi construído!

Mesmo como um local, aprendi muito sobre Norwich no passeio subterrâneo e recomendaria para quem quer fazer algo um pouco peculiar ou descobrir mais sobre a história da cidade.

História Oculta Norwich se Expande!

O sucesso do tour ‘Hidden Street’ oferecido pelo Kindacafe despertou o interesse pela história local na área. Desde o lançamento de sua primeira turnê, o KindaKafe também lançou outra experiência Hidden History Norwich, que leva os visitantes ao redor de Tombland.

Se você gosta de sua excursão no subsolo de Norwich, você pode embarcar na mais nova excursão de História Oculta!


Guilds

As guildas de Tyria cresceram e se expandiram, apesar da destruição das Battle Isles. Balthazar ajudou a erguer um novo templo no Arco do Leão, pisando na pedra da lareira da construção e abrindo um portão para as Brumas, para que os heróis de cada mundo pudessem competir. Mas essas guildas não estão alinhadas racialmente como eram no passado - não mais restritas apenas aos humanos, elas aceitam heróis de todas as sociedades em seus corredores.

Os Asura se encaixam facilmente no sistema de guilda, usando guildas como fariam com qualquer outro krewe projetado para uma tarefa. Para os Charr, as guildas são como bandos de guerra. Eles não substituem a lealdade que os Charr mantêm para com sua legião, mas, em vez disso, permitem que eles tenham oportunidades únicas de exibir a força de sua raça e aumentar sua reputação pessoal como combatentes ferozes. Os Norn estão sempre ansiosos por uma luta e sua lealdade aos amigos os torna uma bênção para qualquer força de combate. Sylvari traz forças únicas e imprevisíveis para uma guilda, e estão ansiosos para entrar em qualquer perigo simplesmente por experimentá-lo.

Guildas são uma força proeminente em Tyria, enfrentando desafios que os aventureiros individuais temem enfrentar e enfrentando até os oponentes mais perigosos. É dito que se houver alguma esperança para as raças de Tyria encontrarem paz, ela virá das guildas e de sua atmosfera de cooperação e unidade.


Vaucluse: o coração pulsante da Provença

O Vaucluse está repleto de belas aldeias, como Aurel, com vista para seus primorosos afloramentos rochosos e campos de lavanda. Crédito da foto © Shutterstock

O encanto duradouro do departamento sul de Vaucluse fará com que você volte sempre, escreve Jennifer Ladonne sobre este canto favorito da Provença

O Vaucluse abrange tudo o que os viajantes amam nesta terra encantadora. No momento em que as portas do trem se abrem em Avignon para o ar provençal arejado, ameno e luminoso, você sabe que pousou em um mundo mais suave. De Avignon, a apenas três horas de TGV de Paris, os viajantes podem pegar um carro em uma das meia dúzia de locadoras em frente à estação e escolher entre uma vergonha de riquezas a menos de 90 minutos de distância: Arles, 45 minutos ao sul de Aix -en-Provence, uma hora a sudeste de Marselha, 30 minutos ao sul de Aix e as preguiçosas vilas de pescadores em tons pastéis ao longo da costa mediterrânea a leste de Marselha.

O mundialmente famoso Pont d'Avignon. Crédito da foto © Shutterstock

Avignon é também a porta de entrada para Vaucluse, uma terra de contrastes vívidos e, na minha opinião, o coração pulsante da Provença. Estendendo-se do Vale do Ródano, a oeste, e do Luberon maciço no leste, todo o caminho ao norte para os vertiginosos Hautes-Alpes - uma fronteira natural entre o Vaucluse e o mais selvagem Drôme Provençal - esta bela e abundante terra é uma colcha de retalhos de pomares, olivais e vinhas ondulantes intercaladas com montanhas irregulares e impossivelmente pitorescas aldeias empoleiradas no topo das colinas.

Na primavera - uma época gloriosa para estar aqui - flores de amêndoas, cerejeiras e damascos esvoaçam como neve nas rajadas de Mistral e, no início do verão, os campos estão em chamas com alfazema azul elétrico, girassóis deslumbrantes e papoulas vermelhas. No outono, quando os vinhedos ficam dourados, o sol permanece quente o suficiente para descansar nos terraços dos cafés nas praças dos vilarejos até novembro.

Pular pelas aldeias é simples porque as distâncias são curtas e as cidades pequenas o suficiente para caminhar em uma ou duas horas. Em grupos, você pode facilmente ver uma dúzia em um fim de semana prolongado, ou talvez acompanhar os dias de mercado, que são alternados entre as aldeias.

Os amantes do vinho descobrirão uma das regiões vinícolas mais promissoras da França. Entre as conhecidas denominações Côtes du Rhône cru do sul de Gigondas, Beaumes-de-Venise, Vacqueyras e Châteauneuf-du-Pape, pequenos vinhedos em Côtes du Luberon e Ventoux estão produzindo vinhos emocionantes - muitos naturais - que estão prontos para serem descobertos . Cada vez mais as vinhas acolhem os visitantes e as rotas do vinho são bem marcadas.

Morangos frescos no mercado. Crédito da foto © Shutterstock

Para os apreciadores de comida, a Vaucluse Route des Saveurs indica onde encontrar as iguarias da região, desde os perfumados morangos Carpentras, cerejas Venasque e figos negros Caromb, até nogado, mel, queijos e açafrão. Os mercados nas cidades e vilas maiores - Apt e Carpentras nas manhãs de sábado e Vaison-La-Romaine nas manhãs de terça-feira - oferecem uma enorme variedade, mas você encontrará produtores menores nas menores vilas.

Uma teia de trilhas leva os caminhantes por florestas, em torno de vinhedos e terras agrícolas, subindo montanhas arborizadas e descendo com ervas aromáticas garrigue tudo terminando com um merecido repas. Grande jantar está em toda parte. Procure a designação Bib Gourmand (com preço fixo menus a partir de € 32, listados por cidade no site Michelin) ou siga as estrelas Michelin para uma refeição completa.

Aqueles que desejam toda a experiência de vinho, comida e hospedagem de luxo em um pacote luxuoso podem estacionar o carro em um hotel vinícola e deixar o resto por conta deles. Embora os preços possam ser altos, eles são uma fração do que você pagaria em Paris e com tudo ao seu alcance: trilhas para caminhada e ciclismo, degustação de vinhos e aulas de culinária, jantares gourmet, tratamentos de spa e belos quartos e vistas.

Ménerbes é um Plus Beau Village de France. Crédito da foto © Shutterstock

É preciso uma aldeia

Culminando a uma altura de 1.125 m, o Luberon MaciçoPaisagens dramáticas de paredes de rocha e desfiladeiros, florestas, campos repletos de flores e vegetação rasteira garrigue são apreciados por caminhantes, alpinistas e observadores de pássaros (seus penhascos abrigam pelo menos seis espécies de aves ameaçadas de extinção, incluindo várias aves de rapina e as minúsculas bandeirolas ortolãs, uma iguaria culinária quase extinta por epicuristas). O robusto maciço também abriga duas cadeias de cidades incrivelmente pitorescas no topo das colinas em seus lados norte e sul, todas a poucos quilômetros uma da outra.

No lado norte da cordilheira, comece com a minúscula cidade de Oppède-le-Vieux, antes abandonada no topo da colina, cujos jardins, igreja do século 12 e ruínas do castelo foram restaurados após a Segunda Guerra Mundial. A uma milha de distância, Plus Beau Village Ménerbes, onde a fotógrafa Dora Maar passou as últimas décadas de sua vida após seu desastroso caso de amor com Picasso, exala elegância. No verão, os visitantes podem apreciar a vista de sua casa na cidade. No topo da vila, na Maison de la Truffe et du Vin du Luberon, você pode provar e comprar as iguarias e safras locais enquanto aprecia a vista panorâmica do jardim do cume.

maravilhe-se com a beleza medieval de Ménerbes. Crédito da foto © Shutterstock

Lacoste, ainda dominada pelas ruínas do castelo da família do Marquês de Sade, hospeda um popular festival de teatro de verão fundado pelo designer Pierre Cardin. A cinco minutos de carro, as belas muralhas bem preservadas de Bonnieux, as torres do século 12 e a igreja no topo da colina oferecem vistas encantadoras. Mas para vistas panorâmicas de praticamente todo o Luberon e além, dirija-se à Forêt des Cèdres, a poucos minutos de carro acima da vila.

Os 750 acres de cedros Atlas de 150 anos do parque oferecem quilômetros de trilhas e sombra para uma caminhada refrescante ou um piquenique. Para refeições gastronômicas, o restaurante homônimo do chef com duas estrelas Michelin Édouard Loubet, uma importante parada no circuito gastronômico, oferece um cenário de sonho com vista para o Luberon maciço.

Com menos de 100 residentes, a adorável Buoux é mais conhecida pelos vestígios poéticos de seu forte do século 13, enquanto as duas igrejas medievais bem preservadas de Saignon, as ruínas do castelo e as praças bem sombreadas fazem dela a parada perfeita para um almoço rápido ou uma pausa para o café, enquanto aprecia as vistas sobre o Apt.

Certifique-se de permitir pelo menos alguns dias em Avignon, sede dos papas no século XIV. Crédito da foto © Shutterstock

Considerada a moderna capital do Luberon, a movimentada Apt é, na verdade, uma das cidades mais antigas de Vaucluse, fundada pelos romanos em 45 aC. O animado mercado de sábado de manhã de Apt está entre os melhores da Provença. Vá cedo para uma vaga de estacionamento ao redor das muralhas medievais da cidade e siga as ruas sinuosas repletas de barracas que exibem especialidades locais, como frutas cristalizadas Apt, uma iguaria antes reservada para os papas de Avignon, que é feita com as abundantes frutas de caroço da região.

Apt também é conhecida por suas destilarias de lavanda e outros óleos essenciais de ervas e flores. A cidade também é famosa por seu mármore faiança, uma bela loiça de cerâmica feita com argilas locais ricamente coloridas, trabalhada aqui desde o século 18.

Se você gosta de um mercado de fazendeiros mais íntimo, o evento matinal de terça-feira de Saint-Saturnin-lès-Apt reúne uma série de fazendeiros locais, e a cidade pitoresca tem muito para ver, incluindo dois moinhos de vento do século 17 e vistas panorâmicas do antigo castelo ruínas.

Passeie pelo mercado local íntimo na bela Saint-Saturnin-lès-Apt, Ménerbes. Crédito da foto © Shutterstock

Coma, fique, ame

A uma caminhada cênica de 20 minutos da pitoresca Saint-Saturnin, o hotel e propriedade vinícola Domaine des Andéols 'e sua extensão lânguida de gramados bem cuidados, vinhas e olivais dominados por ciprestes elegantes não poderia ser mais um contraste. Se quiserem, os hóspedes podem jogar as chaves do carro em um chique armário durante sua estadia em uma casa de férias repleta de arte ou em uma suíte moderna e elegante, já que tudo o que eles precisam - nadar, caminhar, andar de bicicleta, jantar de primeira qualidade e, acima de tudo, privacidade - podem ser encontrados no local. Os produtos orgânicos para o bistrô coberto e ao ar livre - chefiado por Maurice Alexis, chef de dois presidentes franceses recentes - são provenientes dos extensos jardins e vinhedos do domaine. Enquanto isso, a sofisticada sala de jantar gastronômica é presidida pelo astro em ascensão Julien Bontus.

Outro idílio rural autossuficiente, La Bastide de Marie conquistou uma clientela ferozmente fiel por seu cenário pitoresco entre 57 hectares de vinhedos ativos, sua elegante decoração de casa de fazenda provençal (incluindo os Picassos originais) e uma mesa tão excepcional que os gastrônomos locais dependem dela . Se você conseguir se afastar, é uma excelente base para explorar as aldeias da área e fica a uma curta caminhada ou de bicicleta de Ménerbes.

Vale do Luberon. Crédito da foto © Shutterstock

O Domaine de Fontenille, perto de Lauris, também é uma base ideal para explorar a cadeia de aldeias ao longo do lado sul do Luberon: Lauris, Lourmarin, Cadenet, Ansouis e Cucuron. Fontenille preenche todos os requisitos da quintessencial propriedade de campo provençal: antigos cedros e plátanos que se elevam sobre amplos terraços ao ar livre, um gramado irregular, jardins de rosas, uma fonte borbulhante e uma gruta pitoresca, tudo entre hectares de vinhedos. A sua decoração elegante é obra de dois negociantes de arte parisienses apaixonados pela fotografia contemporânea. Vinhos premiados e jantares com estrelas Michelin oferecem uma experiência abrangente e sofisticada que inclui uma bela piscina ao lado do gramado e tratamentos de spa sob demanda. Os amantes do vinho podem visitar a vinícola e provar as safras em uma sala de degustação simplificada.

No Auberge La Fenière, perto de Lourmarin, prevalece um ambiente campestre mais modesto - exceto na sala de jantar, onde a chef Nadia Sammut, com estrela no guia Michelin, transforma a gastronomia sem laticínios e sem glúten em arte. Você não saberia de seus pratos requintados, mas aqueles para quem é importante podem comer sem se preocupar com o mundo. Embora Sammut seja muito procurado em todo o mundo para ensinar sobre agricultura sustentável e culinária sem glúten e não láctea, você nunca fará uma refeição no La Fenière que não seja preparada pelo próprio chef.

Antiguidades ainda ganham destaque em L'Isle-sur-la-Sorgue, mas além de suas 350 lojas de antiguidades, "a Veneza da Provença" oferece exposições de arte consistentemente excelentes no Campredon Arts Centre e na Fondation Villa Datris.

Desde 1808, o Rio Sorgue tem ajudado Brun de Vian-Tiran a produzir algumas das melhores lãs da França. No novo e chique Filaventure (aventuras em fio), os visitantes são levados pelo fascinante processo de fazer o luxo produtos em cashmere, alpaca, mohair e muito mais, enquanto a boutique estoca suas lindas roupas de cama, mantas e lenços. Depois, vá para a Pâtisserie Jouvaud para uma variedade incrível de doces finos, chocolates e doces especiais, incluindo damascos locais em conserva e morangos. Se uma taça de vinho local é mais do seu gosto, 17 Place aux Vins é delicioso dentro e fora.

Ruínas do castelo de Buoux. Crédito da foto © Shutterstock

História antiga

De L'Isle-sur-la-Sorgue, não negligencie o aglomerado de pequenas aldeias, empoleiradas ou não, em um raio de cinco milhas. A charmosa Venasque tem uma igreja e um batistério que datam da época romana. Saint-Didier tem um animado mercado de segunda-feira pela manhã e nogado artesanal, uma especialidade local, e Pernes-Les-Fontaines, que possui nada menos que 40 fontes. Se você está procurando um hotel de luxo na área, o ambiente e a hospitalidade no boutique Château la Roque, em La Roque-sur-Perne, são imbatíveis.

Os locais antigos para visitar no Vaucluse se estendem desde os tempos do Paleolítico. Entre eles estão L'Abri du Pont de la Combette em Bonnieux, onde foram encontrados vestígios da ocupação Neandertal que datam de 60.000 anos, e Baume des Peyrards em Buoux, que começou como uma parada de caça antes de se tornar um habitat permanente no período Paleolítico Médio. .

O anfiteatro romano em Orange. Crédito da foto © Shutterstock

Mas a área é mais conhecida por suas extraordinárias ruínas romanas. O Théâtre Antique d'Orange, listado pela UNESCO, um dos teatros romanos mais bem preservados do mundo na antiga cidade romana de Orange, é uma parada obrigatória. Dependendo de quando você for, você pode ter a sorte de assistir a uma reconstituição. A extensa cidade de Vaison-la-Romaine abrange 2.000 anos de história, com vestígios de suas muralhas galo-romanas, banhos, casas elegantes e teatro, e a bela ponte romana que leva à cidade velha.

Começar ou terminar a sua viagem em Avignon é uma obrigação, quer você fique por um longo fim de semana - o que recomendamos - ou apenas um dia, há muito para explorar aqui. Escondido dentro das muralhas lindamente preservadas de Avignon, o centro histórico é um deleite para passear e descobrir. Além do Palais des Papes, lar dos papas franceses durante a maior parte do século 14, Avignon é uma capital das artes por excelência, com uma dúzia de museus e centros de artes excelentes para explorar, incluindo a coleção de classe mundial Lambert (e seu fabuloso restaurante no terraço ) e o Musée Calvet, instalado no magnífico Hôtel de Villeneuve-Martignan.

Avignon. Crédito da foto © Shutterstock

Avignon também é um centro de excelente comida, vinho e hospedagem, com dois dos melhores hotéis de Vaucluse, o elegante La Mirande, um hotel mansão a dois passos do Palais des Papes, e o requintado La Divine Comédie de quatro quartos, situado em um acre de jardins exuberantes, o maior jardim privado de Avignon.

Em julho, o Festival d’Avignon e o Festival Off atraem fãs de teatro de todo o mundo por seus diversos programas de 1.000 apresentações por dia. Os enófilos podem desfrutar de aulas de vinho na l’École des Vins d'Inter-Rhône, que podem ser personalizadas especificamente para você, com professores da L'Université du Vin em Suze-la-Rousse. E lá no Marché des Halles, que está aberto todos os dias, exceto às segundas-feiras, você pode encontrar toda a fartura da Provença em um único mercado de arregalar os olhos.

Smartphones são ótimos, mas não perca o posto de turismo local, onde você pode encontrar funcionários prestativos que falam inglês e brochuras em inglês, mesmo nas menores cidades. Quando estiver em Avignon, aproveite o excelente centro turístico, a apenas três minutos a pé do Collection Lambert. Os entusiastas do vinho obterão as informações mais atualizadas sobre visitas a vinhedos, degustações e eventos no Inter Rhône, instalado em uma mansão do século 18 em uma das áreas mais belas da cidade velha. Agora, vale a pena levantar um copo para.

Da revista France Today

Notre-Dame d’Aubune em Beaumes-de-Venise. Crédito da foto © Shutterstock


Sussurros de canto silencioso: esforços coletivos podem salvar nossas florestas

Antes do dia de Natal, todas as organizações sem fins lucrativos que têm meu nome em seus arquivos me enviaram um pedido de uma contribuição especial para continuar o valioso trabalho da organização no Quiet Corner.

Vou continuar a contribuir com o que posso, mas me pergunto se o legendário Robin Hood fora-da-lei do século 13, de quem se diz "roubou dos ricos para dar aos pobres", pode ser mais persuasivo em reunir os fundos necessários.

De acordo com um artigo da Associated Press há uma década, o acadêmico Julian Luxford acabara de relatar a descoberta de uma nota nas margens de um livro de história antiga escrito em latim por um monge medieval que datava por volta de 1460. & # xa0O monge escreveu que um bandido chamou Robin Hood e seus cúmplices estavam infestando a área da floresta de Sherwood, na Inglaterra, com "roubos contínuos".

De acordo com Luxford, a nota apoiava a história de que Robin Hood era "um aliado de bons cavaleiros e yeoman, gente do sal do mundo", mas seu relacionamento com o clero não era tão positivo, e Robin Hood era um ladrão persistente .

Luxford encontrou a nota enquanto pesquisava na biblioteca do prestigioso Eton College da Inglaterra. & # Xa0Eton foi fundado em 1440 pelo rei Henrique VI.

Como as florestas em Quiet Corner, Robin's Sherwood Forest tem uma história de problemas. A floresta de Sherwood já cobriu cerca de 100.000 acres, mas atualmente seu núcleo é de cerca de 450 acres com trechos de floresta em todo o resto do condado de Nottinghamshire. Ao longo dos séculos, a floresta foi dividida em fazendas, minas, cidades e extração de madeira, e foi a madeira de Sherwood que foi usada para construir navios medievais e até mesmo parte da famosa Catedral de São Paulo em Londres. Diz-se que sua coleção de carvalhos antigos ainda é uma das maiores da Europa.

O Carvalho Major, considerado um dos favoritos de Robin Hood e amigos, atrai visitantes para a floresta. A árvore tem circunferência de 33 pés e largura de 92 pés. & # Xa0É a maior árvore da floresta de Sherwood e acredita-se que tenha de 800 a 1.000 anos, no entanto, a devastação causada pela idade e as mudanças climáticas estão cobrando seu preço. Robin não reconheceria o lugar.


Os gigantes - Neumann e Nash

Embora muitos contribuidores ocupem um lugar na história da teoria dos jogos, é amplamente aceito que a análise moderna começou com John von Neumann e a estrutura metodológica foi fornecida por John Nash.

É provável que a teoria dos jogos não existisse nominalmente até que John von Neumann publicou o artigo pela primeira vez No Teoria dos Jogos de estratégia (1928). Embora não seja seu opus magnum, este artigo avançou amplamente no campo - seu significado é melhor compreendido ao revisar a proposta teorema fundamental da teoria dos jogos contido em:

O teorema fundamental da teoria dos jogos afirma que, em uma ampla categoria de jogos para duas pessoas, é sempre possivel para encontrar um equilíbrio do qual nenhum jogador deve se desviar unilateralmente. Tal equilíbrio existe em qualquer jogo de duas pessoas que satisfaça os seguintes critérios:

  1. O jogo é finito
  2. O jogo é um de informação completa
  3. É um soma zero jogos

Conhecido hoje como o Teorema Minimax, ele ainda é extremamente relevante e uma parte fundamental de qualquer curso básico de teoria dos jogos. A publicação seguinte de Neumann, no entanto, foi & amp ainda é o Santo Graal da teoria dos jogos.

Teoria dos jogos e comportamento econômico, publicado em 1944 por John von Neumann e o economista Oskar Morgenstern, é considerado o texto inovador que estabeleceu oficialmente a teoria dos jogos como um campo de pesquisa interdisciplinar. Na verdade, na introdução de seu 60º aniversário, a Princeton University Press descreveu-o como "o trabalho clássico no qual se baseia a teoria dos jogos modernos".

O segundo colaborador pródigo não é outro senão John Nash de A Beautiful Mind. Recebedor do prêmio Nobel, a afirmação de John Nash de fama na teoria dos jogos veio da expansão do conceito previamente definido de Neumann duas pessoasequilíbrio do jogo. Conhecido como equilíbrio de Nash e amplificador aplicável a uma variedade muito mais ampla de jogos, Nash provou que cada N jogadores finitos em uma soma diferente de zero (não apenas 2 jogadores de soma zero) tem uma estratégia ótima claramente definida.


Conteúdo

Fundação e expansão Editar

Em 1186 d.C., Jayavarman VII embarcou em um grande programa de construção e obras públicas. Rajavihara ("mosteiro do rei"), hoje conhecido como Ta Prohm ("ancestral Brahma"), foi um dos primeiros templos fundados de acordo com esse programa. A estela que comemora a fundação dá uma data de 1186 d.C. [4]

Jayavarman VII construiu Rajavihara em homenagem a sua família. A imagem principal do templo, representando Prajnaparamita, a personificação da sabedoria, foi modelada na mãe do rei. Os templos satélites do norte e do sul no terceiro recinto foram dedicados ao guru do rei, Jayamangalartha, [5]: 174 e seu irmão mais velho, respectivamente. Como tal, Ta Prohm formou um par complementar com o mosteiro do templo de Preah Khan, dedicado em 1191 d.C., cuja imagem principal representava o Bodhisattva da compaixão Lokesvara e foi modelado no pai do rei. [6]

A estela do templo registra que o local abrigava mais de 12.500 pessoas (incluindo 18 sumos sacerdotes e 615 dançarinos), com mais 80.000 habitantes nas aldeias vizinhas trabalhando para fornecer serviços e suprimentos. A estela também observa que o templo acumulou riquezas consideráveis, incluindo ouro, pérolas e sedas. [7] As expansões e acréscimos a Ta Prohm continuaram até o governo de Srindravarman no final do século XV.

Edição de abandono e restauração

Após a queda do Império Khmer no século 15, o templo de Ta Prohm foi abandonado e negligenciado por séculos. Quando o esforço para conservar e restaurar os templos de Angkor começou no início do século 21, a École Française d'Extrême-Orient decidiu que Ta Prohm seria deixado praticamente como foi encontrado, como uma "concessão ao gosto geral pela pitoresco." De acordo com o estudioso pioneiro de Angkor Maurice Glaize, Ta Prohm foi destacado por ser "um dos [templos] mais imponentes e o que melhor se fundiu com a selva, mas ainda não a ponto de fazer parte dela". [8] Não obstante, muito trabalho foi feito para estabilizar as ruínas, permitir o acesso e manter "esta condição de aparente abandono". [6]

Em 2013, o Archaeological Survey of India restaurou a maioria das partes do complexo do templo, alguns dos quais foram construídos do zero. [3] Passarelas de madeira, plataformas e grades com cordas foram colocadas ao redor do local para proteger o monumento de maiores danos devido ao grande fluxo de turistas.

Edição de Layout

O projeto de Ta Prohm é o de um templo Khmer "plano" típico (em oposição a um templo-pirâmide ou templo-montanha, cujos níveis internos são mais altos do que os externos). Cinco paredes retangulares circundam um santuário central. Como a maioria dos templos Khmer, Ta Prohm é orientado para o leste, então o templo propriamente dito é colocado de volta para o oeste ao longo de um eixo leste-oeste alongado. A parede externa de 1.000 por 650 metros abrange uma área de 650.000 metros quadrados que antes teria sido o local de uma cidade importante, mas que agora é amplamente arborizada. Existem gopuras de entrada em cada um dos pontos cardeais, embora o acesso hoje só seja possível pelo leste e oeste. No século 13, torres de face semelhantes às encontradas no Bayon foram adicionadas às gopuras. Algumas das torres de fachada desabaram. Ao mesmo tempo, fossos podiam ser encontrados dentro e fora do quarto recinto. A presença de dois fossos levou alguns historiadores a especular que os dias 12/13 restantes de Ta Prohm são uma expansão de um santuário budista mais antigo no mesmo local. [9]

Os três recintos internos do templo propriamente dito têm galerias, enquanto as torres dos cantos do primeiro recinto formam um quincunce com a torre do santuário central. Este plano básico é complicado para o visitante pelo acesso tortuoso exigido pelo estado parcialmente desmoronado do templo, bem como pelo grande número de outros edifícios que pontuam o local, alguns dos quais representam acréscimos posteriores. O mais substancial desses outros edifícios são as bibliotecas nos cantos sudeste do primeiro e terceiro recintos, os templos satélites nos lados norte e sul do terceiro recinto, o Salão dos Dançarinos entre a terceira e a quarta gopuras orientais e uma Casa de Fogo a leste da quarta gopura oriental.


História

História antiga

Os Amani foram uma das tribos de trolls que surgiram para desafiar os Zandalari por território e poder. & # 913 & # 93

Quando um grupo de trolls despertou Kith'ix, os C'Thrax viram as nações trolls com desprezo e, portanto, procuraram destruí-los com o aqir. No início da Guerra de Aqir e Troll, numerosas tribos menores caíram diante do aqir. Os Amani foram uma das muitas tribos de trolls que se juntaram ao Império de Zul, no qual os Zandalari assumiram o papel de comandar os exércitos trolls. O Império de Zul forçou o aqir a recuar e Kith'ix seria gravemente ferido pelos trolls e seus aliados loa. & # 913 & # 93

Buscando acabar definitivamente com a ameaça de aqir, os Zandalari sabiam que nenhum canto do continente poderia ser deixado desprotegido, e então os Zandalari convenceram as facções de trolls mais famintas por poder a estabelecerem novas e permanentes fortalezas em Kalimdor. Na vanguarda desses grupos estavam as tribos Gurubashi, Amani e Drakkari. Depois de terem vencido totalmente o aqir em suas novas regiões, eles poderiam reivindicar as terras férteis intocadas em que agora viviam. As tribos ambiciosas ouviram os Zandalari e concordaram prontamente.

A tribo Amani partiu para o nordeste, com o objetivo de caçar e destruir o líder aqir, Kith'ix. Eles rastrearam a trilha do C'Thrax nas profundezas das florestas do nordeste do continente, encontrando resistência cada vez mais feroz à medida que se aproximavam. Depois de atravessar legiões de aqir, o Amani finalmente alcançou o próprio general insetoide. Em uma batalha selvagem e lendária, praticamente toda a tribo se lançou contra Kith'ix e suas forças restantes em um ataque suicida. Os C'Thrax, embora feridos pelos conflitos anteriores da guerra, massacraram pessoalmente incontáveis ​​trolls. Apenas uma pequena fração da tribo sobreviveu ao terrível noivado, mas Kith'ix acabou sucumbindo aos incansáveis ​​caçadores. Embora tenha custado caro à tribo, a reputação dos Amani se tornou lendária entre todas as tribos de trolls por seu ato heróico. No topo do local onde mataram os C'Thrax, os Amani estabeleceram um novo assentamento. Com o tempo, ela se desenvolveria na impressionante cidade-templo de Zul'Aman & # 914 & # 93 e, com ela, nasceu o Império Amani.

Chegada dos High Elves

Quando os High Elves liderados por Dath'Remar Sunstrider foram exilados pela primeira vez e pousaram em Lordaeron, eles enfrentaram violentos confrontos com os trolls da floresta, que os viam contaminando sua terra natal. Na época da fundação de Quel'Thalas, o Império Amani era o império mais poderoso dos Reinos Orientais, eles ainda mantinham grande parte do norte de Lordaeron em seu domínio territorial.

Enquanto as forças de Zul'Aman lutavam para manter esses estranhos indesejados longe de suas terras, os High Elves desenvolveram um profundo ódio pelos trolls cruéis e os mataram à primeira vista sempre que eram encontrados. Com o tempo, os High Elves fundaram o Reino de Quel'Thalas e juraram criar um poderoso império que superaria o de seus primos Kaldorei. Infelizmente, eles logo descobriram que Quel'Thalas foi fundada em uma antiga cidade troll que os trolls ainda consideravam sagrada. Quase imediatamente, os trolls começaram a atacar os assentamentos élficos em massa.

Os teimosos elfos, relutantes em desistir de sua nova terra, utilizaram a magia que haviam obtido do Well of Eternity e mantiveram os trolls selvagens à distância. Sob a liderança de Dath'Remar, eles foram capazes de derrotar os bandos de guerra Amani que os superavam em dez para um. Alguns elfos, desconfiados dos antigos avisos dos Kaldorei, sentiram que seu uso de magia poderia chamar a atenção da Legião Ardente banida. Portanto, eles decidiram mascarar suas terras dentro de uma barreira protetora que ainda lhes permitiria trabalhar seus encantos. Eles construíram uma série de pedras rúnicas monolíticas em vários pontos ao redor de Quel'Thalas que marcavam os limites da barreira mágica. As Pedras Rúnicas não apenas mascararam a magia dos elfos de ameaças extra-dimensionais, mas também ajudaram a espantar os supersticiosos bandos de guerra trolls.

Com o passar do tempo, Quel'Thalas floresceu em uma quantidade brilhante de esforços e destreza mágica dos Altos Elfos e por quase quatro mil anos os Altos Elfos viveram pacificamente na segurança isolada de seu reino. No entanto, os trolls vingativos de Zul'Aman não foram derrotados tão facilmente. Eles tramaram e planejaram nas profundezas das florestas e esperaram que o número de seus bandos de guerra aumentasse. Finalmente, um poderoso exército de trolls saiu das florestas sombrias e mais uma vez sitiou as torres brilhantes de Quel'Thalas. & # 915 e # 93

As guerras dos trolls

Enquanto os High Elves liderados pelo Alto Rei Anasterian Sunstrider lutavam por suas vidas contra o violento ataque dos trolls, os dispersos humanos nômades de Lordaeron lutavam para consolidar suas próprias terras tribais. As tribos da humanidade primitiva invadiram os assentamentos umas das outras com pouca atenção para a unificação racial ou honra. No entanto, uma tribo, conhecida como Arathi, percebeu que os trolls estavam se tornando uma ameaça grande demais para ser ignorada. O Arathi desejava trazer todas as tribos sob seu domínio para que eles pudessem fornecer uma frente unificada contra os bandos de guerra troll.

Mesmo enquanto os Arathi manobravam, lutavam contra tribos rivais e ofereciam paz e igualdade àqueles que conquistaram, ganhando assim a lealdade daqueles que haviam derrotado, os Trolls da Floresta de Zul'Aman estavam provando ser muito bem-sucedidos contra os elfos superiores de Quel'Thalas . Em desespero, embaixadores cansados ​​de Quel'Thalas viajaram para Strom, a capital da nação Arathi de Arathor, para falar com o Rei Thoradin.

Os elfos informaram a Thoradin que os exércitos de trolls eram vastos e que, uma vez que os trolls destruíssem Quel'Thalas, eles seguiriam em frente para atacar as terras do sul. Os desesperados elfos, com extrema necessidade de ajuda militar, concordaram apressadamente em ensinar certos humanos selecionados a empunhar magia em troca de sua ajuda contra os bandos de guerra. Thoradin, desconfiado de qualquer magia, concordou em ajudar os elfos em caso de necessidade. Quase imediatamente, os feiticeiros élficos chegaram a Arathor e começaram a instruir um grupo de humanos nos caminhos da magia.

Os elfos descobriram que, embora os humanos fossem inatamente desajeitados no manejo da magia, eles possuíam uma afinidade natural surpreendente com ela. Cem homens aprenderam o básico dos segredos mágicos dos elfos: não mais do que o absolutamente necessário para combater os trolls. Convencidos de que seus alunos humanos estavam prontos para ajudar na luta, os elfos deixaram Strom e viajaram para o norte ao lado dos poderosos exércitos do Rei Thoradin.

Os exércitos unidos de elfos e humanos entraram em confronto com os opressores bandos de guerra troll no sopé das Montanhas Alterac. A batalha durou muitos dias, mas os incansáveis ​​exércitos de Arathor nunca se cansaram ou cederam um centímetro de terreno antes do ataque dos trolls. Os senhores élficos consideraram que havia chegado o momento de liberar os poderes de sua magia sobre o inimigo. Os cem magos humanos e uma multidão de feiticeiros élficos invocaram a fúria dos céus e incendiaram os exércitos trolls. Os fogos elementais impediram os trolls de regenerar suas feridas e queimaram suas formas torturadas de dentro para fora.

Entre os trolls, espalham-se os sussurros de uma lâmina enfeitiçada conhecida como & # 160 & # 91 Felo'melorn & # 93, habilitado por magia arcana não apenas para matar o mais formidável e astuto de seus inimigos, mas também para cortar números superiores e irrigar campos de batalha com seu sangue. Os feiticeiros Troll começaram a lançar feitiços e maldições contra a arma infame, mas a história confirma que mesmo o vodu mais sombrio fez pouco para negar a eficácia de Felo'melorn durante as Guerras Troll. & # 916 & # 93 Foi dito que mil trolls Amani caíram diante da fúria de Felo'melorn, & # 917 & # 93 derramando sangue Amani suficiente para cobrir as paredes de Zul'Aman. & # 918 & # 93 Como tal, tornou-se conhecido como um lendário assassino de trolls e maldição de trolls. & # 916 e # 93

Enquanto os exércitos trolls se rompiam e tentavam fugir, os exércitos de Thoradin os abateram e massacraram até o último de seus soldados. Os trolls nunca se recuperariam totalmente de sua derrota, e a história nunca veria os trolls se erguerem como uma única nação novamente. Assegurados de que Quel'Thalas seria salvo da destruição, os elfos fizeram uma promessa de lealdade e amizade à nação de Arathor e à linhagem de seu rei, Thoradin. Humanos e elfos cultivariam relações pacíficas por muito tempo. & # 919 e # 93


Conteúdo

    - Rei da Grã-Bretanha
  • Conde de gloucester
  • Conde de Kent - mais tarde disfarçado de Caius - o tolo de Lear
  • Edgar - filho primogênito de Gloucester - filho ilegítimo de Gloucester - filha mais velha de Lear - segunda filha de Lear - filha mais nova de Lear
  • Duque de Albany - marido de Goneril
  • Duque da Cornualha - marido de Regan
  • Cavalheiro - atende Cordelia
  • Oswald - mordomo leal de Goneril
  • Rei da França - pretendente e mais tarde marido de Cordélia
  • Duque da Borgonha - pretendente a Cordelia
  • Velho - inquilino de Gloucester
  • Curan - cortesão

Ato I Editar

O rei Lear da Grã-Bretanha, idoso e querendo se aposentar dos deveres da monarquia, decide dividir seu reino entre suas três filhas e declara que oferecerá a maior parte para aquele que mais o ama. A mais velha, Goneril, fala primeiro, declarando seu amor pelo pai em termos explícitos. Comovido por sua bajulação, Lear passa a conceder a Goneril sua parte assim que ela terminar sua declaração, antes que Regan e Cordelia tenham chance de falar. Ele então concede a Regan sua parte assim que ela fala. Quando finalmente chega a vez de sua filha mais nova e favorita, Cordelia, a princípio ela se recusa a dizer qualquer coisa ("Nada, meu Senhor") e depois declara que não há nada para comparar com seu amor, nenhuma palavra para expressá-lo adequadamente, ela diz honestamente, mas sem rodeios, que ela o ama de acordo com seu vínculo, nem mais nem menos, e reservará metade de seu amor para seu futuro marido. Enfurecido, Lear deserdou Cordelia e dividiu sua parte entre as irmãs mais velhas.

O conde de Gloucester e o conde de Kent observam que, ao dividir seu reino entre Goneril e Regan, Lear concedeu seu reino em partes iguais aos nobres do duque de Albany (marido de Goneril) e do duque da Cornualha (marido de Regan) . Kent se opõe ao tratamento injusto de Lear com Cordelia. Enfurecido com os protestos de Kent, Lear o expulsa do país. Lear então convoca o duque da Borgonha e o rei da França, que propuseram casamento a Cordélia. Ao saber que Cordelia foi deserdada, o duque da Borgonha desiste do processo, mas o rei da França fica impressionado com sua honestidade e se casa com ela mesmo assim. O rei da França fica chocado com a decisão de Lear porque até então Lear apenas elogiava e favorecia Cordélia (". Aquela que até agora era seu melhor objeto, / O argumento de seu louvor, bálsamo de sua idade,."). [1] Enquanto isso, Gloucester apresentou seu filho ilegítimo Edmund a Kent.

Lear anuncia que viverá alternadamente com Goneril e Regan, e seus maridos. Ele reserva para si um séquito de 100 cavaleiros, para serem sustentados por suas filhas. Goneril e Regan falam em particular, revelando que suas declarações de amor eram falsas e que veem Lear como um velho tolo.

O filho bastardo de Gloucester, Edmund, se ressente de seu status ilegítimo e planeja se livrar de seu meio-irmão mais velho legítimo, Edgar. Ele engana o pai com uma carta falsa, fazendo-o pensar que Edgar planeja usurpar a propriedade. O conde de Kent retorna do exílio disfarçado (chamando-se Caius), e Lear o contrata como servo. Na casa de Albany e Goneril, Lear e Kent brigam com Oswald, o administrador de Goneril. Lear descobre que agora que Goneril tem poder, ela não o respeita mais. Ela ordena que ele reduza o número de sua comitiva desordenada. Enfurecido, Lear parte para a casa de Regan. O Louco censura Lear por sua tolice em dar tudo a Regan e Goneril e prevê que Regan não o tratará melhor.

Ato II Editar

Edmund fica sabendo por Curan, um cortesão, que provavelmente haverá uma guerra entre Albany e Cornwall e que Regan e Cornwall devem chegar à casa de Gloucester naquela noite. Aproveitando a chegada do duque e Regan, Edmund finge um ataque de Edgar, e Gloucester é completamente enganado. Ele deserdou Edgar e o proclamou um fora da lei.

Levando a mensagem de Lear para Regan, Kent encontra Oswald novamente na casa de Gloucester, briga com ele novamente e é colocado no estoque por Regan e seu marido Cornwall. Quando Lear chega, ele se opõe aos maus-tratos de seu mensageiro, mas Regan despreza o pai tanto quanto Goneril. Lear está furioso, mas impotente. Goneril chega e apóia o argumento de Regan contra ele. Lear cede completamente à sua raiva. Ele corre para uma tempestade para reclamar de suas filhas ingratas, acompanhado pelo tolo zombeteiro. Kent depois segue para protegê-lo. Gloucester protesta contra os maus-tratos de Lear. Com o séquito de cem cavaleiros de Lear dissolvido, os únicos companheiros que lhe restam são seu Louco e Kent. Vagando pela charneca após a tempestade, Edgar, disfarçado de um louco chamado Tom o 'Bedlam, conhece Lear. Edgar balbucia loucamente enquanto Lear denuncia suas filhas. Kent os conduz para um abrigo.

Ato III Editar

Edmund trai Gloucester para Cornwall, Regan e Goneril. Ele revela evidências de que seu pai sabe de uma invasão francesa iminente destinada a restabelecer Lear ao trono e, de fato, um exército francês desembarcou na Grã-Bretanha. Assim que Edmund sai com Goneril para avisar Albany sobre a invasão, Gloucester é preso e Regan e Cornwall arrancam os olhos de Gloucester. Enquanto eles estão fazendo isso, um servo fica furioso com o que está testemunhando e ataca Cornualha, ferindo-o mortalmente. Regan mata o servo e diz a Gloucester que Edmund o traiu, então ela o expulsa para vagar pela charneca também.

Ato IV Editar

Edgar, em seu disfarce de louco, encontra seu pai cego na charneca. Gloucester, cego e sem reconhecer a voz de Edgar, implora que ele o conduza a um penhasco em Dover para que ele pule para a morte. Goneril descobre que acha Edmund mais atraente do que seu honesto marido Albany, a quem ela considera covarde. Albany desenvolveu uma consciência - ele está enojado com o tratamento dado pelas irmãs a Lear e Gloucester - e denuncia sua esposa. Goneril manda Edmund de volta para Regan. Depois de receber a notícia da morte de Cornwall, ela teme que sua irmã recém-viúva possa roubar Edmund e lhe envia uma carta por meio de Oswald. Agora sozinho com Lear, Kent o leva ao exército francês, que é comandado por Cordelia. Mas Lear está meio louco e terrivelmente envergonhado por suas loucuras anteriores. Por instigação de Regan, Albany junta suas forças com as dela contra os franceses. As suspeitas de Goneril sobre os motivos de Regan são confirmadas e devolvidas, já que Regan adivinha corretamente o significado de sua carta e declara a Oswald que ela é um par mais apropriado para Edmund. Edgar finge levar Gloucester a um penhasco, então muda sua voz e diz a Gloucester que milagrosamente sobreviveu a uma grande queda. Lear aparece, agora completamente louco. Ele afirma que o mundo inteiro está corrupto e foge.

Oswald aparece, ainda procurando por Edmund. Por ordem de Regan, ele tenta matar Gloucester, mas é morto por Edgar. No bolso de Oswald, Edgar encontra a carta de Goneril, na qual ela incentiva Edmund a matar seu marido e tomá-la como esposa. Kent e Cordelia se encarregam de Lear, cuja loucura passa rapidamente. Regan, Goneril, Albany e Edmund se reúnem com suas forças. Albany insiste que eles lutem contra os invasores franceses, mas não prejudiquem Lear ou Cordelia. As duas irmãs desejam Edmund, que fez promessas a ambos. Ele considera o dilema e trama as mortes de Albany, Lear e Cordelia. Edgar entrega a carta de Goneril a Albany. Os exércitos se encontram em batalha, os britânicos derrotam os franceses e Lear e Cordelia são capturados. Edmund envia Lear e Cordelia com ordens secretas conjuntas dele (representando Regan e suas forças) e Goneril (representando as forças de seu ex-marido, Albany) para a execução de Cordelia.

Ato V Editar

Os líderes britânicos vitoriosos se encontram, e a recentemente viúva Regan declara que se casará com Edmund. Mas Albany expõe as intrigas de Edmund e Goneril e proclama Edmund um traidor. Regan adoece, envenenada por Goneril, e é escoltada para fora do palco, onde morre. Edmund desafia Albany, que pede um julgamento por combate. Edgar aparece mascarado e em armadura e desafia Edmund para um duelo. Ninguém sabe quem ele é. Edgar fere Edmund mortalmente, embora Edmund não morra imediatamente. Albany confronta Goneril com a carta que pretendia ser sua sentença de morte, ela foge de vergonha e raiva. Edgar se revela e relata que Gloucester morreu fora do palco com o choque e a alegria de saber que Edgar está vivo, depois que Edgar se revelou a seu pai.

Fora do palco, Goneril, com seus planos frustrados, comete suicídio. O moribundo Edmund decide, embora admita que é contra seu próprio caráter, tentar salvar Lear e Cordelia, mas sua confissão chega tarde demais. Logo depois, Albany envia homens para revogar as ordens de Edmund. Lear entra carregando o cadáver de Cordelia nos braços, tendo sobrevivido matando o carrasco. Kent aparece e Lear agora o reconhece. Albany exorta Lear a reassumir seu trono, mas como aconteceu com Gloucester, as provações pelas quais Lear passou finalmente o dominaram e ele morre. Albany então pede a Kent e Edgar para assumir o trono. Kent recusa, explicando que seu mestre o está chamando para uma jornada e ele deve segui-lo. Finalmente, Albany (na versão in-quarto) ou Edgar (na versão fólio) implica que ele agora se tornará rei.

A peça de Shakespeare é baseada em vários relatos da figura britônica semi-lendária Leir da Grã-Bretanha, cujo nome foi associado por alguns estudiosos [ quem? ] ao deus britônico Lir / Llŷr, embora na realidade os nomes não sejam etimologicamente relacionados. [2] [3] [4] A fonte mais importante de Shakespeare é provavelmente a segunda edição de As Crônicas da Inglaterra, Scotlande e Irelande por Raphael Holinshed, publicado em 1587. O próprio Holinshed descobriu a história no Historia Regum Britanniae por Geoffrey de Monmouth, que foi escrito no século XII. Edmund Spenser The Faerie Queene, publicado em 1590, também contém uma personagem chamada Cordelia, que também morreu enforcada, como em Rei Lear. [5]

Outras fontes possíveis são o jogo anônimo King Leir (publicado em 1605) The Mirror for Magistrates (1574), por John Higgins The Malcontent (1604), por John Marston The London Prodigal (1605) Montaigne's Ensaios, que foram traduzidos para o inglês por John Florio em 1603 Uma descrição histórica da Ilha da Bretanha (1577), por William Harrison Restos sobre a Bretanha (1606), por William Camden Inglaterra de Albion (1589), por William Warner e Uma declaração de flagrantes imposições papais (1603), de Samuel Harsnett, que forneceu parte da linguagem usada por Edgar enquanto ele fingia loucura. [6] Rei Lear também é uma variante literária de um conto popular comum, Love Like Salt, Aarne-Thompson tipo 923, em que um pai rejeita sua filha mais nova por uma declaração de amor que não o agrada. [7] [8]

A fonte da subtrama envolvendo Gloucester, Edgar e Edmund é um conto de Philip Sidney Condessa da Arcádia de Pembroke (1580–1590), com um rei cego de Paphlagonian e seus dois filhos, Leonatus e Plexitrus. [9]

Mudanças do material de origem Editar

Além da subtrama envolvendo o conde de Gloucester e seus filhos, a principal inovação que Shakespeare fez nessa história foi a morte de Cordelia e Lear no final do relato de Geoffrey de Monmouth, Cordelia restaura Lear ao trono e o sucede como governante após sua morte. Durante o século 17, o final trágico de Shakespeare foi muito criticado e versões alternativas foram escritas por Nahum Tate, nas quais os personagens principais sobreviveram e Edgar e Cordelia se casaram (apesar do fato de Cordelia ter sido anteriormente prometida ao rei da França). Como afirma Harold Bloom: "A versão de Tate manteve-se no palco por quase 150 anos, até que Edmund Kean restabeleceu o trágico final da peça em 1823." [10]

Não há nenhuma evidência direta para indicar quando Rei Lear foi escrito ou executado pela primeira vez. Acredita-se que tenha sido composta em algum momento entre 1603 e 1606. Uma entrada do Stationers 'Register observa uma performance antes de James I em 26 de dezembro de 1606. A data de 1603 origina-se de palavras nos discursos de Edgar que podem derivar de Samuel Harsnett Declaração de Egrégias Imposturas Papistas (1603). [11] Uma questão significativa na datação da peça é a relação de Rei Lear para a peça intitulada A verdadeira história da crônica da vida e morte do rei Leir e suas três filhas, que foi publicado pela primeira vez após sua entrada no Registro de Papelarias de 8 de maio de 1605. Esta peça teve um efeito significativo em Shakespeare, e seu estudo cuidadoso sugere que ele estava usando uma cópia impressa, o que sugere uma data de composição de 1605–06. [12] Por outro lado, Frank Kermode, no Riverside Shakespeare, considera a publicação de Leir ter sido uma resposta às performances da peça já escrita de Shakespeare, observando um soneto de William Strachey que pode ter semelhanças verbais com Lear, Kermode conclui que "1604–05 parece o melhor meio-termo". [13]

Uma linha da peça que diz respeito a "Estes eclipses tardios no sol e na lua" [14] parece referir-se a um fenômeno de dois eclipses que ocorreram em Londres com alguns dias de diferença - o eclipse lunar de 27 de setembro de 1605 e o eclipse solar de 12 de outubro de 1605. Este notável par de eventos despertou muita discussão entre os astrólogos. A linha de Edmund "Uma previsão que li neste outro dia ..." [15] aparentemente se refere aos prognósticos publicados dos astrólogos, que se seguiram aos eclipses. Isso sugere que essas linhas no Ato I foram escritas algum tempo depois dos eclipses e dos comentários publicados. [16]

O texto moderno de Rei Lear deriva de três fontes: dois quartos, um publicado em 1608 (Q1) e o outro em 1619 (Q2), [a] e a versão no primeiro fólio de 1623 (F1) Q1 tem "muitos erros e confusões". [17] Q2 foi baseado em Q1. Introduziu correções e novos erros. [18] O segundo trimestre também informou o texto do fólio. [19] Os textos Quarto e Folio diferem significativamente. Q1 contém 285 linhas que não estão em F1 F1 contém cerca de 100 linhas que não estão em Q1. Além disso, pelo menos mil palavras individuais são alteradas entre os dois textos, cada texto tem diferentes estilos de pontuação e cerca de metade das linhas dos versos no F1 são impressos em prosa ou divididos de forma diferente no Q1. Os primeiros editores, começando com Alexander Pope, combinaram os dois textos, criando a versão moderna que tem sido comumente usada desde então. A versão combinada originou-se da suposição de que as diferenças nas versões não indicam qualquer reescrita pelo autor de que Shakespeare escreveu apenas um manuscrito original, que agora está perdido e que as versões Quarto e Folio contêm várias distorções daquele original perdido. Outros editores, como Nuttall e Bloom, sugeriram que o próprio Shakespeare talvez estivesse envolvido na reformulação de passagens da peça para acomodar performances e outras exigências textuais da peça. [20]

Já em 1931, Madeleine Doran sugeriu que os dois textos tinham histórias independentes e que essas diferenças entre eles eram criticamente interessantes. Este argumento, no entanto, não foi amplamente discutido até o final dos anos 1970, quando foi revivido, principalmente por Michael Warren e Gary Taylor, que discutem uma variedade de teorias, incluindo a ideia de Doran de que o Quarto pode ter sido impresso a partir de artigos nojentos de Shakespeare, e que o fólio pode ter sido impresso a partir de um promptbook preparado para uma produção. [21]

The New Cambridge Shakespeare publicou edições separadas de Q e F, a edição mais recente do Pelican Shakespeare contém o texto Quarto de 1608 e o Folio de 1623, bem como uma versão combinada da edição New Arden editada por R.A. Foakes oferece um texto confuso que indica aquelas passagens que são encontradas apenas em Q ou F. Tanto Anthony Nuttall da Universidade de Oxford quanto Harold Bloom da Universidade de Yale endossaram a visão de Shakespeare ter revisado a tragédia pelo menos uma vez durante sua vida. [20] Como Bloom indica: "No final da revisão de Shakespeare Rei Lear, um relutante Edgar torna-se rei da Grã-Bretanha, aceitando seu destino, mas com toques de desespero. Nuttall especula que Edgar, como o próprio Shakespeare, usurpa o poder de manipular o público enganando o pobre Gloucester. "[20]

Análise e crítica de Rei Lear ao longo dos séculos foi extensa.

Interpretações historicistas Editar

John F. Danby, em seu A Doutrina da Natureza de Shakespeare - Um Estudo do Rei Lear (1949), argumenta que Lear dramatiza, entre outras coisas, os significados atuais de "Natureza". As palavras "natureza", "natural" e "não natural" ocorrem mais de quarenta vezes na peça, refletindo um debate na época de Shakespeare sobre como a natureza realmente era. Esse debate permeia a peça e encontra expressão simbólica na mudança de atitude de Lear em relação ao Trovão. Existem duas visões fortemente contrastantes da natureza humana na peça: a do partido Lear (Lear, Gloucester, Albany, Kent), exemplificando a filosofia de Bacon e Hooker, e a do partido Edmund (Edmund, Cornwall, Goneril, Regan ), semelhante às opiniões posteriormente formuladas por Hobbes, embora este ainda não tivesse começado sua carreira de filosofia quando Lear foi realizada pela primeira vez. Junto com as duas visões da Natureza, a peça contém duas visões da Razão, apresentadas nos discursos de Gloucester e Edmund sobre astrologia (1.2). A racionalidade da festa de Edmund é aquela com a qual o público moderno se identifica mais facilmente. Mas o partido de Edmund leva o racionalismo ousado a tais extremos que se torna uma loucura: uma loucura na razão, a contraparte irônica da "razão na loucura" de Lear (IV.6.190) e a sabedoria na loucura do Louco. Esta traição da razão está por trás da ênfase posterior da peça em sentindo-me.

As duas naturezas e as duas razões implicam duas sociedades. Edmund é o Novo Homem, um membro de uma época de competição, suspeita, glória, em contraste com a sociedade mais antiga que veio da Idade Média, com sua crença na cooperação, decência razoável e respeito pelo todo como maior do que a parte. Rei Lear é, portanto, uma alegoria. A sociedade mais velha, a da visão medieval, com seu rei amoroso, cai no erro e é ameaçada pelo novo maquiavelismo, ela é regenerada e salva por uma visão de uma nova ordem, encarnada na filha rejeitada do rei. Cordelia, no esquema alegórico, é tríplice: uma pessoa um princípio ético (amor) e uma comunidade. No entanto, a compreensão de Shakespeare do Novo Homem é tão extensa que chega quase a ser simpática. Edmund é a última grande expressão em Shakespeare daquele lado do individualismo renascentista - a energia, a emancipação, a coragem - que deu uma contribuição positiva à herança do Ocidente. "Ele incorpora algo vital que uma síntese final deve reafirmar. Mas ele faz uma afirmação absoluta que Shakespeare não apoiará. É certo que o homem sinta, como Edmund, que a sociedade existe para o homem, não o homem para a sociedade. Não é direito de afirmar o tipo de homem que Edmund erigiria para essa supremacia. " [23]

A peça oferece uma alternativa à polaridade feudal-maquiavélica, uma alternativa prenunciada no discurso da França (I.1.245–256), nas orações de Lear e Gloucester (III.4. 28-36 IV.1.61-66) e na figura de Cordelia. Até que a sociedade decente seja alcançada, devemos tomar como modelo (embora qualificado pelas ironias de Shakespeare) Edgar, "o maquiavel da bondade", [24] resistência, coragem e "maturidade". [23]

A peça também contém referências a disputas entre o rei Jaime I e o Parlamento. Nas eleições de 1604 para a Câmara dos Comuns, Sir John Fortescue, o Chanceler do Tesouro, foi derrotado por um membro da pequena nobreza de Buckinghamshire, Sir Francis Goodwin. [25] Descontente com o resultado, James declarou o resultado da eleição de Buckinghhamshire inválido, e jurou em Fortescue como o MP de Buckinghamshire enquanto a Câmara dos Comuns insistia em jurar Goodwin, levando a um confronto entre o rei e o Parlamento sobre quem tinha direito de decidir quem tem assento na Câmara dos Comuns. [25] O MP Thomas Wentworth, filho de outro MP Peter Wentworth - muitas vezes preso sob Elizabeth por levantar a questão da sucessão na Câmara dos Comuns - foi mais enérgico em protestar contra as tentativas de James de reduzir os poderes da Câmara dos Comuns, dizendo que King não poderia simplesmente declarar inválidos os resultados de uma eleição se não gostasse de quem havia ganhado a cadeira, pois ele insistia que sim. [26] O personagem de Kent se assemelha a Peter Wentworth na maneira que é indelicado e direto ao aconselhar Lear, mas seu ponto é válido de que Lear deveria ser mais cuidadoso com seus amigos e conselheiros. [26]

Assim como a Câmara dos Comuns argumentou a James que sua lealdade era à constituição da Inglaterra, não ao rei pessoalmente, Kent insiste que sua lealdade é institucional, não pessoal, já que ele é leal ao reino do qual o rei é o chefe, não para o próprio Lear, e ele diz a Lear para se comportar melhor para o bem do reino. [26] Por outro lado, Lear apresenta um argumento semelhante ao de Tiago de que, como rei, ele detém o poder absoluto e poderia desconsiderar as opiniões de seus súditos se elas o desagradassem sempre que quisesse. [26] Na peça, os personagens como o Louco, Kent e Cordelia, cujas lealdades são institucionais, vendo sua primeira lealdade ao reino, são retratados mais favoravelmente do que aqueles como Regan e Goneril, que insistem que são leais apenas ao rei , vendo sua lealdade como algo pessoal. [26] Da mesma forma, James era famoso por seu estilo de vida turbulento e depravado e sua preferência por cortesãos bajuladores que estavam sempre cantando seus louvores na esperança de progredir, aspectos de sua corte que se assemelham muito à corte do Rei Lear, que começa em a peça com uma corte turbulenta e depravada de cortesãos bajuladores. [27] Kent critica Oswald como um homem indigno de um cargo que só foi promovido por causa de sua bajulação, dizendo a Lear que ele deveria ser leal àqueles que estão dispostos a lhe dizer a verdade, uma declaração que muitos na Inglaterra gostariam que James fosse Guarda. [27]

Além disso, Jaime VI da Escócia herdou o trono da Inglaterra com a morte de Elizabeth I em 1603, unindo assim os reinos da ilha da Grã-Bretanha em um, e uma questão importante de seu reinado foi a tentativa de forjar uma identidade britânica comum. [28] Jaime deu a seus filhos Henrique e Carlos os títulos de duque de Cornwell e duque de Albany, os mesmos títulos dos homens casados ​​com Regan e Goneril. [29] A peça começa com Lear governando toda a Grã-Bretanha e termina com ele destruindo seu reino. O crítico Andrew Hadfield argumentou que a divisão da Grã-Bretanha por Lear era uma inversão da unificação da Grã-Bretanha por James, que acreditava que suas políticas resultariam em um reino unificado bem governado e próspero sendo passado para seu herdeiro. [29] Hadfield argumentou que a peça era um aviso para James, já que na peça um monarca perde tudo ao ceder a seus cortesãos bajuladores que apenas procuram usá-lo enquanto negligenciam aqueles que o amam de verdade. [29] Hadfield também argumentou que o mundo da corte de Lear é "infantil", com Lear apresentando-se como o pai da nação e exigindo que todos os seus súditos, não apenas seus filhos, se dirigissem a ele em termos paternos, o que inflama a maioria dos pessoas ao seu redor, o que faz referência à declaração de James em seu livro de 1598 A Lei Trew das Monarquias Livres que o rei é o "pai da nação", de quem todos os seus súditos são seus filhos. [30]

Interpretações psicanalíticas e psicossociais Editar

Rei Lear fornece uma base para "a representação primária do colapso psíquico na história literária inglesa". [31] A peça começa com o "narcisismo quase conto de fadas" de Lear. [32]

Dada a ausência de mães legítimas em Rei Lear, Coppélia Kahn [33] fornece uma interpretação psicanalítica do "subtexto materno" encontrado na peça. De acordo com Kahn, a velhice de Lear o obriga a regredir a uma disposição infantil, e ele agora busca um amor que é tradicionalmente satisfeito por uma mulher maternal, mas na ausência de uma mãe verdadeira, suas filhas se tornam as figuras maternas. A disputa de amor de Lear entre Goneril, Regan e Cordelia serve de acordo vinculativo para suas filhas receberem sua herança, desde que cuidem dele, especialmente Cordelia, de cujo "amável berçário" ele dependerá muito.

A recusa de Cordelia em se dedicar a ele e amá-lo como mais do que um pai foi interpretada por alguns como uma resistência ao incesto, mas Kahn também insere a imagem de uma mãe rejeitadora. A situação agora é uma reversão dos papéis pai-filho, em que a loucura de Lear é uma fúria infantil devido à sua privação de cuidado filial / materno. Mesmo quando Lear e Cordelia são capturados juntos, sua loucura persiste enquanto Lear imagina um berçário na prisão, onde a única existência de Cordelia é para ele. É somente com a morte de Cordelia que sua fantasia de uma filha-mãe finalmente diminui, como Rei Lear conclui com apenas personagens masculinos vivos.

Sigmund Freud afirmou que Cordelia simboliza a morte. Portanto, quando a peça começa com Lear rejeitando sua filha, pode-se interpretar como ele rejeitando a morte Lear não está disposto a enfrentar a finitude de seu ser. A cena final comovente da peça, em que Lear carrega o corpo de sua amada Cordelia, foi de grande importância para Freud. Nessa cena, Cordelia força a realização de sua finitude, ou como Freud colocou, ela o faz "fazer amizade com a necessidade de morrer". [34] Shakespeare tinha intenções particulares com a morte de Cordelia, e foi o único escritor a ter matado Cordelia (na versão do Nahum Tate, ela continua a viver feliz, e em Holinshed, ela restaura seu pai e o sucede).

Alternativamente, uma análise baseada na teoria Adleriana sugere que a disputa do rei entre suas filhas no Ato I tem mais a ver com seu controle sobre a solteira Cordelia. [35] Esta teoria indica que o "destronamento" do rei [36] pode tê-lo levado a buscar o controle que ele perdeu após dividir suas terras.

Em seu estudo da representação do personagem de Edmund, Harold Bloom se refere a ele como "o personagem mais original de Shakespeare". [37]

"Como Hazlitt apontou", escreve Bloom, "Edmund não compartilha da hipocrisia de Goneril e Regan: seu maquiavelismo é absolutamente puro e carece de um motivo edipiano. A visão de Freud dos romances familiares simplesmente não se aplica a Edmund. Iago é livre para se reinventar a cada minuto, mas Iago tem paixões fortes, por mais negativas que sejam. Edmund não tem paixões, nunca amou ninguém e nunca amará. Nesse aspecto, ele é o personagem mais original de Shakespeare. " [37]

A tragédia da falta de compreensão de Lear das consequências de suas demandas e ações é frequentemente observada como a de uma criança mimada, mas também foi notado que seu comportamento é igualmente provável de ser visto em pais que nunca se ajustaram a seus crianças tendo crescido. [38]

Cristianismo Editar

Os críticos estão divididos sobre a questão de saber se Rei Lear representa uma afirmação de uma doutrina cristã particular. [39] Aqueles que pensam que sim postulam argumentos diferentes, que incluem a importância do auto-despojamento de Lear. [40] Para alguns críticos, isso reflete os conceitos cristãos da queda dos poderosos e da perda inevitável de bens materiais. Por volta de 1569, sermões proferidos na corte como os de Windsor declararam como "os ricos são pó rico, os homens sábios pó sábio. Daquele que veste púrpura e traz a coroa até aquele que está vestido com as vestes mais mesquinhas, não há nada, mas garboil, e babar e içar, e persistente ira, e medo da morte e a própria morte, e fome, e muitos chicotadas de Deus. " [40] Alguns vêem isso em Cordelia e no que ela simbolizou - que o corpo material são meras cascas que seriam descartadas para que o fruto pudesse ser alcançado. [39]

Entre aqueles que argumentam que Lear é redimido no sentido cristão por meio do sofrimento estão A.C. Bradley [41] e John Reibetanz, que escreveu: "por meio de seus sofrimentos, Lear conquistou uma alma iluminada". [42] Outros críticos que não encontram evidências de redenção e enfatizam os horrores do ato final incluem John Holloway [43] [ página necessária ] e Marvin Rosenberg. [44] [ página necessária ] William R. Elton enfatiza o cenário pré-cristão da peça, escrevendo que, "Lear preenche os critérios para o comportamento pagão na vida", caindo "na blasfêmia total no momento de sua perda irredimível". [45] Isso está relacionado à maneira como algumas fontes citam que, no final da narrativa, o Rei Lear se enfureceu contra o céu antes de morrer em desespero com a morte de Cordélia. [46]

Rei Lear tem sido interpretada por atores conceituados desde o século 17, quando os homens desempenhavam todos os papéis. A partir do século 20, várias mulheres desempenharam papéis masculinos na peça, mais comumente o Louco, que foi interpretado (entre outros) por Judy Davis, Emma Thompson e Robyn Nevin. O próprio Lear foi interpretado por Marianne Hoppe em 1990, [47] por Janet Wright em 1995, [48] por Kathryn Hunter em 1996-97, [49] e por Glenda Jackson em 2016 e 2019. [50]

Edição do século 17

Shakespeare escreveu o papel de Lear para o principal trágico de sua empresa, Richard Burbage, para quem Shakespeare estava escrevendo personagens cada vez mais velhos à medida que suas carreiras progrediam. [51] Especulou-se que o papel do Louco foi escrito para o palhaço da empresa, Robert Armin, ou que foi escrito para a atuação de um dos meninos da empresa, dobrando o papel de Cordelia. [52] [53] Apenas uma apresentação específica da peça durante a vida de Shakespeare é conhecida: antes da corte do Rei Jaime I em Whitehall em 26 de dezembro de 1606. [54] [55] Suas apresentações originais teriam sido no The Globe, onde não havia cenários no sentido moderno, e os personagens teriam representado seus papéis visualmente com adereços e fantasias: o traje de Lear, por exemplo, teria mudado no decorrer da peça conforme seu status diminuía: começando com coroa e regalia, em seguida, como um caçador furioso com a cabeça descoberta na cena da tempestade e, finalmente, coroado com flores em paródia de seu status original. [56]

Todos os teatros foram fechados pelo governo puritano em 6 de setembro de 1642. Com a restauração da monarquia em 1660, duas empresas de patentes (a King's Company e a Duke's Company) foram estabelecidas, e o repertório teatral existente foi dividido entre elas. [57] E desde a restauração até meados do século 19, a história da performance de Rei Lear não é a história da versão de Shakespeare, mas em vez de A História do Rei Lear, uma adaptação popular de Nahum Tate. Seus desvios mais significativos de Shakespeare foram omitir o Louco inteiramente, introduzir um final feliz em que Lear e Cordelia sobrevivem e desenvolver uma história de amor entre Cordelia e Edgar (dois personagens que nunca interagiram em Shakespeare) que termina com seu casamento. [58] Como a maioria dos adaptadores Restauração de Shakespeare, Tate admirava o gênio natural de Shakespeare, mas achou por bem aumentar seu trabalho com padrões contemporâneos de arte (que foram amplamente guiados pelas unidades neoclássicas de tempo, lugar e ação).[59] A luta de Tate para encontrar um equilíbrio entre a natureza crua e a arte refinada é aparente em sua descrição da tragédia: "uma pilha de joias, não amarradas e sem polimento, ainda não é tão deslumbrante em sua desordem, que logo percebi que tinha apreendeu um tesouro. " [60] [61] Outras mudanças incluíram dar a Cordelia um confidente chamado Arante, trazendo a peça mais perto de noções contemporâneas de justiça poética e adicionando material estimulante, como encontros amorosos entre Edmund e Regan e Goneril, uma cena em que Edgar resgata Cordelia da tentativa de sequestro e estupro de Edmund, [62] [63] e uma cena em que Cordelia usa calças masculinas que revelariam os tornozelos da atriz. [64] A peça termina com uma celebração da "abençoada Restauração do rei", uma referência óbvia a Carlos II. [b]

Editar do século 18

No início do século 18, alguns escritores começaram a expressar objeções a esta (e outras) adaptações de restauração de Shakespeare. Por exemplo, em O espectador em 16 de abril de 1711 Joseph Addison escreveu "Rei Lear é uma tragédia admirável. Como Shakespeare escreveu-o, mas como é reformado de acordo com a Noção quimérica de justiça poética em minha humilde opinião, ele perdeu metade de sua Beleza. "Ainda assim, no palco, a versão de Tate prevaleceu. [c]

David Garrick foi o primeiro ator-empresário a começar a cortar elementos da adaptação de Tate em favor do original de Shakespeare: ele manteve as principais mudanças de Tate, incluindo o final feliz, mas removeu muitas das falas de Tate, incluindo o discurso de encerramento de Edgar. [66] Ele também reduziu a proeminência da história de amor de Edgar-Cordelia, a fim de se concentrar mais na relação entre Lear e suas filhas. [67] Sua versão teve um impacto emocional poderoso: Lear levado à loucura por suas filhas foi (nas palavras de um espectador, Arthur Murphy) "a melhor angústia trágica já vista em qualquer palco" e, em contraste, a devoção demonstrada a Lear por Cordelia (uma mistura das contribuições de Shakespeare, Tate e Garrick para o papel) levou o público às lágrimas. [d]

As primeiras atuações profissionais de Rei Lear na América do Norte são provavelmente os da Hallam Company (mais tarde American Company), que chegou à Virgínia em 1752 e que incluiu a peça em seu repertório na época de sua partida para a Jamaica em 1774. [68]

Editar do século 19

Charles Lamb estabeleceu a atitude dos românticos para Rei Lear em seu ensaio de 1811 "Sobre as tragédias de Shakespeare, consideradas com referência à sua adequação para representação no palco", onde ele diz que a peça "é essencialmente impossível de ser representada no palco", preferindo vivenciá-la no estudo. No teatro, ele argumenta, "ver Lear atuado, ver um velho cambaleando pelo palco com uma bengala, expulso de casa pelas filhas em uma noite de chuva, não tem nada além do que é doloroso e nojento "ainda", enquanto o lemos, não vemos Lear, mas somos Lear; estamos em sua mente, somos sustentados por uma grandeza que confunde a malícia das filhas e das tempestades. " [69] [70]

Rei Lear foi politicamente controverso durante o período da loucura de Jorge III e, como resultado, não foi apresentado de forma alguma nos dois teatros profissionais de Londres de 1811 a 1820: mas foi então o tema de grandes produções em ambos, três meses após sua morte. [71] O século 19 viu a reintrodução gradual do texto de Shakespeare para substituir a versão de Tate. Como Garrick antes dele, John Philip Kemble introduziu mais do texto de Shakespeare, enquanto ainda preservava os três elementos principais da versão de Tate: a história de amor, a omissão do Louco e o final feliz. Edmund Kean jogou Rei Lear com seu final trágico em 1823, mas falhou e voltou a agradar ao público de Tate depois de apenas três apresentações. [72] [73] Finalmente, em 1838, William Macready em Covent Garden executou a versão de Shakespeare, livre das adaptações de Tate. [72] O personagem restaurado do Louco foi interpretado por uma atriz, Priscilla Horton, como, nas palavras de um espectador, "um menino frágil, agitado, de rosto bonito e aparência meio idiota". [74] E a aparência final de Helen Faucit como Cordelia, morta nos braços de seu pai, tornou-se uma das mais icônicas imagens vitorianas. [75] John Forster, escrevendo no Examinador em 14 de fevereiro de 1838, expressou a esperança de que "o sucesso do Sr. Macready baniu para sempre aquela desgraça [a versão de Tate] do palco". [76] Mas mesmo esta versão não era próxima à de Shakespeare: os atores-gerentes do século 19 cortaram pesadamente os roteiros de Shakespeare: terminando cenas em grandes "efeitos de cortina" e reduzindo ou eliminando papéis coadjuvantes para dar maior destaque à estrela. [77] Uma das inovações de Macready - o uso de estruturas semelhantes a Stonehenge no palco para indicar um cenário antigo - provou durar no palco até o século 20 e pode ser vista na versão para televisão de 1983 estrelada por Laurence Olivier. [78]

Em 1843, entrou em vigor a Lei de Regulamentação dos Teatros, pondo fim aos monopólios das duas empresas existentes e, com isso, aumentando o número de teatros em Londres. Ao mesmo tempo, a moda no teatro era "pictórica": valorizando o espetáculo visual acima do enredo ou caracterização e muitas vezes exigia longas (e demoradas) mudanças de cena. [79] Por exemplo, Henry Irving's 1892 Rei Lear ofereceu espetáculos como a morte de Lear sob um penhasco em Dover, seu rosto iluminado pelo brilho vermelho de um sol poente à custa de cortar 46% do texto, incluindo a cegueira de Gloucester. [80] Mas a produção de Irving claramente evocou fortes emoções: um espectador, Gordon Crosse, escreveu sobre a primeira entrada de Lear, "uma figura impressionante com cabelos brancos. Ele está apoiado em uma enorme espada embainhada que ele levanta com um grito selvagem em resposta à saudação gritada de seus guardas. Seu andar, sua aparência, seus gestos, tudo revela a mente nobre e imperiosa já degenerando em irritabilidade senil sob os choques vindouros de dor e idade. " [81]

A importância do pictorialismo para Irving, e para outros profissionais do teatro da era vitoriana, é exemplificada pelo fato de Irving ter usado a pintura de Ford Madox Brown Porção de Cordelia como inspiração para o visual de sua produção, e que o próprio artista foi trazido para fornecer sketches para a ambientação de outras cenas. [82] Uma reação contra o pictorialismo veio com o surgimento do movimento reconstrutivo, que acreditava em um estilo simples de encenação mais semelhante ao que ocorreria nos teatros renascentistas, cujo principal expoente inicial foi o ator-empresário William Poel. Poel foi influenciado por um desempenho de Rei Lear dirigido por Jocza Savits no Hoftheater em Munique em 1890, situado em um palco de avental com um Globe de três níveis - como um teatro de reconstrução como pano de fundo. Poel usaria essa mesma configuração para suas próprias performances shakespearianas em 1893. [83]

Edição do século 20

Em meados do século, a tradição ator-empresário havia declinado, sendo substituída por uma estrutura em que as principais companhias de teatro empregavam diretores profissionais como autores. O último dos grandes atores-empresários, Donald Wolfit, interpretou Lear em 1944 em um cenário parecido com o de Stonehenge e foi elogiado por James Agate como "a maior peça da atuação de Shakespeare desde que tive o privilégio de escrever para o Sunday Times". [e] [85] Wolfit supostamente bebeu oito garrafas de Guinness no decorrer de cada apresentação. [f]

O personagem de Lear no século 19 costumava ser o de um velho frágil da cena inicial, mas os Lears do século 20 geralmente começavam a peça como homens fortes exibindo autoridade real, incluindo John Gielgud, Donald Wolfit e Donald Sinden. [87] Cordélia, também, evoluiu no século 20: Cordélias anteriores eram frequentemente elogiadas por ser doce, inocente e modesta, mas Cordélias do século 20 eram frequentemente retratadas como líderes de guerra. Por exemplo, Peggy Ashcroft, no RST em 1950, desempenhou o papel de uma armadura peitoral e carregando uma espada. [88] Da mesma forma, o Louco evoluiu ao longo do século, com retratos muitas vezes derivados do music hall ou da tradição do circo. [89]

Em Stratford-upon-Avon, em 1962, Peter Brook (que mais tarde filmou a peça com o mesmo ator, Paul Scofield, no papel de Lear) apresentou a ação de forma simples, contra um enorme palco branco vazio. O efeito da cena quando Lear e Gloucester se encontram, duas pequenas figuras em farrapos no meio desse vazio, foi dito (pelo estudioso Roger Warren) para captar "tanto o pathos humano. E a escala universal. Da cena". [90] Algumas das falas da transmissão de rádio foram usadas pelos Beatles para adicionar à mixagem gravada da canção "I Am the Walrus". John Lennon viu a peça no Terceiro Programa da BBC enquanto mexia no rádio enquanto trabalhava na música. As vozes dos atores Mark Dignam, Philip Guard e John Bryning da peça são ouvidas na música. [91] [92]

Como outras tragédias de Shakespeare, Rei Lear provou ser passível de conversão em outras tradições teatrais. Em 1989, David McRuvie e Iyyamkode Sreedharan adaptaram a peça e a traduziram para Malayalam, para uma apresentação em Kerala na tradição Kathakali - que se desenvolveu por volta de 1600, contemporânea à escrita de Shakespeare. O show mais tarde saiu em turnê e, em 2000, tocou no Shakespeare's Globe, completando, segundo Anthony Dawson, "uma espécie de círculo simbólico". [93] Talvez ainda mais radical foi a adaptação de Ong Keng Sen de 1997 Rei Lear, que contou com seis atores, cada um atuando em uma tradição de atuação asiática separada e em suas próprias línguas. Um momento crucial ocorreu quando a performer de Jingju interpretando Older Daughter (uma fusão de Goneril e Regan) esfaqueou Lear interpretado por Noh, cuja queda mortal de "pinheiro caindo", de cara no palco, espantou o público, no que Yong Li Lan descreve como um "triunfo através da força motriz de noh desempenho no momento da derrota de seu personagem ". [94] [95]

Em 1974, Buzz Goodbody dirigiu Lear, um título deliberadamente abreviado para o texto de Shakespeare, como a produção inaugural do teatro estúdio da RSC, The Other Place. A performance foi concebida como uma peça de câmara, o pequeno espaço íntimo e a proximidade com o público possibilitaram uma atuação psicológica detalhada, que foi realizada com cenários simples e em trajes modernos. [96] Peter Holland especulou que esta decisão da empresa / diretor - a saber escolhendo apresentar Shakespeare em um pequeno local por motivos artísticos, quando um local maior estava disponível - pode ter sido inédito na época. [96]

A visão anterior de Brook da peça provou ser influente, e os diretores foram além ao apresentar Lear como (nas palavras de R.A. Foakes) "um cidadão idoso patético preso em um ambiente violento e hostil". Quando John Wood assumiu o papel em 1990, ele interpretou as cenas posteriores com roupas que pareciam peças descartadas, criando paralelos deliberados com os que não eram cuidados nas sociedades ocidentais modernas. [97] Na verdade, as produções modernas das peças de Shakespeare muitas vezes refletem o mundo em que são representadas tanto quanto o mundo para o qual foram escritas: e a cena teatral de Moscou em 1994 forneceu um exemplo, quando duas produções muito diferentes da peça ( aqueles de Sergei Zhonovach e Alexei Borodin), muito diferentes uns dos outros em seu estilo e perspectiva, foram ambos reflexos sobre o desmembramento da União Soviética. [98]

Edição do século 21

Em 2002 e 2010, a Hudson Shakespeare Company de New Jersey encenou produções separadas como parte de suas respectivas temporadas de Shakespeare in the Parks. A versão de 2002 foi dirigida por Michael Collins e transpôs a ação para um cenário náutico das Índias Ocidentais. Os atores foram apresentados em roupas que indicavam a aparência de várias ilhas do Caribe. A produção de 2010 dirigida por Jon Ciccarelli foi moldada após a atmosfera do filme O Cavaleiro das Trevas com uma paleta de vermelhos e pretos e ambientam a ação em um ambiente urbano. Lear (Tom Cox) apareceu como chefe de um conglomerado multinacional que dividiu sua fortuna entre sua filha socialite Goneril (Brenda Scott), sua oficiosa filha do meio Regan (Noelle Fair) e sua filha universitária Cordelia (Emily Best). [99]

Em 2012, o renomado diretor canadense Peter Hinton dirigiu uma produção de Primeiras Nações de Rei Lear no National Arts Centre em Ottawa, Ontário, com o cenário alterado para uma nação Algonquin no século 17. [100] O elenco incluiu August Schellenberg como Lear, Billy Merasty como Gloucester, Tantoo Cardinal como Regan, Kevin Loring como Edmund, Jani Lauzon em um papel duplo como Cordelia and the Fool, e Craig Lauzon como Kent. [100] Esta configuração seria posteriormente reproduzida como parte do Mangá Shakespeare série de histórias em quadrinhos publicada pela Self-Made Hero, adaptada por Richard Appignanesi e apresentando as ilustrações de Ilya.

Em 2015, o Theatre Passe Muraille de Toronto encenou uma produção ambientada no Upper Canada, tendo como pano de fundo a Upper Canada Rebellion de 1837. Essa produção estrelou David Fox como Lear. [101]

No verão de 2015-2016, a The Sydney Theatre Company encenou Rei Lear, dirigido por Neil Armfield com Geoffrey Rush no papel principal e Robyn Nevin como o Louco. Sobre a loucura no centro da peça, Rush disse que para ele "trata-se de encontrar o impacto dramático nos momentos de sua mania. O que parece funcionar melhor é encontrar uma vulnerabilidade ou um ponto de empatia, onde o público possa olhar Lear e pensar como deve ser chocante ser tão velho e ser banido de sua família para o ar livre em uma tempestade. Esse é um nível de empobrecimento que você nunca gostaria de ver em qualquer outro ser humano, nunca. " [102]

Em 2016, a Talawa Theatre Company e a Royal Exchange Manchester co-produziram uma produção de Rei Lear com Don Warrington no papel-título. [103] A produção, com um elenco predominantemente negro, foi descrita em O guardião como sendo "o mais próximo possível do definitivo". [104] The Daily Telegraph escreveu que "King Lear de Don Warrington é um tour de force de partir o coração". [105] Rei Lear foi encenado pela Royal Shakespeare Company, com Antony Sher no papel principal. A performance foi dirigida por Gregory Doran e foi descrita como tendo "força e profundidade". [106]

Em 2017, o Guthrie Theatre produziu uma produção de Rei Lear com Stephen Yoakam no papel-título. Armin Shimerman apareceu como o tolo, retratando-o com "uma severidade incomum, mas funciona", [107] em uma produção que foi saudada como "uma peça de teatro devastadora, e uma produção que lhe faz justiça". [107]

Lear foi interpretada na Broadway por Christopher Plummer em 2004 e Glenda Jackson em 2019, com Jackson reprisando sua atuação em uma produção de 2016 no The Old Vic em Londres.

Edição de filme e vídeo

O primeiro filme de Rei Lear foi uma versão alemã de cinco minutos feita por volta de 1905, que não sobreviveu. [108] A versão mais antiga existente é uma versão baseada em estúdio de dez minutos de 1909 por Vitagraph, que, de acordo com Luke McKernan, tomou a decisão "imprudente" de tentar empinar o máximo possível da trama. [109] Duas versões silenciosas, ambas intituladas Re Lear, foram feitos na Itália em 1910. Destes, a versão do diretor Gerolamo Lo Savio foi filmada no local, e abandonou o sub-enredo de Edgar e usou frequentes intertítulos para tornar o enredo mais fácil de seguir do que seu predecessor Vitagraph. [g] Um cenário contemporâneo foi usado para a adaptação francesa de Louis Feuillade de 1911 Aldeia Le Roi Lear Au, e em 1914 na América, Ernest Warde expandiu a história para uma hora, incluindo espetáculos como a cena final de uma batalha. [111]

The Joseph Mankiewicz (1949) Casa dos estranhos é frequentemente considerado um Lear adaptação, mas os paralelos são mais marcantes em Lança Quebrada (1954) em que um barão do gado interpretado por Spencer Tracy tiraniza seus três filhos, e apenas o mais jovem, Joe, interpretado por Robert Wagner, permanece leal. [112]

A série de antologia da TV Ônibus (1952-1961) encenou uma versão de 73 minutos de Rei Lear em 18 de outubro de 1953. Foi adaptado por Peter Brook e estrelou Orson Welles em sua estreia na televisão americana. [113]

Duas versões de tela de Rei Lear data do início dos anos 1970: Grigori Kozintsev's Korol Lir, [h] e o filme de Peter Brook de Rei Lear, estrelado por Paul Scofield. [116] O filme de Brook dividiu totalmente os críticos: Pauline Kael disse: "Eu não apenas não gostei dessa produção, eu odiei!" e sugeriu o título alternativo Noite dos Mortos-Vivos. [i] Ainda Robert Hatch em A nação considerou-a "excelente uma filmagem da peça como se pode esperar" e Vincent Canby em O jornal New York Times chamou de "um exaltante Lear, cheio de terror requintado ". [j] O filme baseou-se nas ideias de Jan Kott, em particular a sua observação de que Rei Lear foi o precursor do teatro absurdo, e que tem paralelos com o teatro de Beckett Endgame. [118] Os críticos que não gostam do filme chamam particularmente a atenção para sua natureza sombria desde sua abertura: reclamando que o mundo da peça não se deteriora com o sofrimento de Lear, mas começa escuro, incolor e invernal, deixando, de acordo com Douglas Brode, "Lear , a terra, e a gente sem ter para onde ir ". [119] A crueldade permeia o filme, que não faz distinção entre a violência de personagens aparentemente bons e maus, apresentando ambos de forma selvagem. [120] Paul Scofield, como Lear, evita o sentimentalismo: Este velho exigente com um círculo de cavaleiros rebeldes provoca simpatia do público pelas filhas nas primeiras cenas, e sua apresentação rejeita explicitamente a tradição de interpretar Lear como "pobre coitado de cabelos brancos patriarca". [121]

Korol Lir foi elogiado pelo crítico Alexander Anikst pela "abordagem séria e profundamente ponderada" até mesmo pela "abordagem filosófica" do diretor Grigori Kozintsev e do escritor Boris Pasternak. Fazendo uma crítica velada de Brook no processo, Anikst elogiou o fato de que não houve "nenhuma tentativa de sensacionalismo, nenhum esforço para 'modernizar' Shakespeare introduzindo temas freudianos, ideias existencialistas, erotismo ou perversão sexual. [Kozintsev]. simplesmente fez um filme da tragédia de Shakespeare. " [k] Dmitri Shostakovich forneceu uma trilha sonora épica, seus motivos incluindo uma fanfarra de trompete (cada vez mais irônica) para Lear e um "Chamado à Morte" de cinco compassos marcando a morte de cada personagem.[123] Kozintzev descreveu sua visão do filme como uma peça conjunta: com Lear, interpretado por um dinâmico Jüri Järvet, como o primeiro entre iguais em um elenco de personagens totalmente desenvolvidos. [124] O filme destaca o papel de Lear como rei, incluindo seu povo ao longo do filme em uma escala que nenhuma produção teatral poderia emular, traçando o declínio do personagem central de seu deus ao desamparo igual a sua descida final à loucura marcada por sua percepção de que ele negligenciou os "pobres desgraçados nus". [125] [126] À medida que o filme avança, personagens implacáveis ​​- Goneril, Regan, Edmund - aparecem cada vez mais isolados nas tomadas, em contraste com o foco do diretor, ao longo do filme, em massas de seres humanos. [127]

Jonathan Miller dirigiu duas vezes Michael Hordern no papel-título para a televisão inglesa, o primeiro para a BBC Jogo do Mês em 1975 e o segundo para o BBC Television Shakespeare em 1982. Hordern recebeu críticas mistas e foi considerado uma escolha ousada devido ao seu histórico de assumir papéis muito mais leves. [128] Também para a televisão inglesa, Laurence Olivier interpretou o papel em uma produção de 1983 para a Granada Television. Foi sua última aparição na tela em um papel de Shakespeare. [129]

Em 1985, uma grande adaptação da peça para o cinema apareceu: Correu, dirigido por Akira Kurosawa. Na época o filme japonês mais caro de todos os tempos, ele conta a história de Hidetora, um fictício senhor da guerra japonês do século 16, cuja tentativa de dividir seu reino entre seus três filhos leva a um afastamento com o mais jovem e, em última análise, o mais fiel dos eles, e eventualmente para a guerra civil. [130] Em contraste com os cinzas frios e monótonos de Brook e Kozintsev, o filme de Kurosawa é cheio de cores vibrantes: cenas externas em amarelos, azuis e verdes, interiores em marrom e âmbar e trajes codificados por cores de Emi Wada para cada um. soldados de membros da família. [131] [130] Hidetora tem uma história de fundo: uma ascensão violenta e implacável ao poder, e o filme retrata vítimas contrastantes: os virtuosos personagens Sue e Tsurumaru, que são capazes de perdoar, e a vingativa Kaede (Mieko Harada), de Hidetora nora e a vilã do filme, Lady Macbeth. [132] [133]

Uma cena em que um personagem é ameaçado de cegar à maneira de Gloucester constitui o clímax da paródia de terror de 1973 Teatro de sangue. [135] O uso em quadrinhos é feito da incapacidade de Sir de carregar fisicamente qualquer atriz escalada como Cordelia ao lado de seu Lear no filme da peça teatral de 1983 O armário. [136] John Boorman's 1990 Onde o coração está apresenta um pai que deserdou seus três filhos mimados. [137] Francis Ford Coppola incorporou deliberadamente elementos de Lear em sua sequência de 1990 O Poderoso Chefão Parte III, incluindo a tentativa de Michael Corleone de se aposentar do crime, jogando seu domínio na anarquia, e mais obviamente a morte de sua filha em seus braços. Paralelos também foram traçados entre o personagem Vincent de Andy García e Edgar e Edmund, e entre o personagem Connie e Kaede de Talia Shire em Correu. [138]

Em 1997, Jocelyn Moorhouse dirigiu Mil Acres, baseado no romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Jane Smiley, ambientado na década de 1990 em Iowa. [139] O filme é descrito, pelo estudioso Tony Howard, como a primeira adaptação para confrontar as dimensões sexuais perturbadoras da peça. [138] A história é contada do ponto de vista das duas filhas mais velhas, Ginny interpretada por Jessica Lange e Rose interpretada por Michelle Pfeiffer, que foram abusadas sexualmente por seu pai quando adolescentes. Sua irmã mais nova, Caroline, interpretada por Jennifer Jason Leigh, escapou desse destino e é a única a permanecer leal. [140] [141]

A peça foi adaptada ao mundo dos gângsteres em Don Boyd's 2001 Meu reino, uma versão que se diferencia de todas as outras por começar pelo personagem Lear, Sandeman, interpretado por Richard Harris, em uma relação de amor com sua esposa. Mas sua morte violenta marca o início de uma cadeia de eventos cada vez mais sombria e violenta (influenciada pelo documentário do co-escritor Nick Davies Dark Heart) que, apesar da negação do diretor de que o filme tivesse "paralelos sérios" com a peça de Shakespeare, na verdade refletem aspectos de sua trama de perto. [142] [143] Ao contrário de Lear de Shakespeare, mas como Hidetora e Sandeman, o personagem central da adaptação de Uli Edel para a TV americana de 2002 Rei do texas, John Lear interpretado por Patrick Stewart, tem uma história de fundo centrada em sua ascensão violenta ao poder como o proprietário de terras mais rico (metaforicamente um "rei") no Texas independente do general Sam Houston no início de 1840. Daniel Rosenthal comenta que o filme conseguiu, por ter sido encomendado pelo canal a cabo TNT, ter um final mais sombrio e violento do que teria sido possível nas redes nacionais. [144] Canal 4 comissionado em 2003 em duas partes Segunda geração definir a história do mundo da fabricação asiática e da música na Inglaterra. [145]

Em 2008, uma versão do Rei Lear produzido pela Royal Shakespeare Company estreou com Ian McKellen no papel de Rei Lear. [146]

Na comédia romântica de 2012 Se eu fosse Você, há uma referência à peça quando os personagens principais são escalados para uma versão feminina de King Lear ambientada nos tempos modernos, com Marcia Gay Harden escalada para o papel de Lear e Lenore Watling como "a idiota". Lear é uma executiva em um império corporativo em vez de literal, sendo eliminada de seu cargo. A peça diferente (e seu elenco) é um elemento importante da trama do filme. [ citação necessária A série dramática de televisão americana Empire é parcialmente inspirada em King Lear. [147] [148] [149]

Carl Bessai escreveu e dirigiu uma adaptação moderna de Rei Lear titulado The Lears. Lançado em 2017, o filme foi estrelado por Bruce Dern, Anthony Michael Hall e Sean Astin. [150]

Em 28 de maio de 2018, transmissão da BBC Two Rei Lear estrelando Anthony Hopkins no papel-título e Emma Thompson como Goneril. Dirigido por Richard Eyre, a peça teve um cenário do século XXI. Hopkins, aos 80 anos, foi considerado ideal para o papel e "em casa com a pele de Lear" pelo crítico Sam Wollaston. [151]

Edição de rádio e áudio

A primeira gravação de Argo Shakespeare para a Argo Records foi Rei Lear em 1957, dirigido e produzido por George Rylands com William Devlin no papel-título, Jill Balcon como Goneril e Prunella Scales como Cordelia. [152]

A Shakespeare Recording Society gravou uma produção de áudio integral em LP em 1965 (SRS-M-232) dirigida por Howard Sackler, com Paul Scofield como Lear, Cyril Cusack como Gloucester. Robert Stephens como Edmund, Rachel Roberts, Pamela Brown e John Stride.

Rei Lear foi transmitido ao vivo no Terceiro Programa da BBC em 29 de setembro de 1967, estrelado por John Gielgud, Barbara Jefford, Barbara Bolton e Virginia McKenna como Lear e suas filhas. [153] No Abbey Road Studios, John Lennon usou um microfone preso a um rádio para overdub fragmentos da peça (Ato IV, Cena 6) na música "I Am the Walrus", que os Beatles estavam gravando naquela noite. As vozes gravadas foram as de Mark Dignam (Gloucester), Philip Guard (Edgar) e John Bryning (Oswald). [91] [92]

Em 10 de abril de 1994, a Renaissance Theatre Company de Kenneth Branagh realizou uma adaptação para o rádio dirigida por Glyn Dearman estrelando Gielgud como Lear, com Keith Michell como Kent, Richard Briers como Gloucester, Dame Judi Dench como Goneril, Emma Thompson como Cordelia, Eileen Atkins como Regan, Kenneth Branagh como Edmund, John Shrapnel como Albany, Robert Stephens como Cornwall, Denis Quilley como Burgundy, Sir Derek Jacobi como França, Iain Glen como Edgar e Michael Williams como The Fool. [154]

Opera Edit

Ópera do compositor alemão Aribert Reimann Lear estreou em 9 de julho de 1978. [ citação necessária ]

Ópera de Toshio Hosokawa do compositor japonês Visão de Lear estreou em 18 de abril de 1998 na Bienal de Munique. [ citação necessária ]

Ópera do compositor finlandês Aulis Sallinen Kuningas Lear estreou em 15 de setembro de 2000. [ citação necessária ]

Edição de romances

Romance de Jane Smiley de 1991 Mil Acres, vencedor do Prêmio Pulitzer de Ficção, é baseado em Rei Lear, mas se estabeleceu em uma fazenda em Iowa em 1979 e contou a partir da perspectiva da filha mais velha. [155]

Em 27 de março de 2018, Tessa Gratton publicou uma adaptação de alta fantasia de Rei Lear titulado As Rainhas de Innis Lear com Tor Books. [156]

Edição de notas

  1. ^ O quarto de 1619 faz parte do chamado False Folio de William Jaggard.
  2. ^ Jean I. Marsden cita Tate's Lear linha 5.6.119. [63]
  3. ^ Citado por Jean I. Marsden. [65]
  4. ^ Jean I. Marsden cita Gray's Inn Journal 12 de janeiro de 1754. [67]
  5. ^ Citado por Stanley Wells. [84]
  6. ^ De acordo com Ronald Harwood, citado por Stanley Wells. [86]
  7. ^ Esta versão aparece na compilação de vídeo do British Film Institute Shakespeare Silencioso (1999). [110]
  8. ^ O título original deste filme em escrita cirílica é Король Лир e as fontes o anglicizam com grafias diferentes. Daniel Rosenthal dá como Korol Lir, [114] enquanto Douglas Brode o dá como Karol Lear. [115]
  9. ^Pauline Kael's Nova iorquino a revisão é citada por Douglas Brode. [117]
  10. ^ Ambos citados por Douglas Brode. [116]
  11. ^ Citado por Douglas Brode. [122]

Edição de referências

Todas as referências a Rei Lear, a menos que especificado de outra forma, são retirados da Biblioteca Folger Shakespeare Folger Digital Editions textos editados por Barbara Mowat, Paul Werstine, Michael Poston e Rebecca Niles. Sob seu sistema de referência, 1.1.246-248 significa ato 1, cena 1, linhas 246 a 248.


Assista o vídeo: vaison la (Dezembro 2021).