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Alfred Hitchcock - História

Alfred Hitchcock - História

Alfred Hitchcock

1899- 1980

Diretor

O lendário diretor de cinema Sir Alfred Hitchcock nasceu em 13 de agosto de 1899 em Leyonstone, Inglaterra. Seu domínio do suspense da tela é único na história do cinema. Ele também fez o primeiro "filme falado" na Inglaterra em 1929. Seus filmes, como O homem que Sabia Demais (1934), Os trinta e nove passos (1935), Rebecca (1940), Estranhos em um trem (1951), Vertigem (1958) e Psicopata (1960), entre muitos outros, cativou e aterrorizou os cinéfilos em todo o mundo.

Hitchcock também produziu um programa de televisão semanal nas décadas de 1950 e 1960. Embora indicado cinco vezes, Hitchcock nunca ganhou um Oscar. No entanto, Hitchcock continua a ser o padrão pelo qual todos os diretores do gênero suspense são medidos.


Biografia

Alfred Hitchcock nasceu em Leytonstone, Inglaterra, em 13 de agosto de 1899. Ele era o caçula de três filhos de William e Emma Jane Hitchcock.

Depois de frequentar uma escola técnica aos 15 anos, Hitchcock passou os primeiros anos de sua carreira como desenhista, designer de publicidade e redator. O interesse pela fotografia o levou a trabalhar na indústria cinematográfica de Londres, primeiro como designer de cartões de título para filmes mudos e, apenas cinco anos depois, como diretor.

Em 1926, Hitchcock se casou com seu assistente de direção, Alma Reville, e em 1928 eles tiveram uma filha, Patricia.

Hitchcock rapidamente ganhou notoriedade como um diretor que entregou suspense, finais de torção e assuntos sombrios. Sua própria personalidade e humor negro foram incorporados à cultura popular por meio de entrevistas, trailers de filmes e aparições em seus próprios filmes. Ele era popular entre o público interno e externo e, em 1939, a família Hitchcock mudou-se para Hollywood. Nas três décadas que se seguiram, ele consolidaria seu legado, dirigindo e produzindo suas obras mais duradouras e bem-sucedidas. Sua antologia para a televisão, Alfred Hitchcock Presents, foi publicada de 1955 a 1965 e fez dele um nome familiar.

Durante sua carreira, ele criou mais de cinquenta longas-metragens em uma carreira que viu não apenas o desenvolvimento do estilo próprio de direção de Hitchcock, mas também inovações marcantes no cinema. Em 1929, Blackmail foi seu primeiro longa-metragem com som e em 1948, seu primeiro filme colorido foi Rope. O próprio Hitchcock foi considerado o pioneiro de muitas técnicas de câmera e edição para colegas e aspirantes a diretores.

Hitchcock recebeu muitos elogios profissionais, incluindo dois Globos de Ouro, oito prêmios Laurel e cinco prêmios pelo conjunto da obra. Ele foi cinco vezes indicado ao Oscar de Melhor Diretor e, em 1940, seu filme Rebecca ganhou o Oscar de Melhor Filme. Em 1980, ele recebeu o título de cavaleiro da Rainha Elizabeth II.

Marido, pai, diretor e Mestre do Suspense, Sir Alfred Hitchcock faleceu em 29 de abril de 1980.


Antologia de Alfred Hitchcock

Antologia de Alfred Hitchcock (AHA) foi uma coleção impressa sazonalmente de contos de suspense e emocionantes reimpressos de Revista de mistério de Alfred Hitchcock. Produzida de 1977 a 1989, a antologia contém histórias de autores como: Patricia Highsmith, Robert Bloch, Bill Pronzini, Isaac Asimov e Lawrence Block. A antologia é comercializada como tudo o que você "esperaria do Mestre do Suspense", embora Hitchcock nunca tenha tido qualquer envolvimento direto com as publicações.

Antologia de Alfred Hitchcock
CategoriasFicção policial, ficção policial
FrequênciaSazonalmente
Ano fundado1977
Edição final
Número
1989
Volume 27
EmpresaPublicações Davis (brochura)
Dial Press (capa dura)
PaísEstados Unidos
Com sede emNova York, NY
Línguainglês
OCLC2985567

  • Antologia de Alfred Hitchcock - Volume 1
  • Antologia de Alfred Hitchcock - Volume 2
  • Antologia de Alfred Hitchcock - Volume 3
  • Antologia de Alfred Hitchcock - Volume 4
  • Antologia de Alfred Hitchcock - Volume 5

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Filmografia

Veja a página principal da Filmografia para outros trabalhos

  • The Pleasure Garden (1925)
  • A águia da montanha (1926)
  • The Lodger: A Story of the London Fog (1927)
  • O anel (1927)
  • Morro abaixo (1927)
  • champanhe (1928)
  • Virtude Fácil (1928)
  • Esposa do fazendeiro (1928)
  • Chantagem (1929)
  • The Manxman (1929)
  • Juno e o Paycock (1930)
  • Assassinato! (1930)
  • The Skin Game (1931)
  • Rico e estranho (1931)
  • Número Dezessete (1932)
  • Valsas de Viena (1934)
  • O homem que Sabia Demais (1934)
  • Os 39 Passos (1935)
  • Agente secreto (1936)
  • sabotar (1936)
  • Jovem e inocente (1937)
  • A senhora desaparece (1938)
  • Jamaica Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Correspondente estrangeiro (1940)
  • Sr. e Sra. Smith (1941)
  • Suspeita (1941)
  • Sabotador (1942)
  • Shadow of a Doubt (1943)
  • Bote salva vidas (1944)
  • Fascinado (1945)
  • Notório (1946)
  • O Caso Paradine (1947)
  • Corda (1948)
  • Sob Capricórnio (1949)
  • Susto de palco (1950)
  • Estranhos em um trem (1951)
  • Eu confesso (1953)
  • Disque M para assassinato (1954)
  • Janela traseira (1954)
  • Pegar um ladrão (1955)
  • O problema com o Harry (1955)
  • O Homem que Sabia Demais (1956)
  • O homem errado (1956)
  • Vertigem (1958)
  • North by Northwest (1959)
  • Psicopata (1960)
  • Os pássaros (1963)
  • Marnie (1964)
  • Cortina Rasgada (1966)
  • Topázio (1969)

Alfred Hitchcock

O diretor e produtor Alfred Hitchcock popularizou tanto o termo "MacGuffin" quanto a técnica, com seus filmes Número Dezessete (1932) e Os 39 Passos (1935) sendo os primeiros exemplos do conceito.

De acordo com algumas fontes, acredita-se que o escritor Angus MacPhail originalmente cunhou o termo.

Hitchcock explicou o termo "MacGuffin" em uma palestra de 1939 na Universidade de Columbia:

[Nós] temos um nome no estúdio, e o chamamos de "MacGuffin". É o elemento mecânico que geralmente surge em qualquer história. Nas histórias de vigaristas, quase sempre é o colar, e nas histórias de espionagem, quase sempre são os jornais.

Em 1944, TEMPO relatou Hitchcock dizendo, "O McGuffin é a coisa que o herói persegue, a coisa que o filme é. é muito necessário" antes de continuar a explicar: [1]

De forma alguma original com Hitchcock, o McGuffin é uma velha piada britânica sobre um homem que carrega pacotes em um trem e encontra outro homem, que pergunta:
"O que há no pacote?"
"Um McGuffin."
"O que é um McGuffin?"
"Um McGuffin é um animal pequeno com uma cauda longa, amarela e manchada, usado para caçar tigres em Nova York."
"Mas não há tigres em Nova York."
"Ah, mas este não é um McGuffin real."

O mês seguinte, TEMPO publicou uma carta de Jack Moffitt da Warner Bros .: [2]

O diretor Alfred Hitchcock é um arrivista britânico sem nenhum conhecimento da linguagem de Hollywood. A única coisa que o herói persegue não é um McGuffin, mas um wenie, e tem sido desde os dias de Mack Sennett. As pérolas roubadas foram colocadas em um wenie. O wenie foi roubado por um cachorro. E o cachorro foi perseguido por todos, incluindo os policiais de Keystone. Eles ainda o estão perseguindo.

Entrevistado em 1966 por François Truffaut, Alfred Hitchcock ilustrou o termo "MacGuffin" com esta história:

Pode ser um nome escocês, tirado de uma história sobre dois homens em um trem. Um homem perguntou: 'O que é aquele pacote lá no bagageiro?' E o outro responde, 'Oh, isso é um McGuffin.' O primeiro pergunta 'O que é um McGuffin?' 'Bem' o outro homem disse, 'É um aparelho para capturar leões nas Terras Altas da Escócia.' O primeiro homem diz: 'Mas não há leões nas Highlands escocesas', e o outro responde 'Bem, então isso não é McGuffin!' Então você vê, um McGuffin não é nada.


Lançamentos de DVD

Os seguintes lançamentos oficiais em DVD contêm episódios de A hora Alfred Hitchcock:

A hora Alfred Hitchcock: a primeira temporada completa - Madman Entertainment (Austrália, 2013)
PAL 1,33: 1
contém 32 episódios
The Alfred Hitchcock Hour: The Complete Second Season - Madman Entertainment (Austrália, 2013)
PAL 1,33: 1
contém 32 episódios
The Alfred Hitchcock Hour: The Complete Third Season - Madman Entertainment (Austrália, 2013)
PAL 1,33: 1
contém 29 episódios
Alfred Hitchcock Zeigt: Teil 2 - Koch Media Home Entertainment (Alemanha, 2008)
PAL 1,33: 1
contém 10 episódios
Alfred Hitchcock Zeigt: Teil 1 - Koch Media Home Entertainment (Alemanha, 2008)
PAL 1,33: 1
contém 10 episódios
Alfred Hitchcock Présente: La Série TV, Les Épisodes en VOST - Universal (França, 2006) - lançado em 14 / fev / 2006
PAL 1,33: 1
contém "Eu vi a coisa toda"


Hitchcock apresenta: uma breve história dos programas estranhos e selvagens de Hitchcock que outrora dominaram a TV

Em 1960, Alfred Hitchcock estava em toda parte. Uma das verdadeiras obras-primas do diretor, “Psycho”, foi lançada naquele ano, na esteira de “North by Northwest” no ano anterior, que veio depois de “Vertigo” e “O Homem Errado” e “O Homem Que Sabia Demais”. ” “Os pássaros” estavam à sua frente.

O diretor de 60 anos, que sempre foi uma figura familiar para alguns por causa de suas aparições astutas em seus filmes, tornou-se um nome familiar por meio de seus filmes e seu programa de TV, “Alfred Hitchcock Presents”. A série de antologia de meia hora começou em 1955 e durou 10 anos, incluindo os anos em que foi expandida e rebatizada de “The Alfred Hitchcock Hour”.

Acrescente a isso "Alfred Hitchcock's Mystery Magazine", que tinha começado em 1956 através de um acordo para licenciar o nome do diretor, bem como uma série de coleções de histórias de suspense e suspense, e a fama de Hitchcock como diretor era sem comparação até Steven Spielberg se tornar um nome familiar na década de 1970.

Os detalhes da vida de Hitchcock - às vezes sórdidos e horríveis, especialmente em relação aos relatos de seu comportamento desumanizador com as mulheres, incluindo algumas que estrelaram em seus filmes - se tornaram o alimento para muitas biografias.

Hoje, porém, uma olhada nos programas de televisão que levam seu nome e que ele apresentou com o que parece ser um prazer macabro.

Você pode citar uma celebridade hoje em dia que seja facilmente identificável a partir de uma caricatura apenas de seu perfil? O perfil de Hitchcock - desenhado em nove tacadas pelo próprio diretor, a história continua - e a sombra fizeram parte dos créditos de abertura na maior parte da série.

Isso é marca na ordem do símbolo do glifo do Príncipe.

Quando “Alfred Hitchcock Presents” estreou na CBS em 1955, a televisão ainda não estava na adolescência. Enquanto 47 milhões de lares tinham TVs em 1955, esse número começou a crescer nos anos seguintes, atingindo quase 53 milhões em 1960 e mais de 200 milhões nos anos 1990.

Nas décadas anteriores aos canais a cabo e pagos como a HBO, a maioria dos telespectadores sintonizava apenas três redes, incluindo a CBS, e uma ou duas estações locais. A simples falta de opções ajudou a levar os espectadores a programas como os produzidos por Hitchcock. Muitos espectadores sintonizavam todas as semanas e ouviam sua marca registrada “Boa noite” e suas respirações entre as frases.

A aparência da silhueta de Hitchcock, ambientada na "Marcha fúnebre de uma marionete", de Charles Gounod, e as introduções espirituosas e muitas vezes horríveis do diretor provocavam o que estava por vir em cada episódio: uma peça de moralidade - uma peça de imoralidade, na verdade - não muito diferente do que cômico os leitores de livros viram na EC Comics antes de serem expulsos do mercado. Ao contrário de EC, porém, o show de Hitchcock não era voltado para os jovens.

A série durou uma mordida de meia hora na maior parte de sua exibição, oferecendo histórias inteligentes e velozes com grandes elencos. Hitchcock dirigiu apenas cerca de 12 episódios e meia da série, mas sua imagem e apresentação divertida no início e no final de cada um dos 361 episódios - contando as duas séries - reforçou seu status de culto.

Apesar de Rod Serling e sua série “Twilight Zone”, um contemporâneo do show de Hitchcock, ou os filmes de M. Night Shyamalan e suas reviravoltas logo esperadas, a série de Hitchcock construiu e continuamente reforçou o diretor e a personalidade pública do apresentador.

Os melhores escritores e diretores - e o jovem Robert Redford

Falando de "The Twilight Zone", há um episódio particularmente horrível de 1964 chamado "The Jar", no qual um caipira interpretado por Pat Buttram fica obcecado por uma coisa não identificável, mas ... semelhante a uma cabeça em uma jarra em um show secundário de carnaval. Buttram compra a jarra e a leva de volta para sua pequena cidade, onde se torna o brinde do pequeno burgo. Então tudo dá terrivelmente errado.

Mas espere ... “The Jar” não é um episódio de “Twilight Zone”. É um episódio de 1964 de "The Alfred Hitchcock Hour", e é uma história muito mais horrível do que a maioria dos escritores de Hitchcock contados. E “The Jar” é, lendariamente, uma hora de TV que a maioria das pessoas erroneamente acredita que foi um episódio de “The Twilight Zone”.

Mas enquanto os programas de Hitchcock eram geralmente mais contidos do que “The Twilight Zone”, a série teve mais episódios memoráveis, escritores e diretores.

Sydney Pollack, que dirigiu filmes essenciais como “Tootsie”, “Three Days of the Condor” e “Absence of Malice”, dirigiu dois episódios de Hitchcock. Um, “Diagnosis: Danger”, foi ao ar em 1963, mas parece assustadoramente deste momento, enquanto os investigadores de saúde pública de Los Angeles tentam rastrear e impedir a disseminação do antraz na cidade.

“Off Season”, um episódio de 1965, parece uma reunião “Psycho”. Foi escrito por Robert Bloch, o autor que criou Norman Bates e sua mãe em um romance de 1959. A estrela é John Gavin, que estrelou em “Psycho”. Há até um motel à beira da estrada e um funcionário de motel ligeiramente assustador. Mas, em vez de Hitchcock por trás das câmeras, era William Friedkin, que alguns anos mais tarde dirigiria o que pode ser o melhor filme de terror de todos os tempos, “O Exorcista”.

Alguns dos episódios da série Hitchcock são como pequenas obras-primas e se comparam favoravelmente com o padrão ouro, “The Twilight Zone”. Alguns parecem um pouco apressados ​​ou incluem uma reviravolta só por uma reviravolta.

Mas onde mais você pode encontrar Robert Redford e Gig Young como irmãos em um jogo de pôquer de apostas altas contra gângsteres com dedos no gatilho que coçam? Bem, em “A Piece of the Action”, o primeiro episódio de uma hora de duração, de 1962.

Tropes e uma reinicialização, é claro

Eu não tentaria argumentar que Hitchcock e todas essas empresas tinham o tipo de sinergia que a Disney tem hoje, fazendo filmes que fazem a transição para o serviço de streaming Disney +, que por sua vez gera assinaturas.

Mas a operação de negócios que girava em torno de Hitchcock e todos esses projetos era extremamente restrita. “Psycho” foi arquivado na Revue Studios, produtora da série de TV de Hitchcock, usando equipe da série de TV.

A série teve os direitos de filmar quaisquer histórias da “Alfred Hitchcock Mystery Magazine”, de acordo com um artigo de 1964 no Palm Beach Post. (A revista foi fundada em Nova York em 1956, mas seus escritórios se mudaram para a Flórida em 1959.) Henry Slesar, um conhecido escritor da série Hitchcock, viu suas primeiras histórias publicadas na revista, que ainda está forte.

Esteja avisado: alguns episódios do programa de TV são em grande parte do período, com piadas descartáveis ​​que nem mesmo eram politicamente corretas na época e enredos que dependiam um pouco demais da tropa da mulher em perigo. A atriz Phyllis Thaxter, que foi a Lois Lane original na série de TV “Adventures of Superman”, apareceu na série Hitchcock nove vezes. Parece que em todos os episódios em que a vi, ela interpretou uma mulher emocionalmente danificada, o que provavelmente era mais próximo do estereótipo de mulher da TV na época do que a corajosa Lois.

A associação de Hitchcock com a TV e o programa com seu nome continuou após sua morte em 1980. Por quatro temporadas e 76 episódios começando em 1985, a NBC e os EUA exibiram uma versão refeita de “Alfred Hitchcock Presents” que incluía algumas das introduções do diretor a partir do original Series. Era parte de uma tendência de TV da década de 1980 e além de séries de antologia e reavivamentos de séries como “The Twilight Zone”.

Mas a reinicialização de Hitchcock é apenas uma reflexão tardia agora, enquanto a série original - ou duas séries - continua a tocar em canais de TV a cabo como MeTV, que “tira” o programa em um slot noturno na maioria das noites da semana.

O mestre do macabro se sentiria em casa por volta da meia-noite.


Mestre do Suspense

Hitchcock frequentou a escola jesuíta St. Ignatius College antes de ir para a Universidade de Londres, fazendo cursos de arte. Ele acabou conseguindo um emprego como desenhista e designer de publicidade para a empresa de TV a cabo Henley & aposs. Foi enquanto trabalhava na Henley & aposs que ele começou a escrever, enviando artigos curtos para a publicação interna. Desde sua primeira peça, ele empregou temas de falsas acusações, emoções conflitantes e finais tortuosos com habilidade impressionante. Em 1920, Hitchcock entrou na indústria cinematográfica com um cargo de tempo integral na Famous Players-Lasky Company, desenvolvendo cartões de título para filmes mudos. Em alguns anos, ele estava trabalhando como assistente de direção.

Em 1925, Hitchcock dirigiu seu primeiro filme e começou a fazer os "thrillers" pelos quais se tornou conhecido em todo o mundo. Seu filme de 1929 Chantagem é considerado o primeiro & quottalkie & quot britânico. Na década de 1930, ele dirigiu filmes clássicos de suspense como O homem que Sabia Demais (1934) e Os 39 Passos (1935).


Conteúdo

Juventude: 1899-1919 Editar

Primeira infância e educação Editar

Hitchcock nasceu em 13 de agosto de 1899 no apartamento acima da mercearia alugada de seus pais em 517 High Road, Leytonstone, nos arredores do leste de Londres (então parte de Essex), o caçula de três filhos: William Daniel (1890–1943) , Ellen Kathleen ("Nellie") (1892–1979) e Alfred Joseph (1899-1980). Seus pais, Emma Jane Hitchcock ( née Whelan 1863–1942) e William Edgar Hitchcock (1862–1914), eram ambos católicos romanos, com raízes parciais na Irlanda [12] [13] William era um verdureiro como seu pai havia sido. [14]

Havia uma grande família extensa, incluindo o tio John Hitchcock com sua casa vitoriana de cinco quartos em Campion Road, Putney, completa com empregada, cozinheira, motorista e jardineiro. Todo verão, John alugava uma casa à beira-mar para a família em Cliftonville, Kent. Hitchcock disse que primeiro se preocupou com a classe ali, percebendo as diferenças entre turistas e habitantes locais. [15]

Descrevendo-se como um menino bem comportado - seu pai o chamava de "cordeirinho sem mancha" -, Hitchcock disse que não se lembrava de ter tido um companheiro de brincadeira.[16] Uma de suas histórias favoritas para os entrevistadores era sobre seu pai o mandando para a delegacia de polícia local com um bilhete quando ele tinha cinco anos. O policial olhou o bilhete e o trancou em uma cela por alguns minutos, dizendo: "Este é o que fazemos com meninos travessos. " A experiência o deixou, disse ele, com um medo duradouro de policiais. Em 1973, ele disse a Tom Snyder que estava "morrendo de medo de qualquer coisa. Relacionada à lei" e que nem mesmo dirigiria um carro caso recebesse uma multa de estacionamento . [17]

Quando ele tinha seis anos, a família mudou-se para Limehouse e alugou duas lojas em 130 e 175 Salmon Lane, que administravam como peixaria e peixaria, respectivamente. Eles moravam acima da primeira. [18] Hitchcock frequentou sua primeira escola, o Convento Howrah House em Poplar, onde ingressou em 1907, aos 7 anos. [19] De acordo com o biógrafo Patrick McGilligan, ele permaneceu em Howrah House por no máximo dois anos. Freqüentou também uma escola de convento, a Wode Street School "para as filhas de cavalheiros e meninos", dirigida pelos Fiéis Companheiros de Jesus. Em seguida, frequentou uma escola primária perto de sua casa e foi por um breve período interno no Salesian College de Battersea. [20]

A família mudou-se novamente quando ele tinha 11 anos, desta vez para Stepney, e em 5 de outubro de 1910 Hitchcock foi enviado para St Ignatius College em Stamford Hill, Tottenham (agora no bairro londrino de Haringey), uma escola jesuíta com reputação de disciplinar . [22] Os padres usavam uma bengala de borracha dura nos meninos, sempre no final do dia, então os meninos tinham que assistir às aulas antecipando o castigo se tivessem sido condenados. Mais tarde, ele disse que foi aqui que desenvolveu seu senso de medo. [23] O registro escolar lista seu ano de nascimento como 1900, em vez de 1899 O biógrafo Donald Spoto diz que foi deliberadamente matriculado aos 10 anos de idade porque estava um ano atrasado em seus estudos. [24]

Enquanto o biógrafo Gene Adair relata que Hitchcock era "um aluno médio, ou ligeiramente acima da média", [25] Hitchcock disse que ele estava "geralmente entre os quatro ou cinco primeiros da classe" [26] no final da no primeiro ano, destacou-se seu trabalho em latim, inglês, francês e educação religiosa. [27] Seu assunto favorito era geografia, e ele se interessou por mapas e horários de trens e ônibus de acordo com John Russell Taylor, ele poderia recitar todas as paradas no Expresso do Oriente. [28] Ele disse a Peter Bogdanovich: "Os jesuítas me ensinaram organização, controle e, até certo ponto, análise." [25]

Edição de Henley

Hitchcock disse a seus pais que queria ser engenheiro, [26] e em 25 de julho de 1913, [29] ele deixou St Ignatius e se matriculou em aulas noturnas na Escola de Engenharia e Navegação do Conselho do Condado de Londres em Poplar. Em uma entrevista do tamanho de um livro em 1962, ele disse a François Truffaut que havia estudado "mecânica, eletricidade, acústica e navegação". [26] Então, em 12 de dezembro de 1914, seu pai, que sofria de enfisema e doença renal, morreu aos 52 anos. [30] Para sustentar a si mesmo e a sua mãe - seus irmãos mais velhos já haviam saído de casa - Hitchcock tomou um emprego, por 15 xelins por semana (£ 73 em 2017), [31] como funcionário técnico na Henley Telegraph and Cable Company em Blomfield Street perto de London Wall. [32] Ele continuou as aulas noturnas, desta vez em história da arte, pintura, economia e ciências políticas. [33] Seu irmão mais velho administrava as lojas da família, enquanto ele e sua mãe continuavam a morar em Salmon Lane. [34]

Hitchcock era muito jovem para se alistar quando a Primeira Guerra Mundial começou em julho de 1914, e quando atingiu a idade exigida de 18 anos em 1917, recebeu uma classificação C3 ("livre de doenças orgânicas graves, capaz de resistir às condições de serviço nas guarnições em casa . apenas adequado para trabalho sedentário "). [35] Ele se juntou a um regimento de cadetes dos Engenheiros Reais e participou de reuniões teóricas, treinos de fim de semana e exercícios. John Russell Taylor escreveu que, em uma sessão de exercícios práticos no Hyde Park, Hitchcock foi obrigado a usar macacões. Ele nunca conseguia envolvê-los em torno de suas pernas, e eles caíam repetidamente em torno de seus tornozelos. [36]

Após a guerra, Hitchcock se interessou por escrita criativa. Em junho de 1919, ele se tornou o editor fundador e gerente de negócios da publicação interna de Henley, The Henley Telegraph (seis pence a cópia), ao qual enviou vários contos. [37] [d] Henley's o promoveu para o departamento de publicidade, onde ele escrevia textos e desenhava gráficos para anúncios de cabos elétricos. Ele gostava do trabalho e ficava até tarde no escritório para examinar as provas que disse a Truffaut que aquele era seu "primeiro passo em direção ao cinema". [26] [45] Ele gostava de assistir filmes, especialmente cinema americano, e desde os 16 anos leu os jornais comerciais que assistiu a Charlie Chaplin, D. W. Griffith e Buster Keaton, e gostou particularmente de Fritz Lang's Der müde Tod (1921). [26]

Carreira entre guerras: 1919-1939 Editar

Edição de jogadores famosos - Lasky

Ainda na Henley's, ele leu em um jornal comercial que Famous Players-Lasky, o braço de produção da Paramount Pictures, estava abrindo um estúdio em Londres. [46] Eles planejavam filmar As dores de Satan de Marie Corelli, então ele produziu alguns desenhos para as cartas de título e enviou seu trabalho para o estúdio. [47] Eles o contrataram e, em 1919, ele começou a trabalhar para o Islington Studios em Poole Street, Hoxton, como designer de cartões de título. [46]

Donald Spoto escreveu que a maioria da equipe era composta por americanos com especificações de trabalho rígidas, mas os trabalhadores ingleses eram encorajados a tentar qualquer coisa, o que significava que Hitchcock ganhou experiência como co-escritor, diretor de arte e gerente de produção em pelo menos 18 filmes silenciosos filmes. [48] Os tempos escreveu em fevereiro de 1922 sobre o "departamento de títulos de arte especial sob a supervisão do Sr. A. J. Hitchcock". [49] Seu trabalho incluiu Número 13 (1922), também conhecido como Sra. Peabody foi cancelado por causa de problemas financeiros - as poucas cenas finalizadas foram perdidas [50] - e Sempre diga a sua esposa (1923), que ele e Seymour Hicks terminaram juntos quando Hicks estava prestes a desistir. [46] Hicks escreveu mais tarde sobre ser ajudado por "um jovem gordo que estava no comando do quarto da propriedade. [N] outro que não Alfred Hitchcock". [51]

Gainsborough Pictures e trabalho na Alemanha Editar

Quando a Paramount saiu de Londres em 1922, Hitchcock foi contratado como assistente de direção por uma nova empresa administrada no mesmo local por Michael Balcon, mais tarde conhecida como Gainsborough Pictures. [46] [53] Hitchcock trabalhou em Mulher para mulher (1923) com o diretor Graham Cutts, desenhando o cenário, escrevendo o roteiro e produzindo. Ele disse: "Foi o primeiro filme em que realmente pus as mãos." [53] O editor e a "garota do roteiro" no Mulher para mulher era Alma Reville, sua futura esposa. Ele também trabalhou como assistente de Cutts em The White Shadow (1924), A Aventura Apaixonada (1924), The Blackguard (1925), e Queda do Prude (1925). [54] The Blackguard foi produzido no Babelsberg Studios em Potsdam, onde Hitchcock assistiu parte do making of do filme de F. W. Murnau A ultima risada (1924). [55] Ele ficou impressionado com o trabalho de Murnau e mais tarde usou muitas de suas técnicas para o design do cenário em suas próprias produções. [56]

No verão de 1925, Balcon pediu a Hitchcock para dirigir The Pleasure Garden (1925), estrelado por Virginia Valli, uma coprodução de Gainsborough e da empresa alemã Emelka no estúdio Geiselgasteig perto de Munique. Reville, então noiva de Hitchcock, era editora-assistente de direção. [57] [50] Embora o filme tenha sido um fracasso comercial, [58] Balcon gostou do trabalho de Hitchcock Expresso Diário a manchete o chamava de "Jovem com uma mente magistral". [59] Produção de The Pleasure Garden encontrou obstáculos com os quais Hitchcock aprenderia mais tarde: na chegada a Brenner Pass, ele não declarou seu estoque de filmes à alfândega e foi confiscado uma atriz que não pôde entrar na água para uma cena porque estava em seu período de estouros de orçamento significava que ele tinha para pedir dinheiro emprestado aos atores. [60] Hitchcock também precisava de um tradutor para dar instruções ao elenco e à equipe. [60]

Na Alemanha, Hitchcock observou as nuances do cinema e da produção cinematográfica alemães que o influenciaram muito. [61] Quando não estava trabalhando, ele visitava as galerias de arte, concertos e museus de Berlim. Ele também se reunia com atores, escritores e produtores para construir conexões. [62] Balcon pediu-lhe para dirigir um segundo filme em Munique, A águia da montanha (1926), baseado em uma história original intitulada Medo de deus. [63] O filme está perdido e Hitchcock o chamou de "um filme muito ruim". [59] [64] Um ano depois, Hitchcock escreveu e dirigiu O anel embora o roteiro fosse creditado apenas em seu nome, Elliot Stannard o ajudou na redação. [65] O anel obteve críticas positivas Bioscópio o crítico da revista chamou-o de "o filme britânico mais magnífico já feito". [66]

Quando voltou para a Inglaterra, Hitchcock foi um dos primeiros membros da London Film Society, recém-formada em 1925. [67] Através da Sociedade, ele ficou fascinado pelo trabalho dos cineastas soviéticos: Dziga Vertov, Lev Kuleshov, Sergei Eisenstein, e Vsevolod Pudovkin. Ele também se socializava com outros cineastas ingleses Ivor Montagu e Adrian Brunel, e Walter C. Mycroft. [68]

A sorte de Hitchcock veio com seu primeiro suspense, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), sobre a caça a um serial killer, vestindo uma capa preta e carregando uma bolsa preta, está assassinando jovens mulheres loiras em Londres, e apenas às terças-feiras. [69] Uma senhoria suspeita que seu inquilino seja o assassino, mas ele é inocente. Para dar a impressão de que passos estavam sendo ouvidos de um andar superior, Hitchcock mandou fazer um piso de vidro para que o observador pudesse ver o inquilino andando de um lado para o outro em seu quarto, acima da senhoria. [70] Hitchcock queria que o protagonista fosse culpado, ou que o filme, pelo menos, terminasse ambiguamente, mas a estrela era Ivor Novello, um ídolo da matinê, e o "sistema estelar" significava que Novello não poderia ser o vilão. Hitchcock disse a Truffaut: "Você tem que soletrar claramente em letras grandes: 'Ele é inocente.'" (Ele teve o mesmo problema anos depois com Cary Grant em Suspeita (1941).) [71] Lançado em janeiro de 1927, O inquilino foi um sucesso comercial e de crítica no Reino Unido. [72] [73] Hitchcock disse a Truffaut que o filme foi o primeiro a ser influenciado pelo expressionismo alemão: "Na verdade, quase se pode dizer que O inquilino foi minha primeira foto. "[74] Ele fez sua primeira aparição no filme em que foi retratado sentado em uma redação e, no segundo, em uma multidão enquanto o protagonista era preso. [75] [76]

Edição de casamento

Em 2 de dezembro de 1926, Hitchcock casou-se com o roteirista anglo-americano Alma Reville (1899–1982) no Brompton Oratory em South Kensington. [77] O casal passou a lua de mel em Paris, Lago de Como e St. Moritz, antes de retornar a Londres para morar em um apartamento alugado nos dois últimos andares da 153 Cromwell Road, Kensington. [78] Reville, que nasceu poucas horas depois de Hitchcock, [79] se converteu do protestantismo ao catolicismo, aparentemente por insistência da mãe de Hitchcock, ela foi batizada em 31 de maio de 1927 e confirmada na Catedral de Westminster pelo cardeal Francis Bourne em 5 de junho. [80]

Em 1928, quando souberam que Reville estava grávida, os Hitchcocks compraram "Winter's Grace", uma casa de fazenda Tudor situada em 11 acres em Stroud Lane, Shamley Green, Surrey, por £ 2.500. [81] Sua filha e única filha, Patricia Alma Hitchcock, nasceu em 7 de julho daquele ano. [82]

Reville se tornou o colaborador mais próximo de seu marido, Charles Champlin escreveu em 1982: "O toque de Hitchcock tinha quatro mãos e duas eram de Alma." [83] Quando Hitchcock aceitou o Prêmio AFI Life Achievement em 1979, ele disse que queria mencionar "quatro pessoas que me deram mais carinho, apreço e incentivo e colaboração constante. O primeiro dos quatro é um editor de cinema, a segunda é roteirista, a terceira é a mãe de minha filha, Pat, e a quarta é a melhor cozinheira que já fez milagres em uma cozinha doméstica. E seus nomes são Alma Reville. " [84] Reville escreveu ou co-escreveu muitos dos filmes de Hitchcock, incluindo Shadow of a Doubt, Suspeita e Os 39 Passos.

Primeiros filmes sonoros Editar

Hitchcock começou a trabalhar em seu décimo filme, Chantagem (1929), quando sua produtora, a British International Pictures (BIP), converteu seus estúdios Elstree para som. O filme foi o primeiro "talkie" britânico este acompanhou o rápido desenvolvimento de filmes sonoros nos Estados Unidos, a partir da utilização de breves segmentos sonoros em O cantor de jazz (1927) para o primeiro recurso de som completo As Luzes de Nova York (1928). [4] Chantagem deu início à tradição de Hitchcock de usar marcos famosos como pano de fundo para sequências de suspense, com o clímax ocorrendo na cúpula do Museu Britânico. [85] Também apresenta uma de suas aparições mais longas, que o mostra sendo incomodado por um menino enquanto lê um livro no metrô de Londres. [86] Na série PBS Os homens que fizeram os filmes, Hitchcock explicou como usou a gravação de som no início como um elemento especial do filme, enfatizando a palavra "faca" em uma conversa com a mulher suspeita de assassinato. [87] [ esclarecimento necessário ] Durante este período, Hitchcock dirigiu segmentos para uma revista BIP, Elstree Calling (1930), e dirigiu um curta-metragem, An Elastic Affair (1930), apresentando dois Film Weekly vencedores de bolsas de estudo. [88] An Elastic Affair é um dos filmes perdidos. [89]

Em 1933, Hitchcock assinou um contrato multi-filme com a Gaumont-British, mais uma vez trabalhando para Michael Balcon. [90] [91] Seu primeiro filme para a empresa, O homem que Sabia Demais (1934), foi um sucesso seu segundo, Os 39 Passos (1935), foi aclamado no Reino Unido e ganhou reconhecimento nos Estados Unidos. Também estabeleceu a quintessencial "loira Hitchcock" (Madeleine Carroll) inglesa como o modelo para sua sucessão de protagonistas elegantes e geladas. O roteirista Robert Towne comentou: "Não é muito exagero dizer que todo entretenimento escapista contemporâneo começa com Os 39 Passos". [92] Este filme foi um dos primeiros a introduzir o enredo" MacGuffin ", um termo cunhado pelo roteirista inglês Angus MacPhail. [93] O MacGuffin é um item ou objetivo que o protagonista está perseguindo, um que de outra forma tem nenhum valor narrativo em Os 39 Passos, o MacGuffin é um conjunto de planos de design roubado. [94]

Hitchcock lançou dois thrillers de espionagem em 1936. sabotar foi vagamente baseado no romance de Joseph Conrad, O agente secreto (1907), sobre uma mulher que descobre que seu marido é terrorista, e Agente secreto, com base em duas histórias em Ashenden: Ou o agente britânico (1928) por W. Somerset Maugham. [e]

Nessa época, Hitchcock também ficou conhecido por fazer pegadinhas contra o elenco e a equipe. Essas piadas variam de simples e inocentes a loucas e maníacas. Por exemplo, ele ofereceu um jantar em que tingiu toda a comida de azul porque alegou que não havia comida azul suficiente. Ele também mandou entregar um cavalo no camarim de seu amigo, o ator Gerald du Maurier. [95] Hitchcock seguiu com Jovem e inocente em 1937, um thriller policial baseado no romance de 1936 Um xelim por velas por Josephine Tey. [96] Estrelado por Nova Pilbeam e Derrick De Marney, o filme foi relativamente agradável para o elenco e a equipe. [96] Para atender aos objetivos de distribuição na América, o tempo de execução do filme foi cortado e isso incluiu a remoção de uma das cenas favoritas de Hitchcock: um chá infantil que se torna ameaçador para os protagonistas. [97]

O próximo grande sucesso de Hitchcock foi A senhora desaparece (1938), "um dos maiores filmes ferroviários da época de ouro do gênero", segundo Philip French, em que Miss Froy (May Whitty), uma espiã britânica que se fazia passar por governanta, desaparece em viagem de trem pelo fictício país europeu de Bandrika. [98] O filme viu Hitchcock receber o prêmio New York Film Critics Circle de 1938 de Melhor Diretor. [99] Benjamin Crisler, do New York Times escreveu em junho de 1938: "Três instituições únicas e valiosas que os britânicos têm que nós na América não temos: Magna Carta, a Tower Bridge e Alfred Hitchcock, o maior diretor de melodramas cinematográficos do mundo". [100]

Em 1938, Hitchcock estava ciente de que havia atingido seu pico na Grã-Bretanha. [101] Ele recebeu várias ofertas de produtores nos Estados Unidos, mas recusou todas porque não gostava das obrigações contratuais ou achava que os projetos eram repulsivos. [102] No entanto, o produtor David O. Selznick ofereceu-lhe uma proposta concreta de fazer um filme baseado no naufrágio do RMS Titânico, que acabou sendo engavetado, mas Selznick convenceu Hitchcock a vir para Hollywood. Em julho de 1938, Hitchcock voou para Nova York e descobriu que já era uma celebridade, apareceu em revistas e deu entrevistas para estações de rádio. [103] Em Hollywood, Hitchcock encontrou Selznick pela primeira vez. Selznick ofereceu-lhe um contrato de quatro filmes, aproximadamente $ 40.000 para cada filme (equivalente a $ 735.414 em 2020). [103]

Primeiros anos de Hollywood: 1939–1945 Editar

Contrato Selznick Editar

Selznick assinou um contrato de sete anos com Hitchcock em abril de 1939, [104] e os Hitchcocks se mudaram para Hollywood. [105] Os Hitchcocks viviam em um apartamento espaçoso no Wilshire Boulevard e lentamente se adaptaram à área de Los Angeles. Ele e sua esposa Alma eram discretos e não estavam interessados ​​em ir a festas ou ser celebridades. [106] Hitchcock descobriu seu gosto por boa comida em West Hollywood, mas ainda manteve seu estilo de vida na Inglaterra. [107] Ele ficou impressionado com a cultura cinematográfica de Hollywood, orçamentos expansivos e eficiência, [107] em comparação com os limites que ele enfrentou frequentemente na Grã-Bretanha. [108] Em junho daquele ano, Vida a revista o chamou de "o maior mestre do melodrama da história da tela". [109]

Embora Hitchcock e Selznick se respeitassem, seus arranjos de trabalho às vezes eram difíceis. Selznick sofria de constantes problemas financeiros, e Hitchcock frequentemente ficava insatisfeito com o controle criativo e a interferência de Selznick em seus filmes. Selznick também não gostou do método de Hitchcock de filmar apenas o que estava no roteiro, e nada mais, o que significava que o filme não poderia ser cortado e refeito de maneira diferente posteriormente.[110] Além de reclamar sobre o "maldito corte do quebra-cabeça" de Hitchcock, [111] suas personalidades eram incompatíveis: Hitchcock era reservado, enquanto Selznick era extravagante. [112] Eventualmente, Selznick generosamente emprestou Hitchcock para os grandes estúdios de cinema. [113] Selznick fazia apenas alguns filmes por ano, assim como o produtor independente Samuel Goldwyn, então ele nem sempre tinha projetos para Hitchcock dirigir. Goldwyn também negociou com Hitchcock um possível contrato, apenas para ser superado por Selznick. Em uma entrevista posterior, Hitchcock disse: "[Selznick] era o Grande Produtor.. O Produtor era o rei. A coisa mais lisonjeira que o Sr. Selznick já disse sobre mim - e isso mostra a quantidade de controle - ele disse que eu era o 'único o diretor 'ele' confiaria em um filme '. " [114]

Hitchcock abordou o cinema americano com cautela. Seu primeiro filme americano foi ambientado na Inglaterra, no qual a "americanidade" dos personagens era incidental: [115] Rebecca (1940) foi ambientado em uma versão de Hollywood da Cornualha da Inglaterra e baseado em um romance da romancista inglesa Daphne du Maurier. Selznick insistiu em uma adaptação fiel do livro e discordou de Hitchcock com o uso do humor. [116] [117] O filme, estrelado por Laurence Olivier e Joan Fontaine, é sobre uma jovem ingênua não identificada que se casa com uma aristocrata viúva. Ela mora em sua grande casa de campo inglesa e luta com a persistente reputação de sua primeira esposa elegante e mundana, Rebecca, que morreu em circunstâncias misteriosas. O filme ganhou o prêmio de melhor filme no 13º Oscar, a estatueta foi dada ao produtor Selznick. Hitchcock recebeu sua primeira indicação de Melhor Diretor, a primeira de cinco indicações. [5] [118]

O segundo filme americano de Hitchcock foi o thriller Correspondente estrangeiro (1940), ambientado na Europa, baseado no livro de Vincent Sheean História pessoal (1935) e produzido por Walter Wanger. Foi nomeado para Melhor Filme naquele ano. Hitchcock sentia-se incomodado por viver e trabalhar em Hollywood enquanto a Grã-Bretanha estava em guerra, sua preocupação resultou em um filme que apoiou abertamente o esforço de guerra britânico. [119] Filmado em 1939, foi inspirado pelos eventos em rápida mudança na Europa, conforme coberto por um repórter de um jornal americano interpretado por Joel McCrea. Ao misturar imagens de cenas europeias com cenas filmadas em um backlot de Hollywood, o filme evitou referências diretas ao nazismo, Alemanha nazista e alemães, para cumprir o Código de Produção Cinematográfica da época. [120] [ falha na verificação ]

Primeiros anos de guerra Editar

Em setembro de 1940, os Hitchcocks compraram o Cornwall Ranch de 200 acres (0,81 km 2) perto de Scotts Valley, Califórnia, nas montanhas de Santa Cruz. [121] Sua residência principal era uma casa de estilo inglês em Bel Air, comprada em 1942. [122] Os filmes de Hitchcock eram diversos durante este período, desde a comédia romântica Sr. e Sra. Smith (1941) para o sombrio filme noir Shadow of a Doubt (1943).

Suspeita (1941) marcou o primeiro filme de Hitchcock como produtor e diretor. É ambientado na Inglaterra, Hitchcock usou a costa norte de Santa Cruz para a sequência da costa inglesa. O filme é o primeiro de quatro em que Cary Grant foi escalado por Hitchcock, e é uma das raras ocasiões em que Grant interpreta um personagem sinistro. Grant interpreta Johnnie Aysgarth, um vigarista inglês cujas ações levantam suspeitas e ansiedade em sua jovem e tímida esposa inglesa, Lina McLaidlaw (Joan Fontaine). [123] Em uma cena, Hitchcock colocou uma luz dentro de um copo de leite, talvez envenenado, que Grant está trazendo para sua esposa, a luz garante que a atenção do público esteja no vidro. O personagem de Grant é na verdade um assassino, conforme está escrito no livro, Antes do fato por Francis Iles, mas o estúdio achou que a imagem de Grant ficaria manchada com isso. Hitchcock, portanto, se contentou com um final ambíguo, embora ele preferisse terminar com o assassinato da esposa. [124] [f] Fontaine ganhou o prêmio de melhor atriz por sua atuação. [126]

Sabotador (1942) é o primeiro de dois filmes que Hitchcock fez para o Universal Studios durante a década. Hitchcock foi forçado pela Universal a usar o contratante da Universal, Robert Cummings e Priscilla Lane, uma freelancer que assinou um contrato de um filme com o estúdio, ambos conhecidos por seus trabalhos em comédias e dramas leves. [127] A história descreve um confronto entre um sabotador suspeito (Cummings) e um sabotador real (Norman Lloyd) no topo da Estátua da Liberdade. Hitchcock fez uma excursão de três dias pela cidade de Nova York para procurar Sabotador locais de filmagem. [128] Ele também dirigiu Você já ouviu? (1942), uma dramatização fotográfica para Vida revista sobre os perigos dos boatos durante a guerra. [129] Em 1943 ele escreveu uma história de mistério para Olhar a revista "The Murder of Monty Woolley", [130] uma sequência de fotografias legendadas que convida o leitor a encontrar pistas sobre a identidade do assassino. Hitchcock classificou os performers como eles próprios, como Woolley, Doris Merrick e o maquiador Guy Pearce. [ citação necessária ]

De volta à Inglaterra, a mãe de Hitchcock, Emma, ​​estava gravemente doente e morreu em 26 de setembro de 1942 aos 79 anos. Hitchcock nunca falou publicamente sobre sua mãe, mas sua assistente disse que a admirava. [131] Quatro meses depois, em 4 de janeiro de 1943, seu irmão William morreu de overdose aos 52 anos. [132] Hitchcock não era muito próximo de William, [133] mas sua morte deixou Hitchcock consciente de seus próprios hábitos de comer e beber . Ele estava acima do peso e sofrendo de dores nas costas. Sua resolução de ano-novo em 1943 foi levar sua dieta a sério com a ajuda de um médico. [134] Em janeiro daquele ano, Shadow of a Doubt foi lançado, que Hitchcock tinha boas lembranças de fazer. [135] No filme, Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright) suspeita que seu amado tio Charlie Oakley (Joseph Cotten) seja um assassino em série. Hitchcock filmou extensivamente em locações, desta vez na cidade de Santa Rosa, no norte da Califórnia. [136]

Na 20th Century Fox, Hitchcock abordou John Steinbeck com uma ideia para um filme, que registrava as experiências dos sobreviventes de um ataque de submarino alemão. Steinbeck começou a trabalhar no roteiro que se tornaria o Bote salva vidas (1944). No entanto, Steinbeck não gostou do filme e pediu que seu nome fosse retirado dos créditos, sem sucesso. A ideia foi reescrita como um conto de Harry Sylvester e publicado em Collier's em 1943. As sequências de ação foram filmadas em um pequeno barco na caixa d'água do estúdio. O local representou problemas para a tradicional aparição de Hitchcock, que foi resolvido fazendo a imagem de Hitchcock aparecer em um jornal que William Bendix está lendo no barco, mostrando o diretor em um anúncio de antes e depois de "Reduco-Obesity Slayer". [137] Ele disse a Truffaut em 1962:

Na época, eu estava em uma dieta extenuante, trabalhando penosamente para passar de trezentos para cem quilos. Então decidi imortalizar minha perda e conseguir minha pequena parte posando para fotos de "antes" e "depois". . Fiquei literalmente submerso por cartas de gordos que queriam saber onde e como conseguir o Reduco. [138]

O jantar típico de Hitchcock antes de sua perda de peso era um frango assado, presunto cozido, batatas, pão, vegetais, condimentos, salada, sobremesa, uma garrafa de vinho e um pouco de conhaque. Para perder peso, sua dieta consistia em café puro no café da manhã e almoço, e bife e salada no jantar, [134] mas era difícil manter Donald Spoto escreveu que seu peso flutuou consideravelmente nos 40 anos seguintes. No final de 1943, apesar da perda de peso, a Occidental Insurance Company de Los Angeles recusou seu pedido de seguro de vida. [139]

Filmes de não ficção de guerra Editar

Hitchcock voltou ao Reino Unido para uma visita prolongada no final de 1943 e no início de 1944. Enquanto estava lá, ele fez dois curtas-metragens de propaganda, boa Viagem (1944) e Aventure Malgache (1944), para o Ministério da Informação. Em junho e julho de 1945, Hitchcock serviu como "conselheiro de tratamento" em um documentário do Holocausto que usou imagens das Forças Aliadas da libertação dos campos de concentração nazistas. O filme foi montado em Londres e produzido por Sidney Bernstein, do Ministério da Informação, que trouxe Hitchcock (um amigo seu) a bordo. Foi originalmente planejado para ser transmitido para os alemães, mas o governo britânico considerou muito traumático para ser mostrado a uma população chocada do pós-guerra. Em vez disso, foi transferido em 1952 dos cofres de filmes do British War Office para o Imperial War Museum de Londres e permaneceu inédito até 1985, quando uma versão editada foi transmitida como um episódio da PBS Linha de frente, sob o título que o Museu Imperial da Guerra lhe dera: Memória dos acampamentos. A versão completa do filme, Pesquisa factual sobre campos de concentração alemães, foi restaurado em 2014 por estudiosos do Museu Imperial da Guerra. [141] [142] [143]

Anos pós-guerra de Hollywood: 1945–1953 Editar

Filmes posteriores de Selznick Editar

Hitchcock trabalhou para David Selznick novamente quando ele dirigiu Fascinado (1945), que explora a psicanálise e apresenta uma sequência de sonhos desenhada por Salvador Dalí. [144] A sequência do sonho como aparece no filme é dez minutos mais curta do que foi originalmente imaginado Selznick editou para fazê-la "jogar" de forma mais eficaz. [145] Gregory Peck interpreta o amnésico Dr. Anthony Edwardes sob o tratamento do analista Dr. Peterson (Ingrid Bergman), que se apaixona por ele enquanto tenta desvendar seu passado reprimido. [146] Duas fotos do ponto de vista foram obtidas construindo uma grande mão de madeira (que parecia pertencer ao personagem cujo ponto de vista a câmera tirou) e adereços de tamanho grande para segurar: um vidro do tamanho de um balde de leite e uma grande arma de madeira. Para adicionar novidade e impacto, o tiro culminante foi pintado de vermelho à mão em algumas cópias do filme em preto e branco. A partitura original de Miklós Rózsa faz uso do theremin, e parte dela foi posteriormente adaptada pelo compositor no Concerto para Piano Op. De Rozsa. 31 (1967) para piano e orquestra. [147] [ falha na verificação ]

O filme de espionagem Notório foi seguido em 1946. Hitchcock disse a François Truffaut que Selznick vendeu o roteiro de Ingrid Bergman, Cary Grant e Ben Hecht para a RKO Radio Pictures como um "pacote" de $ 500.000 (equivalente a $ 6.635.666 em 2020) devido a estouros de custo no Selznick's Duelo ao sol (1946). [ citação necessária ] Notório estrelado por Bergman e Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, e apresenta um enredo sobre nazistas, urânio e América do Sul. Seu uso presciente de urânio como um dispositivo de conspiração o levou a ser brevemente colocado sob vigilância pelo Federal Bureau of Investigation. [148] De acordo com Patrick McGilligan, por volta de março de 1945, Hitchcock e Hecht consultaram Robert Millikan do California Institute of Technology sobre o desenvolvimento de uma bomba de urânio. Selznick reclamou que a noção era "ficção científica", apenas para ser confrontada pela notícia da detonação de duas bombas atômicas em Hiroshima e Nagasaki no Japão em agosto de 1945. [149]

Edição de imagens transatlânticas

Hitchcock formou uma produtora independente, a Transatlantic Pictures, com seu amigo Sidney Bernstein. Fez dois filmes com a Transatlantic, um dos quais foi seu primeiro filme colorido. Com Corda (1948), Hitchcock experimentou organizar o suspense em um ambiente confinado, como havia feito anteriormente com Bote salva vidas. O filme aparece como um número muito limitado de tomadas contínuas, mas na verdade foi filmado em 10, variando de 4- 1 ⁄ 2 a 10 minutos cada, uma duração de 10 minutos de filme era o máximo que uma revista de filmes da câmera poderia armazenar no momento . Algumas transições entre as bobinas foram ocultadas por um objeto escuro preencher a tela inteira por um momento. Hitchcock usou esses pontos para esconder o corte e começou a próxima tomada com a câmera no mesmo lugar. O filme apresenta James Stewart no papel principal e foi o primeiro de quatro filmes que Stewart fez com Hitchcock. Foi inspirado no caso Leopold e Loeb dos anos 1920. [150] A resposta crítica na época foi mista. [151]

Sob Capricórnio (1949), ambientado na Austrália do século 19, também usa a técnica de tomadas longas de vida curta, mas em uma extensão mais limitada. Ele usou o Technicolor novamente nesta produção, depois voltou ao preto e branco por vários anos. A Transatlantic Pictures ficou inativa após os dois últimos filmes. [152] [153] Hitchcock filmou Susto de palco (1950) nos estúdios Elstree, na Inglaterra, onde havia trabalhado durante seu contrato com a British International Pictures muitos anos antes. [154] Ele formou dupla com um dos Warner Bros. ' as estrelas mais populares, Jane Wyman, com o ator alemão expatriado Marlene Dietrich e usou vários atores britânicos proeminentes, incluindo Michael Wilding, Richard Todd e Alastair Sim. [155] Esta foi a primeira produção adequada de Hitchcock para a Warner Bros., que havia distribuído Corda e Sob Capricórnio, porque a Transatlantic Pictures estava com dificuldades financeiras. [156]

O suspense dele Estranhos em um trem (1951) foi baseado no romance homônimo de Patricia Highsmith. Hitchcock combinou muitos elementos de seus filmes anteriores. Ele abordou Dashiell Hammett para escrever o diálogo, mas Raymond Chandler assumiu e deixou desentendimentos com o diretor. No filme, dois homens se encontram casualmente, um dos quais especula sobre um método infalível para assassinar, ele sugere que duas pessoas, cada uma desejando matar alguém, deveriam cometer o assassinato da outra. O papel de Farley Granger foi o de vítima inocente do esquema, enquanto Robert Walker, anteriormente conhecido por papéis de "garoto da porta ao lado", interpretou o vilão. [157] Eu confesso (1953) foi ambientado em Quebec com Montgomery Clift como um padre católico. [158]

Anos de pico: 1954-1964 Editar

Disque M para assassinato e Janela traseira Editar

Eu confesso foi seguido por três filmes coloridos estrelados por Grace Kelly: Disque M para assassinato (1954), Janela traseira (1954), e Pegar um ladrão (1955). No Disque M para assassinato, Ray Milland interpreta o vilão que tenta assassinar sua esposa infiel (Kelly) por seu dinheiro. Ela mata o assassino contratado em legítima defesa, então Milland manipula as evidências para fazer com que pareçam assassinato. Seu amante, Mark Halliday (Robert Cummings), e o inspetor de polícia Hubbard (John Williams) salvam-na da execução. [159] Hitchcock fez experiências com cinematografia 3D para Disque M para assassinato. [160]

Hitchcock mudou-se para a Paramount Pictures e filmou Janela traseira (1954), estrelado por James Stewart e Grace Kelly novamente, bem como Thelma Ritter e Raymond Burr. O personagem de Stewart é um fotógrafo chamado Jeff (baseado em Robert Capa) que deve usar temporariamente uma cadeira de rodas. Fora do tédio, ele começa a observar seus vizinhos do outro lado do pátio, então se convence de que um deles (Raymond Burr) assassinou sua esposa. Jeff finalmente consegue convencer seu amigo policial (Wendell Corey) e sua namorada (Kelly). Como com Bote salva vidas e Corda, os personagens principais são representados em aposentos confinados ou apertados, neste caso, o apartamento de estúdio de Stewart. Hitchcock usa closes do rosto de Stewart para mostrar as reações de seu personagem, "desde o voyeurismo cômico dirigido a seus vizinhos até seu terror indefeso assistindo Kelly e Burr no apartamento do vilão". [161]

Alfred Hitchcock apresenta Editar

De 1955 a 1965, Hitchcock foi o apresentador da série de televisão Alfred Hitchcock apresenta. [162] Com sua entrega divertida, humor negro e imagem icônica, a série fez de Hitchcock uma celebridade. A seqüência-título da mostra retratava uma caricatura minimalista de seu perfil (ele mesmo a desenhou, é composta de apenas nove traços), que sua silhueta real então preenchia. [163] O tema da série era Marcha fúnebre de uma marionete pelo compositor francês Charles Gounod (1818–1893). [164]

Suas apresentações sempre incluíam algum tipo de humor irônico, como a descrição de uma recente execução de várias pessoas dificultada por ter apenas uma cadeira elétrica, enquanto duas são mostradas com um sinal "Duas cadeiras - sem espera!" Dirigiu 18 episódios da série, que foi ao ar de 1955 a 1965. Tornou-se A hora Alfred Hitchcock em 1962, e a NBC transmitiu o episódio final em 10 de maio de 1965. Na década de 1980, uma nova versão de Alfred Hitchcock apresenta foi produzido para a televisão, fazendo uso das introduções originais de Hitchcock em uma forma colorida. [162]

O sucesso de Hitchcock na televisão gerou um conjunto de coleções de contos em seu nome, incluindo Antologia de Alfred Hitchcock, Histórias que eles não me deixariam fazer na TV, e Contos que minha mãe nunca me contou. [165] Em 1956 HSD Publications também licenciou o nome do diretor para criar Revista de mistério de Alfred Hitchcock, um resumo mensal especializado em crime e ficção policial. [165] As séries de televisão de Hitchcock eram muito lucrativas, e suas versões de livros em língua estrangeira geravam receitas de até $ 100.000 por ano (equivalente a $ 874.803 em 2020). [166]

A partir de Pegar um ladrão para Vertigem Editar

Em 1955, Hitchcock tornou-se cidadão dos Estados Unidos. [167] No mesmo ano, seu terceiro filme de Grace Kelly, Pegar um ladrão, foi lançado e se passa na Riviera Francesa e é estrelado por Kelly e Cary Grant. Grant interpreta o ladrão aposentado John Robie, que se torna o principal suspeito de uma série de roubos na Riviera. Uma herdeira americana em busca de emoções, interpretada por Kelly, supõe sua verdadeira identidade e tenta seduzi-lo. "Apesar da óbvia disparidade de idade entre Grant e Kelly e um enredo leve, o roteiro espirituoso (carregado de duplo sentido) e a atuação bem-humorada provaram ser um sucesso comercial." [168] Foi o último filme de Hitchcock com Kelly, ela se casou com o príncipe Rainier de Mônaco em 1956, e encerrou sua carreira cinematográfica posteriormente. Hitchcock então refez seu próprio filme de 1934 O homem que Sabia Demais em 1956. Desta vez, o filme foi estrelado por James Stewart e Doris Day, que cantaram a música tema "Que Sera, Sera", que ganhou o Oscar de Melhor Canção Original e se tornou um grande sucesso. Eles interpretam um casal cujo filho é sequestrado para impedi-los de interferir em um assassinato. Como no filme de 1934, o clímax ocorre no Royal Albert Hall. [169]

O homem errado (1957), o último filme de Hitchcock para a Warner Bros., é uma produção discreta em preto e branco baseada em um caso real de identidade trocada relatado em Vida revista em 1953.Este foi o único filme de Hitchcock estrelado por Henry Fonda, interpretando um músico do Stork Club confundido com um ladrão de loja de bebidas, que é preso e julgado por roubo enquanto sua esposa (Vera Miles) desmaia emocionalmente sob a tensão. Hitchcock disse a Truffaut que seu medo da polícia ao longo da vida o atraiu para o assunto e estava embutido em muitas cenas. [170]

Enquanto dirigia episódios para Alfred Hitchcock apresenta durante o verão de 1957, Hitchcock foi internado no hospital por hérnia e cálculos biliares e teve que remover a vesícula biliar. Após uma cirurgia bem-sucedida, ele voltou imediatamente ao trabalho para se preparar para seu próximo projeto. [171] [151] O próximo filme de Hitchcock, Vertigem (1958) novamente estrelou James Stewart, com Kim Novak e Barbara Bel Geddes. Ele queria que Vera Miles fizesse o papel principal, mas ela estava grávida. Ele disse a Oriana Fallaci: “Eu estava oferecendo a ela um grande papel, a chance de se tornar uma loira bonita e sofisticada, uma atriz de verdade. Teríamos gastado muito dinheiro nisso, e ela tem o mau gosto de engravidar. odeio mulheres grávidas, porque então elas têm filhos. " [172]

No VertigemStewart interpreta Scottie, um ex-investigador da polícia que sofre de acrofobia, que desenvolve uma obsessão por uma mulher que foi contratado para fazer sombra (Novak). A obsessão de Scottie leva à tragédia, e desta vez Hitchcock não opta por um final feliz. Alguns críticos, incluindo Donald Spoto e Roger Ebert, concordam que Vertigem é o filme mais pessoal e revelador do diretor, que trata do Pigmalião- como as obsessões de um homem que transforma uma mulher na mulher que deseja. Vertigem explora mais francamente e com mais profundidade seu interesse na relação entre sexo e morte, do que qualquer outro trabalho em sua filmografia. [173]

Vertigem contém uma técnica de câmera desenvolvida por Irmin Roberts, comumente conhecida como zoom dolly, que foi copiada por muitos cineastas. O filme estreou no Festival Internacional de Cinema de San Sebastián e Hitchcock ganhou o prêmio Silver Seashell. [174] Vertigem é considerado um clássico, mas atraiu críticas mistas e baixas receitas de bilheteria na época [175] do crítico de Variedade a revista opinou que o filme foi "muito lento e muito longo". [176] Bosley Crowther da New York Times achou que era "diabolicamente rebuscado", mas elogiou as atuações do elenco e a direção de Hitchcock. [177] A imagem também foi a última colaboração entre Stewart e Hitchcock. [178] Em 2002 Visão e amplificador de som pesquisas, ficou logo atrás Cidadão Kane (1941) dez anos depois, na mesma revista, a crítica elege-o como o melhor filme de todos os tempos. [8]

North by Northwest e Psicopata Editar

Depois de Vertigem, o resto de 1958 foi um ano difícil para Hitchcock. Durante a pré-produção de North by Northwest (1959), que foi um processo "lento" e "agonizante", sua esposa Alma foi diagnosticada com câncer. [179] Enquanto Alma estava no hospital, Hitchcock se manteve ocupado com seu trabalho na televisão e a visitava todos os dias. Alma foi submetida a uma cirurgia e se recuperou totalmente, mas isso fez Hitchcock imaginar, pela primeira vez, a vida sem ela. [179]

Hitchcock deu sequência com mais três filmes de sucesso, também reconhecidos como entre os seus melhores: North by Northwest, Psicopata (1960) e Os pássaros (1963). No North by Northwest, Cary Grant interpreta Roger Thornhill, um executivo de publicidade da Madison Avenue que é confundido com um agente secreto do governo. Ele é perseguido intensamente nos Estados Unidos por agentes inimigos, incluindo Eve Kendall (Eva Marie Saint). No início, Thornhill acredita que Kendall o está ajudando, mas depois percebe que ela é uma agente inimiga e descobre que ela está trabalhando disfarçada para a CIA. Durante a sua estreia de duas semanas no Radio City Music Hall, o filme arrecadou $ 404.056 (equivalente a $ 3.587.150 em 2020), estabelecendo um recorde de bilheteria fora do feriado. [180] Tempo a revista chamou o filme de "suavemente trabalhado e totalmente divertido". [181]

Psicopata (1960) é indiscutivelmente o filme mais conhecido de Hitchcock. [182] Baseado no romance de 1959 de Robert Bloch Psicopata, que foi inspirado no caso de Ed Gein, [183] ​​o filme foi produzido com um orçamento apertado de $ 800.000 (equivalente a $ 6.998.425 em 2020) e rodado em preto e branco em um set de reposição usando membros da equipe de Alfred Hitchcock apresenta. [184] A violência sem precedentes na cena do chuveiro, [h] a morte prematura da heroína e as vidas inocentes extintas por um assassino perturbado tornaram-se as marcas de um novo gênero de filme de terror. [186] O filme se tornou popular com o público, com filas se estendendo do lado de fora dos cinemas enquanto os espectadores esperavam pela próxima exibição. Quebrou recordes de bilheteria no Reino Unido, França, América do Sul, Estados Unidos e Canadá e foi um sucesso moderado na Austrália por um breve período. [187] [ página necessária ]

Psicopata foi o mais lucrativo da carreira de Hitchcock, e ele ganhou pessoalmente mais de $ 15 milhões (equivalente a $ 131,22 milhões em 2020). Posteriormente, ele trocou seus direitos para Psicopata e sua antologia de TV por 150.000 ações da MCA, tornando-o o terceiro maior acionista e seu próprio patrão na Universal, pelo menos em teoria, embora isso não os impedisse de interferir com ele. [187] [ página necessária ] [188] Após o primeiro filme, Psicopata tornou-se uma franquia americana de terror: Psycho II, Psycho III, Bates Motel, Psycho IV: o começoe um remake colorido de 1998 do original. [189]

Entrevista com Truffaut Editar

Em 13 de agosto de 1962, aniversário de 63 anos de Hitchcock, o diretor francês François Truffaut deu início a uma entrevista de 50 horas com Hitchcock, filmada durante oito dias no Universal Studios, durante a qual Hitchcock concordou em responder a 500 perguntas. Demorou quatro anos para transcrever as fitas e organizar as imagens. Foi publicado em livro em 1967, que Truffaut apelidou de "Hitchbook". As fitas de áudio foram usadas como base para um documentário em 2015. [190] [191] Truffaut procurou a entrevista porque estava claro para ele que Hitchcock não era simplesmente o artista de mercado de massa que a mídia americana o fazia parecer. Era óbvio em seus filmes, escreveu Truffaut, que Hitchcock "pensou mais no potencial de sua arte do que qualquer um de seus colegas". Ele comparou a entrevista à "consulta de Édipo ao oráculo". [192]

Os pássaros Editar

O estudioso do cinema Peter William Evans escreveu que Os pássaros (1963) e Marnie (1964) são considerados "obras-primas indiscutíveis". [151] Hitchcock pretendia filmar Marnie primeiro, e em março de 1962, foi anunciado que Grace Kelly, a princesa Grace de Mônaco desde 1956, sairia da aposentadoria para estrelar o filme. [193] Quando Kelly pediu a Hitchcock para adiar Marnie até 1963 ou 1964, ele recrutou Evan Hunter, autor de The Blackboard Jungle (1954), para desenvolver um roteiro baseado em um conto de Daphne du Maurier, "Os Pássaros" (1952), que Hitchcock havia republicado em seu Meus favoritos no suspense (1959). Ele contratou Tippi Hedren para fazer o papel principal. [194] Foi seu primeiro papel como modelo em Nova York quando Hitchcock a viu, em outubro de 1961, em um anúncio da televisão NBC para Sego, uma bebida dietética: [195] "Eu a contratei porque ela é uma beleza clássica . Os filmes não os têm mais. Grace Kelly foi a última. " Ele insistiu, sem explicação, que o primeiro nome dela fosse escrito entre aspas simples: 'Tippi'. [eu]

No Os pássaros, Melanie Daniels, uma jovem socialite, conhece o advogado Mitch Brenner (Rod Taylor) em uma loja de pássaros Jessica Tandy interpreta sua mãe possessiva. Hedren o visita em Bodega Bay (onde Os pássaros foi filmado) [196] carregando um par de pombinhos como um presente. De repente, ondas de pássaros começam a se reunir, observar e atacar. A pergunta: "O que os pássaros querem?" fica sem resposta. [198] Hitchcock fez o filme com equipamentos do Revue Studio, que fez Alfred Hitchcock apresenta. Ele disse que foi seu filme mais desafiador tecnicamente, usando uma combinação de pássaros treinados e mecânicos em um cenário de pássaros selvagens. Cada foto foi esboçada com antecedência. [196]

Um filme para televisão da HBO / BBC, A menina (2012), descreveu as experiências de Hedren no set, ela disse que Hitchcock ficou obcecado por ela e a assediou sexualmente. Ele supostamente a isolou do resto da equipe, fez com que ela fosse seguida, sussurrou obscenidades para ela, teve sua caligrafia analisada e mandou construir uma rampa de seu escritório particular diretamente para o trailer dela. [199] [200] Diane Baker, sua co-estrela em Marnie, disse: "Nada poderia ter sido mais horrível para mim do que chegar ao set de filmagem e vê-la sendo tratada da maneira que foi." [201] Enquanto filmava a cena do ataque no sótão - que levou uma semana para ser filmada - ela foi colocada em uma jaula enquanto dois homens usando luvas de proteção até o cotovelo jogavam pássaros vivos nela. Perto do final da semana, para impedir que os pássaros voassem para longe dela cedo demais, uma perna de cada ave foi presa por fio de náilon a elásticos costurados dentro de suas roupas. Ela desabou depois que um pássaro cortou sua pálpebra inferior, e as filmagens foram interrompidas por ordem do médico. [202]

Marnie Editar

Em junho de 1962, Grace Kelly anunciou que havia decidido não aparecer em Marnie (1964). Hedren assinou um contrato exclusivo de sete anos, US $ 500 por semana com Hitchcock em outubro de 1961, [203] e ele decidiu escalá-la para o papel principal ao lado de Sean Connery. Em 2016, descrevendo a atuação de Hedren como "uma das maiores da história do cinema", Richard Brody chamou o filme de uma "história de violência sexual" infligida ao personagem interpretado por Hedren: "O filme é, simplesmente, doentio , e é assim porque Hitchcock estava doente. Ele sofreu toda a sua vida de desejo sexual furioso, sofreu com a falta de sua gratificação, sofreu com a incapacidade de transformar fantasia em realidade, e então foi em frente e o fez virtualmente, por meio de seu arte." [204] A 1964 New York Times a crítica de cinema chamou-o de "o filme mais decepcionante dos últimos anos", citando a falta de experiência de Hedren e Connery, um roteiro amadorístico e "cenários de papelão flagrantemente falsos". [205]

No filme, Marnie Edgar (Hedren) rouba US $ 10.000 de seu empregador e foge. Ela se candidata a um emprego na empresa de Mark Rutland (Connery) na Filadélfia e também rouba de lá. Anteriormente, ela foi mostrada tendo um ataque de pânico durante uma tempestade e temendo a cor vermelha. Mark a segue e a chantageia para que se case com ele. Ela explica que não quer ser tocada, mas durante a "lua de mel", Mark a estupra. Marnie e Mark descobrem que a mãe de Marnie era prostituta quando Marnie era criança e que, enquanto a mãe brigava com um cliente durante uma tempestade - a mãe acreditava que o cliente havia tentado molestar Marnie - Marnie matou o cliente para salvar a mãe dela. Curada de seus medos ao se lembrar do que aconteceu, ela decide ficar com Mark. [204] [206]

Hitchcock disse ao diretor de fotografia Robert Burks que a câmera deveria ser colocada o mais próximo possível de Hedren quando ele filmou seu rosto. [207] Evan Hunter, o roteirista de Os pássaros quem estava escrevendo Marnie também explicou a Hitchcock que, se Mark amasse Marnie, ele a confortaria, não a estupraria. Hitchcock teria respondido: "Evan, quando ele enfiar nela, quero aquela câmera bem na cara dela!" [208] Quando Hunter enviou duas versões do roteiro, uma sem a cena do estupro, Hitchcock o substituiu por Jay Presson Allen. [209]

Anos posteriores: 1966-1980 Editar

Filmes finais Editar

A saúde debilitada reduziu a produção de Hitchcock durante as últimas duas décadas de sua vida. O biógrafo Stephen Rebello afirmou que a Universal impôs dois filmes a ele, Cortina Rasgada (1966) e Topázio (1969), este último baseado em um romance de Leon Uris, parcialmente ambientado em Cuba. [210] Ambos eram thrillers de espionagem com temas relacionados à Guerra Fria. Cortina Rasgada, com Paul Newman e Julie Andrews, precipitou o amargo fim da colaboração de 12 anos entre Hitchcock e o compositor Bernard Herrmann. [211] Hitchcock estava insatisfeito com a pontuação de Herrmann e o substituiu por John Addison, Jay Livingston e Ray Evans. [212] Após a liberação, Cortina Rasgada foi um fracasso de bilheteria, [213] e Topázio não era apreciado pela crítica e pelo estúdio. [214]

Hitchcock voltou à Grã-Bretanha para fazer seu penúltimo filme, Frenesi (1972), baseado no romance Adeus Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Depois de dois filmes de espionagem, a trama marcou um retorno ao gênero thriller de assassinato. Richard Blaney (Jon Finch), um barman volátil com um histórico de raiva explosiva, se torna o principal suspeito na investigação dos "Assassinatos de Gravata", que na verdade são cometidos por seu amigo Bob Rusk (Barry Foster). Desta vez, Hitchcock torna a vítima e vilão parentes, ao invés de opostos como em Estranhos em um trem. [215]

No Frenesi, Hitchcock permitiu a nudez pela primeira vez. Duas cenas mostram mulheres nuas, uma das quais está sendo estuprada e estrangulada [151] Donald Spoto chamou a última de "um dos exemplos mais repelentes de um assassinato detalhado na história do cinema". Ambos os atores, Barbara Leigh-Hunt e Anna Massey, se recusaram a fazer as cenas, então modelos foram usados ​​em seu lugar. [216] Biógrafos notaram que Hitchcock sempre forçou os limites da censura cinematográfica, muitas vezes conseguindo enganar Joseph Breen, o chefe do Código de Produção Cinematográfica. Hitchcock acrescentaria sugestões sutis de impropriedades proibidas pela censura até meados da década de 1960. Ainda assim, Patrick McGilligan escreveu que Breen e outros muitas vezes perceberam que Hitchcock estava inserindo esse material e ficaram realmente surpresos, bem como alarmados pelas "inferências inescapáveis" de Hitchcock. [217]

Enredo Familiar (1976) foi o último filme de Hitchcock. Ele relata as escapadas de "Madame" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris, uma espiritualista fraudulenta, e seu amante motorista de táxi Bruce Dern, ganhando a vida com seus poderes falsos. Enquanto Enredo Familiar foi baseado no romance de Victor Canning O Padrão Rainbird (1972), o tom do romance é mais sinistro. O roteirista Ernest Lehman escreveu originalmente o filme, sob o título provisório Deception, com um tom sombrio, mas foi empurrado para um tom mais leve e cômico por Hitchcock, onde levou o nome Deceit e, finalmente, Family Plot. [218]

Cavalaria e morte Editar

Perto do fim de sua vida, Hitchcock estava trabalhando no roteiro de um thriller de espionagem, A curta noite, colaborando com James Costigan, Ernest Lehman e David Freeman. Apesar do trabalho preliminar, nunca foi filmado. A saúde de Hitchcock estava piorando e ele estava preocupado com sua esposa, que havia sofrido um derrame. O roteiro foi finalmente publicado no livro de Freeman Os últimos dias de Alfred Hitchcock (1999). [219]

Tendo recusado um CBE em 1962, [220] Hitchcock foi nomeado Cavaleiro Comandante da Ordem Mais Excelente do Império Britânico (KBE) nas honras de Ano Novo de 1980. [11] [221] Ele estava doente demais para viajar para Londres - ele tinha um marca-passo e estava recebendo injeções de cortisona para sua artrite - então, em 3 de janeiro de 1980, o cônsul geral britânico apresentou-lhe os papéis no Universal Studios. Questionado por um repórter após a cerimônia por que a rainha demorou tanto, Hitchcock brincou: "Suponho que tenha sido uma questão de descuido". Cary Grant, Janet Leigh e outros participaram de um almoço depois. [222] [223]

Sua última aparição pública foi em 16 de março de 1980, quando apresentou o vencedor do prêmio American Film Institute do ano seguinte. [222] Ele morreu de insuficiência renal no mês seguinte, em 29 de abril, em sua casa em Bel Air. [122] [224] Donald Spoto, um dos biógrafos de Hitchcock, escreveu que Hitchcock se recusou a ver um padre, [225] mas de acordo com o padre jesuíta Mark Henninger, ele e outro padre, Tom Sullivan, celebraram missa na casa do cineasta, e Sullivan ouviu sua confissão. [226] Hitchcock deixou sua esposa e filha. Seu funeral foi realizado na Good Shepherd Catholic Church em Beverly Hills em 30 de abril, após o qual seu corpo foi cremado. Seus restos mortais foram espalhados pelo Oceano Pacífico em 10 de maio de 1980. [227]

Estilo e edição de temas

A carreira de produção cinematográfica de Hitchcock evoluiu de filmes mudos de pequena escala para filmes sonoros financeiramente significativos. Hitchock observou que foi influenciado pelos primeiros cineastas George Méliès, D.W. Griffith e Alice Guy-Blaché. [228] Seus filmes mudos entre 1925 e 1929 estavam nos gêneros do crime e do suspense, mas também incluíam melodramas e comédias. Embora a narrativa visual fosse pertinente durante a era muda, mesmo após a chegada do som, Hitchcock ainda confiava no visual no cinema. Na Grã-Bretanha, ele aperfeiçoou seu ofício de modo que, quando se mudou para Hollywood, o diretor havia aperfeiçoado seu estilo e técnicas de câmera. Hitchcock disse mais tarde que seu trabalho britânico foi a "sensação do cinema", enquanto a fase americana foi quando suas "idéias foram fecundadas". [229] O acadêmico Robin Wood escreve que os dois primeiros filmes do diretor, The Pleasure Garden e A águia da montanha, foram influenciados pelo expressionismo alemão. Posteriormente, ele descobriu o cinema soviético e as teorias de montagem de Sergei Eisenstein e Vsevolod Pudovkin. [67] 1926 O inquilino foi inspirado pela estética alemã e soviética, estilos que solidificaram o resto de sua carreira. [230] Embora o trabalho de Hitchcock na década de 1920 tenha tido algum sucesso, vários revisores britânicos criticaram os filmes de Hitchcock por serem pouco originais e presunçosos. [231] Raymond Durgnat opinou que os filmes de Hitchcock foram cuidadosa e inteligentemente construídos, mas pensou que eles podem ser superficiais e raramente apresentam uma "visão de mundo coerente". [232]

Conquistando o título de "Mestre do Suspense", o diretor experimentou formas de gerar tensão em seu trabalho. [231] Ele disse: "Meu trabalho de suspense surge da criação de pesadelos para o público. E eu Toque com uma audiência. Eu os faço suspirar, surpreendo-os e chocando-os. Quando você tem um pesadelo, é terrivelmente vívido se você está sonhando que está sendo levado para a cadeira elétrica. Então você fica tão feliz quanto pode estar quando acorda porque está aliviado. "[233] Durante as filmagens de North by Northwest, Hitchcock explicou suas razões para recriar o cenário do Monte Rushmore: "O público responde na proporção de quão realista você o torna.Uma das razões dramáticas para este tipo de fotografia é fazer com que pareça tão natural que o público se envolva e acredite, por enquanto, o que está acontecendo lá na tela. "[233]

Os filmes de Hitchcock, da era do mudo à do som, continham uma série de temas recorrentes pelos quais ele é famoso. Seus filmes exploraram o público como voyeur, principalmente em Janela traseira, Marnie e Psicopata. Ele entendeu que o ser humano gosta da atividade voyeurística e fez com que o público participasse dela por meio das ações do personagem. [234] De seus cinquenta e três filmes, onze giravam em torno de histórias de identidade trocada, em que um protagonista inocente é acusado de um crime e perseguido pela polícia. Na maioria dos casos, é uma pessoa comum e comum que se encontra em uma situação perigosa. [235] Hitchcock disse a Truffaut: "Isso é porque o tema do homem inocente sendo acusado, eu sinto, dá ao público uma maior sensação de perigo. É mais fácil para eles se identificarem com ele do que com um homem culpado em fuga." [235] Um de seus temas constantes era a luta de uma personalidade dividida entre a "ordem e o caos" [236] conhecida como a noção de "duplo", que é uma comparação ou contraste entre dois personagens ou objetos: o duplo representando uma escuridão ou o lado mau. [151]

De acordo com Robin Wood, Hitchcock tinha sentimentos mistos em relação à homossexualidade, apesar de ter trabalhado com atores gays em sua carreira. [237] Donald Spoto sugere que a infância sexualmente repressiva de Hitchcock pode ter contribuído para sua exploração do desvio. [237] Durante a década de 1950, o Código de Produção Cinematográfica proibia referências diretas à homossexualidade, mas o diretor era conhecido por suas referências sutis, [238] e forçando os limites dos censores. Além disso, Shadow of a Doubt tem um duplo tema de incesto por meio do enredo, expresso implicitamente por meio de imagens. [239] A autora Jane Sloan argumenta que Hitchcock foi atraído por expressões sexuais convencionais e não convencionais em seu trabalho, [240] e o tema do casamento era geralmente apresentado de uma maneira "sombria e cética". [241] Também não foi até depois da morte de sua mãe em 1942, que Hitchcock retratou figuras maternas como "notórias mães-monstro". [131] O pano de fundo da espionagem e assassinatos cometidos por personagens com tendências psicopáticas também eram temas comuns. [242] Na descrição de Hitchcock de vilões e assassinos, eles eram geralmente charmosos e amigáveis, forçando os espectadores a se identificarem com eles. [243] A infância rígida do diretor e a educação jesuíta podem ter levado à sua desconfiança de figuras autoritárias, como policiais e políticos, um tema que ele explorou. [151] Além disso, ele usou o "MacGuffin" - o uso de um objeto, pessoa ou evento para manter o enredo em andamento, mesmo que não fosse essencial para a história. [244] Alguns exemplos incluem o microfilme em North by Northwest e os $ 40.000 em dinheiro roubado em Psicopata.

Hitchcock aparece brevemente na maioria de seus próprios filmes. Por exemplo, ele é visto lutando para colocar um contrabaixo em um trem (Estranhos em um trem), levando cães para fora de uma loja de animais (Os pássaros), consertando o relógio de um vizinho (Janela traseira), como uma sombra (Enredo Familiar), sentado a uma mesa em uma fotografia (Disque M para assassinato), e andando de ônibus (North by Northwest, Pegar um ladrão). [86]

Representação de mulheres Editar

O retrato que Hitchcock faz das mulheres tem sido o assunto de muitos debates acadêmicos. Bidisha escreveu em O guardião em 2010: "Tem o vampiro, o vagabundo, o pomo, a bruxa, o furtivo, o traidor e, o melhor de tudo, a mamãe demônio. Não se preocupe, todos eles são punidos no final." [245] Em um ensaio amplamente citado em 1975, Laura Mulvey introduziu a ideia do olhar masculino - a visão do espectador nos filmes de Hitchcock, ela argumentou, é a do protagonista heterossexual masculino. [246] "As personagens femininas em seus filmes refletiam continuamente as mesmas qualidades", escreveu Roger Ebert em 1996. "Elas eram loiras. Eram gélidas e remotas. Elas foram aprisionadas em trajes que sutilmente combinavam moda com fetichismo. Eles eram hipnotizou os homens, que muitas vezes tinham deficiências físicas ou psicológicas. Mais cedo ou mais tarde, toda mulher Hitchcock era humilhada. " [247] [j]

As vítimas em O inquilino são todas loiras. No Os 39 Passos, Madeleine Carroll é algemada. Ingrid Bergman, a quem Hitchcock dirigiu três vezes (Fascinado, Notório, e Sob Capricórnio), é loira escura. No Janela traseira, Lisa (Grace Kelly) arrisca sua vida invadindo o apartamento de Lars Thorwald. No Pegar um ladrão, Francie (também Kelly) se oferece para ajudar um homem que ela acredita ser um ladrão. No Vertigem e North by Northwest respectivamente, Kim Novak e Eva Marie Saint interpretam as heroínas loiras. No Psicopata, O personagem de Janet Leigh rouba $ 40.000 e é assassinado por Norman Bates, um psicopata recluso. Tippi Hedren, uma loira, parece ser o foco dos ataques em Os pássaros. No Marnie, o personagem-título, novamente interpretado por Hedren, é um ladrão. No Topázio, As atrizes francesas Dany Robin como a esposa de Stafford e Claude Jade como a filha de Stafford são heroínas loiras, a amante foi interpretada pela morena Karin Dor. A última heroína loira de Hitchcock foi Barbara Harris como uma vidente falsa que se tornou detetive amador em Enredo Familiar (1976), seu último filme. No mesmo filme, a contrabandista de diamantes interpretada por Karen Black usa uma longa peruca loira em várias cenas.

Seus filmes costumam apresentar personagens que lutam em seus relacionamentos com as mães, como Norman Bates em Psicopata. No North by Northwest, Roger Thornhill (Cary Grant) é um homem inocente ridicularizado por sua mãe por insistir que homens sombrios e assassinos estão atrás dele. No Os pássaros, o personagem Rod Taylor, um homem inocente, encontra seu mundo sob ataque de pássaros ferozes e luta para se libertar de uma mãe agarrada (Jessica Tandy). O assassino em Frenesi tem aversão às mulheres, mas idolatra sua mãe. O vilão Bruno em Estranhos em um trem odeia seu pai, mas tem um relacionamento incrivelmente próximo com sua mãe (interpretada por Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) em Notório tem uma relação claramente conflitante com sua mãe, que (com razão) suspeita de sua nova noiva, Alicia Huberman (Ingrid Bergman). [249]

Relacionamento com atores Editar

Hitchcock ficou conhecido por ter afirmado que "os atores devem ser tratados como gado". [251] [k] Durante as filmagens de Sr. e Sra. Smith (1941), Carole Lombard trouxe três vacas para o set usando os crachás de Lombard, Robert Montgomery e Gene Raymond, as estrelas do filme, para surpreendê-lo. [251] Em um episódio de The Dick Cavett Show, originalmente transmitido em 8 de junho de 1972, Dick Cavett afirmou como fato que Hitchcock já havia chamado os atores de gado. Hitchcock respondeu dizendo que, uma vez, ele foi acusado de chamar os atores de gado. “Eu disse que nunca diria uma coisa tão insensível e rude sobre os atores. O que eu provavelmente disse é que todos os atores devem ser tratados como gado. De uma maneira legal, é claro. ” Ele então descreveu a piada de Carole Lombard, com um sorriso. [252]

Hitchcock acreditava que os atores deveriam se concentrar em suas performances e deixar o trabalho do roteiro e do personagem para os diretores e roteiristas. Ele disse a Bryan Forbes em 1967: "Lembro-me de discutir com um ator de método como ele foi ensinado e assim por diante. Ele disse: 'Somos ensinados usando a improvisação. Recebemos uma ideia e então somos liberados para desenvolver de qualquer maneira nos queremos.' Eu disse 'Isso não é atuar. Isso é escrever.' “[125]

Relembrando suas experiências em Bote salva vidas para Charles Chandler, autor de É apenas um filme: Alfred Hitchcock, uma biografia pessoal, Walter Slezak disse que Hitchcock "sabia mais sobre como ajudar um ator do que qualquer diretor com quem já trabalhei", e Hume Cronyn descartou a ideia de que Hitchcock não se preocupava com seus atores como "totalmente falacioso", descrevendo detalhadamente o processo de ensaio e filmando Bote salva vidas. [253]

Os críticos observaram que, apesar de sua reputação de homem que não gostava de atores, os atores que trabalharam com ele muitas vezes deram desempenhos brilhantes. Ele usou os mesmos atores em muitos de seus filmes, Cary Grant e James Stewart, ambos trabalharam com Hitchcock quatro vezes, [254] e Ingrid Bergman e Grace Kelly três. James Mason disse que Hitchcock considerava os atores como "adereços animados". [255] Para Hitchcock, os atores faziam parte do cenário do filme. Ele disse a François Truffaut: "O principal requisito para um ator é a capacidade de não fazer nada bem, o que não é tão fácil quanto parece. Ele deve estar disposto a ser usado e totalmente integrado na imagem pelo diretor e pela câmera . Ele deve permitir que a câmera determine a ênfase apropriada e os destaques dramáticos mais eficazes. " [256]

Redação, storyboards e produção Editar

Hitchcock planejou seus roteiros detalhadamente com seus escritores. No Escrevendo com Hitchcock (2001), Steven DeRosa observou que Hitchcock os supervisionou em cada rascunho, pedindo que contassem a história visualmente. [257] Hitchcock disse a Roger Ebert em 1969:

Assim que o roteiro terminar, prefiro não fazer o filme. Toda a diversão acabou. Tenho uma mente fortemente visual. Eu visualizo uma imagem até os cortes finais. Eu escrevo tudo isso nos maiores detalhes no roteiro, e então não olho para o roteiro enquanto estou filmando. Sei de cor, assim como um maestro de orquestra não precisa olhar a partitura. É melancólico tirar uma foto. Quando você termina o roteiro, o filme está perfeito. Mas, ao fotografar, você perde talvez 40% de sua concepção original. [258]

Os filmes de Hitchcock foram extensivamente apresentados em storyboards nos mínimos detalhes. Ele nunca se deu ao trabalho de olhar pelo visor, já que não precisava, embora nas fotos publicitárias ele aparecesse fazendo isso. Ele também usou isso como uma desculpa para nunca ter que mudar seus filmes desde sua visão inicial. Se um estúdio pedisse a ele para mudar um filme, ele alegaria que já havia sido filmado de uma única forma e que não havia alternativas a serem consideradas. [259]

Essa visão de Hitchcock como um diretor que confiava mais na pré-produção do que na própria produção em si foi contestada por Bill Krohn, o correspondente americano da revista de cinema francesa Cahiers du cinéma, em seu livro Hitchcock no trabalho. Depois de investigar as revisões do roteiro, notas para outras equipes de produção escritas por ou para Hitchcock e outro material de produção, Krohn observou que o trabalho de Hitchcock muitas vezes se desviava de como o roteiro foi escrito ou de como o filme foi originalmente imaginado. [260] Ele observou que o mito dos storyboards em relação a Hitchcock, frequentemente regurgitado por gerações de comentaristas em seus filmes, foi em grande parte perpetuado pelo próprio Hitchcock ou pelo braço de publicidade dos estúdios. Por exemplo, a célebre sequência de pulverização de culturas de North by Northwest não foi feito um storyboard. Depois que a cena foi filmada, o departamento de publicidade pediu a Hitchcock para fazer storyboards para promover o filme, e Hitchcock, por sua vez, contratou um artista para combinar as cenas em detalhes. [261] [ verificação necessária ]

Mesmo quando os storyboards foram feitos, as cenas filmadas diferiram deles significativamente. A análise de Krohn da produção de clássicos de Hitchcock como Notório revela que Hitchcock foi flexível o suficiente para mudar a concepção de um filme durante sua produção. Outro exemplo que Krohn observa é o remake americano de O homem que Sabia Demais, cuja programação de filmagem começou sem um roteiro finalizado e, além disso, ultrapassou a programação, algo que, como Krohn observa, não era uma ocorrência incomum em muitos dos filmes de Hitchcock, incluindo Estranhos em um trem e Topázio. Embora Hitchcock tenha feito uma grande preparação para todos os seus filmes, ele tinha plena consciência de que o processo real de produção frequentemente se desviava dos planos mais bem elaborados e era flexível para se adaptar às mudanças e necessidades de produção, já que seus filmes não eram livre dos aborrecimentos normais enfrentados e rotinas comuns usadas durante muitas outras produções de filme. [261] [ verificação necessária ]

O trabalho de Krohn também lança luz sobre a prática de Hitchcock de filmar geralmente em ordem cronológica, que ele observa que enviou muitos filmes além do orçamento e do cronograma e, mais importante, diferia do procedimento operacional padrão de Hollywood na Era do Sistema de Estúdio. Igualmente importante é a tendência de Hitchcock de filmar tomadas alternativas de cenas. Isso difere da cobertura, pois os filmes não foram necessariamente filmados em ângulos variados, de modo a dar ao editor opções de moldar o filme da maneira que escolheram (geralmente sob a égide do produtor). [262] [ falha na verificação ] Em vez disso, eles representavam a tendência de Hitchcock de dar a si mesmo opções na sala de edição, onde ele aconselharia seus editores depois de ver um corte bruto do trabalho.

De acordo com Krohn, essa e muitas outras informações reveladas por meio de sua pesquisa dos papéis pessoais de Hitchcock, revisões de roteiro e coisas do gênero refutam a noção de Hitchcock como um diretor que sempre esteve no controle de seus filmes, cuja visão de seus filmes não o fez mudança durante a produção, que Krohn observa ter permanecido como o mito central de longa data de Alfred Hitchcock. Tanto sua meticulosidade quanto sua atenção aos detalhes também foram incorporadas a cada pôster de seus filmes. Hitchcock preferia trabalhar com os melhores talentos de sua época - designers de pôsteres de filmes como Bill Gold [263] e Saul Bass - que produziriam pôsteres que representassem seus filmes com precisão. [261]

Prêmios e homenagens Editar

Hitchcock foi introduzido na Calçada da Fama de Hollywood em 8 de fevereiro de 1960 com duas estrelas: uma para a televisão e a segunda para seus filmes. [264] Em 1978, John Russell Taylor o descreveu como "a pessoa mais universalmente reconhecível no mundo" e "um inglês de classe média franco que por acaso era um gênio artístico". [223] Em 2002 MovieMaker nomeou-o o diretor mais influente de todos os tempos, [265] e um 2007 The Daily Telegraph A pesquisa da crítica o classificou como o maior diretor da Grã-Bretanha. David Gritten, o crítico de cinema do jornal, escreveu: "Inquestionavelmente o maior cineasta a emergir dessas ilhas, Hitchcock fez mais do que qualquer diretor para moldar o cinema moderno, que seria totalmente diferente sem ele. Seu talento era para narrativa, ocultando cruelmente informações cruciais (de seus personagens e de nós) e envolvendo as emoções do público como ninguém. " [266] Em 1992, o Visão e amplificador de som A pesquisa dos dez melhores da crítica classificou Hitchcock em quarto lugar em sua lista dos "10 melhores diretores" de todos os tempos. [267] Em 2002, Hitchcock ficou em 2º lugar na enquete dos dez críticos e em 5º lugar na enquete do diretor na lista dos maiores diretores de todos os tempos compilada pela mesma revista. Hitchcock foi eleito o "Maior Diretor do Século 20" em uma pesquisa realizada pela revista japonesa de cinema kinema Junpo.

Ele ganhou dois Globos de Ouro, oito Laurel Awards e cinco prêmios pelo conjunto de sua obra, incluindo o primeiro BAFTA Academy Fellowship Award [268] e, em 1979, um AFI Life Achievement Award. [11] Ele foi indicado cinco vezes ao Oscar de Melhor Diretor. Rebecca, indicado a 11 Oscars, ganhou o Oscar de Melhor Filme de 1940, outro filme de Hitchcock, Correspondente estrangeiro, também foi nomeado naquele ano. [269] Em 2018, oito de seus filmes foram selecionados para preservação pelo US National Film Registry: Rebecca (1940 introduzido em 2018), Shadow of a Doubt (1943 introduzido em 1991), Notório (1946 introduzido em 2006), Janela traseira (1954 introduzido em 1997), Vertigem (1958 introduzido em 1989), North by Northwest (1959 introduzido em 1995), Psicopata (1960 introduzido em 1992), e Os pássaros (1963 introduzido em 2016). [9]

Em 2012, Hitchcock foi selecionado pelo artista Sir Peter Blake, autor de The Beatles ' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band capa do álbum, para aparecer em uma nova versão da capa, junto com outras figuras culturais britânicas, e ele foi apresentado naquele ano em uma série da BBC Radio 4, Os novos elisabetanos, como alguém "cujas ações durante o reinado de Elizabeth II tiveram um impacto significativo na vida dessas ilhas e dada a idade e seu caráter". [270] Em junho de 2013, nove versões restauradas dos primeiros filmes mudos de Hitchcock, incluindo The Pleasure Garden (1925), foram exibidos no Harvey Theatre da Brooklyn Academy of Music conhecido como "The Hitchcock 9", a homenagem itinerante foi organizada pelo British Film Institute. [271]

Editar Arquivos

A coleção Alfred Hitchcock está armazenada no Academy Film Archive em Hollywood, Califórnia. Inclui filmes caseiros, filmagem de 16 mm no set de Chantagem (1929) e Frenesi (1972), e as primeiras imagens coloridas conhecidas de Hitchcock. O Academy Film Archive preservou muitos de seus filmes caseiros. [272] Os documentos de Alfred Hitchcock estão guardados na Biblioteca Margaret Herrick da Academia. [273] As coleções de David O. Selznick e Ernest Lehman alojadas no Harry Ransom Humanities Research Center em Austin, Texas, contêm material relacionado ao trabalho de Hitchcock na produção de O Caso Paradine, Rebecca, Fascinado, North by Northwest e Enredo familiar. [274]

Edição de retratos de Hitchcock

Edição de Filmes

  • Sempre diga a sua esposa (curto) (1923)
  • The Pleasure Garden (1925)
  • A águia da montanha (1926) (perdido)
  • The Lodger: A Story of the London Fog (1927)
  • O anel (1927)
  • Morro abaixo (1927)
  • Esposa do fazendeiro (1928)
  • Virtude Fácil (1928)
  • champanhe (1928)
  • The Manxman (1929)
  • Chantagem (1929)
  • Juno e o Paycock (1930)
  • Assassinato! (1930)
  • Elstree Calling (1930)
  • The Skin Game (1931)
  • Mary (1931)
  • Rico e estranho (1931)
  • Número Dezessete (1932)
  • Valsas de Viena (1934)
  • O homem que Sabia Demais (1934)
  • Os 39 Passos (1935)
  • Agente secreto (1936)
  • sabotar (1936)
  • Jovem e inocente (1937)
  • A senhora desaparece (1938)
  • Jamaica Inn (1939)
  • Rebecca (1940)
  • Correspondente estrangeiro (1940)
  • Sr. e Sra. Smith (1941)
  • Suspeita (1941)
  • Sabotador (1942)
  • Shadow of a Doubt (1943)
  • Bote salva vidas (1944)
  • Fascinado (1945)
  • Notório (1946)
  • O Caso Paradine (1947)
  • Corda (1948)
  • Sob Capricórnio (1949)
  • Susto de palco (1950)
  • Estranhos em um trem (1951)
  • Eu confesso (1953)
  • Disque M para assassinato (1954)
  • Janela traseira (1954)
  • Pegar um ladrão (1955)
  • O problema com o Harry (1955)
  • O homem que Sabia Demais (1956)
  • O homem errado (1956)
  • Vertigem (1958)
  • North by Northwest (1959)
  • Psicopata (1960)
  • Os pássaros (1963)
  • Marnie (1964)
  • Cortina Rasgada (1966)
  • Topázio (1969)
  • Frenesi (1972)
  • Enredo Familiar (1976)

Edição de notas

  1. ^ Segundo Gene Adair (2002), Hitchcock fez 53 longas-metragens. [2] De acordo com Roger Ebert em 1980, era 54. [3]
  2. ^ Os filmes selecionados para o National Film Registry são Rebecca (1940), Shadow of a Doubt (1943), Notório (1946), Janela traseira (1954), Vertigem (1958), North by Northwest (1959), Psicopata (1960), e Os pássaros (1963). [9]
  3. ^ Alfred Hitchcock (North American Newspaper Alliance, 16 de julho de 1972): "Meu favorito é Shadow of a Doubt. Você nunca viu isso? Ah. Foi escrito por Thornton Wilder. É um estudo de personagem, um thriller de suspense. A beleza do filme é que foi filmado na própria cidade. "[10]
  4. ^ Em sua primeira história, "Gas" (junho de 1919), publicada na primeira edição, uma jovem está sendo atacada por uma multidão de homens em Paris, apenas para descobrir que tem alucinações na cadeira do dentista. [38] Isso foi seguido por "The Woman's Part" (setembro de 1919), que descreve um marido assistindo sua esposa, uma atriz, atuar no palco. [39] "Sordid" (fevereiro de 1920) envolve uma tentativa de comprar uma espada de um negociante de antiguidades, com um final diferente. [40] "And There Was No Rainbow" (setembro de 1920) descobre que Bob foi pego em flagrante com a esposa de um amigo. [41] Em "O que é quem?" (Dezembro de 1920), a confusão reina quando um grupo de atores se faz passar por si. [42] "The History of Pea Eating" (dezembro de 1920) é uma sátira sobre a dificuldade de comer ervilhas. [43] Sua peça final, "Fedora" (março de 1921) descreve uma mulher desconhecida: "pequena, simples, despretensiosa e silenciosa, mas ela comanda profunda atenção de todos os lados". [44]
  5. ^ Em 2017 a Tempo esgotado pesquisa de revista classificada sabotar como o 44º melhor filme britânico de todos os tempos. [85]
  6. ^ Hitchcock disse a Bryan Forbes em 1967: "Eles assistiram ao filme na minha ausência e retiraram todas as cenas que indicavam a possibilidade de Cary Grant ser um assassino. Portanto, não existia nenhum filme. Isso era ridículo. Mesmo assim, para comprometer no final. O que eu queria fazer era que a esposa soubesse que ela seria assassinada pelo marido, então ela escreveu uma carta para sua mãe dizendo que ela estava muito apaixonada por ele, ela não Se eu não quisesse mais viver, ela ia ser morta, mas a sociedade deveria ser protegida. Ela, portanto, traz este copo de leite fatal, bebe e antes que ela o faça, ela diz: "Você vai enviar esta carta para a mãe?" leite e morre. Você tem então apenas uma cena final de um alegre Cary Grant indo até a caixa de correio e postando a carta. Mas isso nunca foi permitido por causa do erro básico de fundição. " [125]
  7. ^ Uma pesquisa de 2012 do British Film Institute classificou Vertigem como o melhor filme já feito. [8]
  8. ^ Um documentário sobre Psicopata cena do chuveiro, 78/52, foi lançado em 2017, dirigido por Alexandre O. Philippe o título se refere às 78 montagens de câmeras e 52 cortes da cena. [185]
  9. ^ Thomas McDonald (O jornal New York Times, 1 de abril de 1962): "Estrelando no filme estão Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy e 'Tippi' Hedren. Hitchcock assinou um contrato com Miss Hedren, uma modelo de Nova York, após tê-la visto em um comercial de televisão. Ele insistiu que ela colocou seu primeiro nome entre aspas simples, mas não explicou o porquê. " [196] [197]
  10. ^ Em 1967, Hitchcock disse a Truffaut: "Acho que as mulheres mais interessantes, sexualmente, são as inglesas. Sinto que as mulheres inglesas, as suecas, as alemãs do norte e as escandinavas são muito mais excitantes do que as latinas, as italianas, e as francesas. Sexo não deve ser anunciado. Uma garota inglesa, parecida com uma professora, pode entrar em um táxi com você e, para sua surpresa, provavelmente abrirá a calça de um homem. o elemento de surpresa as cenas perdem o sentido. Não há possibilidade de descobrir sexo. [248]
  11. ^ Hitchcock disse a Fallaci em 1963: "Quando eles [atores] não são vacas, são crianças: isso é outra coisa que eu sempre disse. E todos sabem que existem crianças boas, crianças ruins e crianças estúpidas. A maioria dos os atores, porém, são crianças estúpidas. Estão sempre brigando e se arrogam muito. Quanto menos os vejo, mais feliz fico. Tive muito menos problemas para dirigir mil e quinhentos corvos do que um único ator. Sempre disse que Walt Disney tem a ideia certa. Seus atores são feitos de papel quando ele não gosta deles, ele pode rasgá-los. ” [172]

Edição de referências

  1. ^"Guia para colecionadores Alfred Hitchcock: Os anos britânicos impressos". Brenton Film. 13 de agosto de 2019. Arquivado do original em 21 de agosto de 2019. Página visitada em 22 de outubro de 2019.
  2. ^Adair 2002, p. 9
  3. ^
  4. Ebert, Roger (1 de maio de 1980). "O Mestre do Suspense está morto". Chicago Sun-Times. Arquivado do original em 26 de dezembro de 2017. Retirado em 26 de dezembro de 2017.
  5. ^ umab
  6. "Chantagem (1929)". British Film Institute. Arquivado do original em 31 de dezembro de 2017. Página visitada em 1 de janeiro de 2018. veja também White & amp Buscombe 2003, p. 94 Allen e Ishii-Gonzalès 2004, p. xv
  7. ^ umab
  8. "The 13th Academy Awards, 1941". Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. Arquivado do original em 3 de março de 2012. Retirado em 30 de dezembro de 2017.
  9. ^Wood 2002, p. 62
  10. ^
  11. "100 Maiores Filmes Americanos de Todos os Tempos da AFI". American Film Institute. Arquivado do original em 19 de maio de 2019. Retirado em 8 de setembro de 2018.
  12. ^ umabc
  13. Christie, Ian (setembro de 2012). "Os 50 maiores filmes de todos os tempos". Visão e amplificador de som. Arquivado do original em 1 de março de 2017. Retirado em 29 de dezembro de 2017. Veja também
  14. "Top 100 da crítica". British Film Institute. 2012. Arquivado do original em 7 de fevereiro de 2016. Retirado em 29 de dezembro de 2017.
  15. ^ umab
  16. "Lista completa do Registro Nacional de Filmes". Biblioteca do Congresso. Arquivado do original em 31 de outubro de 2016. Página visitada em 21 de dezembro de 2018.

Para a entrevista de Snyder: Snyder, Tom (1973). "Entrevista com Alfred Hitchcock", Amanhã, NBC, 00:01:55 Arquivado em 3 de janeiro de 2020 na Wayback Machine.


Prêmios, Cavalaria e Morte de Hitchcock

Apesar de ter sido indicado cinco vezes para Melhor Diretor, Hitchcock nunca ganhou o Oscar. Ao aceitar o Irving Thalberg Memorial Award no Oscar de 1967, ele simplesmente disse: “Obrigado”.

Em 1979, o American Film Institute presenteou Hitchcock com o Life Achievement Award em uma cerimônia no Beverly Hilton Hotel. Ele brincou que deveria morrer em breve.

Em 1980, a Rainha Elizabeth II tornou Hitchcock cavaleiro. Três meses depois, Sir Alfred Hitchcock morreu de insuficiência renal aos 80 anos em sua casa em Bel Air. Seus restos mortais foram cremados e espalhados no Oceano Pacífico.


Assista o vídeo: PURGATORIO - camino al Infierno 1999 (Dezembro 2021).