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Hurdy Gurdy Man: a estrela do rock da cena musical medieval

Hurdy Gurdy Man: a estrela do rock da cena musical medieval

O hurdy gurdy é um instrumento musical, ou mais precisamente, um instrumento de cordas, que remonta à Idade Média da Europa. O hurdy gurdy foi inicialmente usado para tocar música sacra, antes de ser adaptado para tocar música popular e folclórica. Mais tarde, seu status foi elevado ainda mais quando ganhou o favor por algum tempo na corte francesa.

Eventualmente, a popularidade do hurdy gurdy diminuiu e ele se tornou um instrumento musical do qual muitos não teriam ouvido falar. Nos últimos tempos, porém, o hurdy gurdy está passando por uma espécie de renascimento, tanto na Europa quanto na América do Norte.

Por que é chamado de ‘Hurdy Gurdy’?

Ninguém realmente sabe por que o hurdy gurdy é chamado assim na língua inglesa. Na verdade, o nome inglês deste instrumento musical só foi cunhado durante o século XVIII. Uma especulação é que o hurdy gurdy está relacionado a "hurly burly", que é usado para descrever um tumulto ou tumulto, daí uma possível referência ao ruído feito por este instrumento musical. O hurdy gurdy é conhecido também em francês como um vielle à roue , que pode ser traduzido como um 'violino de roda', sem dúvida um nome que fornece uma descrição melhor do instrumento.

Um jogador gurdy. Músico cego por Georges de la tour, século 17.

Como funciona um Hurdy Gurdy?

Em essência, o hurdy gurdy é um instrumento de cordas, como um violino ou um violão. Ao contrário de tais instrumentos, que produzem som (por meio da ressonância das cordas vibrantes) por ter as cordas friccionadas por um arco ou por serem dedilhadas com o dedo ou uma palheta, o hurdy gurdy produz som por ter suas cordas friccionadas por uma roda rosada. Em um hurdy gurdy moderno, o músico gira a roda do instrumento, por meio de uma alça (a manivela) com uma mão (geralmente a direita), enquanto a outra mão é usada para tocar a melodia nas teclas de uma caixa de chaves.

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Ilustração das partes de um sanfona.

Muitas vezes foi observado que o som produzido por um gurdy de hurdy é semelhante ao de uma gaita de foles. Isso se deve à presença de várias cordas de drone fora da caixa de teclas, que soam a mesma nota continuamente. Uma dessas cordas de drone é sustentada por um chien (cachorro em francês), que é uma pequena ponte móvel. Girando a roda com mais força, o chien pode vibrar ritmicamente, o que produz um acompanhamento vibrante para a melodia.

Origem do Hurdy Gurdy

A origem do hurdy gurdy ainda é uma questão de debate. De acordo com uma especulação, foram os mouros do Norte de África que introduziram este instrumento musical na Europa. Quando os mouros invadiram a Espanha, trouxeram consigo numerosos instrumentos de cordas, e um deles pode ter sido o precursor da gurdy.

A primeira forma de sanfona que é conhecida com certeza é conhecida como um organisto. As representações desse instrumento datam do século XII. O organistrum era uma versão maior do hurdy gurdy e exigia dois músicos para tocá-lo. Era usado principalmente na igreja para música sacra, embora as teclas de madeira também pudessem ser reorganizadas para tocar música secular.

Relevo do século 12 indicando dois jogadores necessários para tocar organistrum. Igreja de Toro, Zamora, Espanha.

No século seguinte, o tamanho do organistrum foi reduzido para que pudesse ser tocado por um músico - e foi assim que surgiu o hurdy gurdy. A ação-chave deste instrumento musical também foi aprimorada. Enquanto a difícil ação chave do organistrum se restringia a tocar melodias lentas e harmonias simples, seu aprimoramento tornou o hurdy gurdy adequado para tocar música de dança. Como resultado disso, o hurdy gurdy passou a ser menos usado para música sacra e mais para música folclórica e popular.

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O pequeno sanfona quase não é visível sob o braço e a capa do jogador nesta pintura do século XVII. Reunião de jogadores com o jogador Hurdy-Gurdy por volta de 1660.

Amor francês pelo Hurdy Gurdy

O hurdy gurdy atingiu seu apogeu durante o reinado de Luís XIV, o rei da França. Antes disso, o hurdy gurdy era considerado o instrumento musical de um camponês. Como o rei era adepto da ideia Arcadiana de felicidade rural, sua corte seguiu seu exemplo e, assim, elevou o status de hurdy gurdy, que servia como acompanhamento musical para as peças pastorais que estavam sendo produzidas naquela época.

O hurdy gurdy também apareceu na corte da corte de Luís XV, embora tenha caído em desgraça durante o reinado de Luís XVI, que não estava inclinado a participar das diversões cortesãs de que seus antecessores desfrutavam. Mesmo sua esposa, Maria Antonieta, embora famosa por seu estilo de vida indulgente, não gostava muito de peças pastorais, resultando no declínio da popularidade do hurdy gurdy. Depois disso, o hurdy gurdy voltou às ruas.

Mulher jovem com um cano de sangria e uma criança com pandeiro, século 18.

No entanto, este instrumento musical continuou a ser popular na França. Por exemplo, quando camponeses do interior da França se mudaram para Paris em busca de emprego, eles trouxeram o sanfona com eles. Este instrumento musical continuou a ser usado até o final do século 19, quando foi substituído primeiro pelo acordeão de botão diatônico e depois pelo acordeão de botão cromático, pois eram mais fáceis de tocar e menos problemáticos de manter.

O moderno ‘Hurdy Gurdy Man’

Mas nas últimas décadas, tem havido um renascimento do interesse pelo hurdy gurdy na Europa, bem como na América do Norte. Talvez a referência mais famosa ao instrumento para as pessoas hoje em dia seja a música ‘Hurdy Gurdy Man’ de Donovan. Embora o instrumento não seja tocado na música, foi o suficiente para despertar algum interesse nela.

Hoje, o hurdy gurdy aparece em todos os tipos de estilos musicais diferentes e há até versões elétricas e eletrônicas disponíveis para músicos modernos.

Elf Fantasy Fair 2010 hurdy gurdy. ( CC BY-SA 2.0 )


Uma breve história do Hurdy Gurdy

O hurdy gurdy, conhecido na França como vielle a roue ou vielle, é um instrumento antigo que está passando por um renascimento moderno na Europa e na América. Primeiro, para dissipar um equívoco popular: o hurdy gurdy não era tocado pelo tocador de órgão ou por seu macaco. Eles usaram uma grande caixa de música operada por uma manivela. O hurdy gurdy de hoje é quase o mesmo que aqueles construídos na Idade Média. Tem de três a seis cordas que vibram por uma roda resinada girada por uma manivela. As notas da melodia são produzidas em uma corda, ou duas afinadas em uníssono, pressionando teclas que param a corda nos intervalos adequados para a escala. As outras cordas tocam uma nota de drone. Alguns instrumentos têm um "cachorro", "trompete" ou "ponte zumbidora". Uma corda passa sobre uma ponte móvel que, por um movimento inteligente da manivela na mão aberta, pode produzir um ritmo áspero para acompanhar a melodia, causando a ponte para martelar na placa de som. O instrumento é segurado no colo por uma alça para mantê-lo estável. A caixa pode ser quadrada, com a parte traseira em alaúde ou plana com uma forma de violão ou violino. Formas de vielle a roue existiam não apenas na França, mas na Alemanha, Itália, Grã-Bretanha, Rússia, Espanha e Hungria.

Um instrumento interessante relacionado é o nyckelharpa sueco, desenvolvido por volta do século XVI. Possui teclas e é tocado com um arco curto. Ele está desfrutando de um renascimento de interesse e novos instrumentos feitos sob medida estão agora disponíveis.

As origens do hurdy gurdy são desconhecidas, mas uma teoria diz que quando os mouros invadiram a Espanha, eles trouxeram com eles muitos instrumentos de cordas e arcos. Não há provas de que a vielle a roue fosse uma delas, mas existe a possibilidade de que algo semelhante tenha chegado à Espanha naquela época e se espalhado pela Europa ao longo dos caminhos dos peregrinos.

AS RAÍZES ANTIGAS DO HURDY GURDY

A forma mais antiga conhecida de vielle a roue era chamada de organistrum e tinha pouca semelhança com a moderna. Era tão grande que uma pessoa girava a manivela e outra tocava as teclas. As teclas de madeira foram dispostas de várias maneiras, dependendo se música secular ou religiosa deveria ser tocada. O organistrum só era capaz de tocar melodias lentas e uma harmonia simples por causa da ação das teclas duras. Seu uso principal era na igreja medieval. A primeira menção do organistro foi em um manual de construção de Odo de Cluny, que foi descoberto no século XII e possivelmente escrito no século X. Existem também outras representações que datam do século XII. Durante o século XIII, o organistrum foi redesenhado para ser tocado por uma pessoa, o que incentivou o uso por músicos cegos e itinerantes. A ação de tecla aprimorada com acompanhamento de drone o tornou ideal para música de dança. Foi adotado pela música popular e folclórica da época, e seu uso na igreja diminuiu. Até o nome organistrum havia morrido no século XIV. Na França, era conhecida como sinfonia até ser abandonada pela música popular no final do século XV. Pode-se supor que, nessa época, o nome mudou para vielle a roue, que ainda hoje é usado. A vielle era usada apenas para música folclórica de camponeses e músicos de rua. Era conhecido em toda a Europa por volta de 1650, mas permaneceu um instrumento camponês pelos cem anos seguintes. Por esta altura, o design foi padronizado para o tamanho e forma familiares hoje.

O RENASCIMENTO DA VIELA A ROUE

Embora a vielle a roue fosse freqüentemente mencionada como um instrumento de mendigos no início do século XVII, ela aparecia ocasionalmente na corte real junto com a musette (gaita de foles), fornecendo música para acompanhar as novas peças pastorais. Gradualmente, as diversões corteses sobre a ideia Arcadiana de felicidade rural ganharam preferência na corte. Pastores e leiteiras foram retratados passando agradáveis ​​horas juntos. Durante o reinado de Luís XIV, de 1660 a 1715, os passatempos Arcadianos aumentaram muito porque o rei gostava deles e toda a sua corte os seguia. As músicas para a vielle a roue e a musette foram escritas por compositores populares como Vivaldi no período barroco e mais tarde por Mozart. Muitos aristocratas tornaram-se artistas talentosos nesses instrumentos.

Em meados do século XVII, escritores como Jean Jacque Rousseau castigaram a corrupção e a moral frouxa na corte. Ele defendeu um retorno à vida rural simples, onde a virtude e a integridade surgiam naturalmente com o trabalho árduo da vida camponesa. Ele também encorajou a exibição de sentimento e emoção para aumentar ainda mais a delicadeza do caráter de cada um. Suas idéias ganharam apoio na corte, mas tornaram-se distorcidas. A vida simples continuou a ser retratada em peças pastorais por pessoas altamente condecoradas, personificando o povo rural, tocando instrumentos tradicionais, mas se comportando como nenhum camponês o faria.

Durante o favorecimento do vielle a roue na corte, os fabricantes de instrumentos de Paris começaram a fazer instrumentos elegantes com incrustações e entalhes sofisticados. O mecanismo foi embutido nos corpos do violão e alaúde, dando ao instrumento um tom melhor. Muitos instrumentos finos foram fabricados durante este período.

Esse renascimento do sanfonado continuou até o fim do reinado de Luís XV em 1778. O rei seguinte, Luís XVI, foi bastante puritano e não participou das diversões da corte. As diversões continuaram com Maria Antonieta, mas seus gostos mudaram para o neoclássico. Ela abandonou seus papéis de leiteira por Safo com sua harpa. O hurdy gurdy não tinha lugar lógico neste tipo de entretenimento, mas não desapareceu totalmente do cenário da corte até a Revolução Francesa. Neste momento, ele simplesmente foi deixado para as ruas onde sempre esteve. O uso do instrumento para mais do que uma ferramenta de mendigos recuou gradualmente para o centro da França nas áreas de Auvergne, Berry e Limousin, onde a tradição permanece até hoje.

Após a Revolução Francesa, por volta do início de 1800, os camponeses começaram a deixar seu local de nascimento e migraram para Paris em busca de trabalho. Eles normalmente se tornaram primeiros portadores de água e, em seguida, portadores de carvão. Muitos montaram frentes de loja em conjunto com o negócio de carvão, onde vendiam vinhos de suas áreas nativas. Por volta de 1850, havia muitos camponeses com saudades de casa em Paris. Eles se reuniam nas lojas de vinho, sentados em bancos e barris de vinho, para beber, dançar e tocar as conhecidas melodias folclóricas na gurdy e cabrette (gaita de foles).

Por volta de 1880, o acordeão diatônico começou a ser adicionado nessas sessões e ganhou popularidade rapidamente porque era mais fácil e menos problemático. A calha de água precisava ser ajustada com cuidado e estava sujeita a constantes problemas de umidade. Originalmente, o acordeão diatônico tocava uma linha melódica simples, mas por volta de 1890, foi desenvolvido um modelo cromático que podia tocar uma melodia rápida com execuções e notas graciosas. A partir de 1850, a gaita de foles era frequentemente tocada sem o drone por causa do conflito com a nova música cromática. O hurdy gurdy não era tão versátil ao tocar essa música, então seu uso diminuiu enquanto o acordeão aumentava em popularidade.

Os pequenos grupos de camponeses com saudades de casa dançando danças tradicionais foram crescendo gradualmente à medida que mais pessoas se interessavam. Em 1910, as danças haviam crescido tanto em Paris que grandes salões foram construídos para acomodar até 400 dançarinos. A instrumentação mudou apenas para acordeão cromático e drones cabrette. Todo um novo estilo de música e dança foi criado pela mudança dos tempos. A polca, a mazurca, a valsa e a museta são algumas das criações da época. A nova dança e música gradualmente voltaram para o centro da França, onde a música tradicional ainda era tocada e o hurdy gurdy ainda era apreciado. Desta vez, o acordeão não deslocou o bojo do sanfonado, mas apenas foi adicionado. O cabrette, o hurdy gurdy e o acordeão ainda tocam música tradicional nesta área.

O termo hurdy gurdy não foi cunhado na Inglaterra até o século XVIII. O instrumento ainda existia como um instrumento de rua em muitos lugares por toda a Europa até por volta do século XX. Durante o século XVIII, uma variação do vielle foi desenvolvida. A Lira Organizzata era uma gurdy com fole e tubos de órgão no interior, operados pela manivela e pelas teclas, respectivamente. Os canos tinham um som estridente muito alto. Esses instrumentos estão sendo feitos hoje e estão tendo um renascimento de interesse.

No início dos anos 1960, a França mostrou um enorme interesse pelas canções folclóricas americanas e por cantores como Bob Dylan e Pete Seeger. Em poucos anos, quando esse material foi digerido, algo novo foi necessário. Músicos franceses notaram como irlandeses e ingleses estavam revivendo suas próprias antigas e belas tradições folclóricas e foram lembrados de suas próprias canções e instrumentos tradicionais. Esse interesse reacendido agora varreu a França e está na moda em Paris.

Existem muitos novos discos de música tradicional e moderna que apresentam o hurdy gurdy. As aulas de vielle a roue, cabrette, gaita de foles, dança e acordeão são muito populares. Quinze anos atrás, era preciso ir à Suíça para tirar um sanfona. Agora, existem mais de 50 fabricantes na França. O instrumento agora está sendo investigado pelos métodos de pesquisa mais recentes. Você pode obter um cordão eletrônico em verde brilhante ou vermelho-maçã doce. Com a adição de captadores eletrônicos e outros dispositivos, o hurdy gurdy está se juntando ao rock and roll, jazz e outras músicas. É cromático há anos, mas os drones precisam ser desligados para tocar música moderna. Agora existem trocadores eletrônicos de drones que podem mudar instantaneamente a tonalidade dos drones, tornando o instrumento muito mais versátil. Existem muitos grupos escrevendo novo material para o hurdy gurdy. A moda atual é sincronizar a ponte vibrante em um ritmo de jazz. Irlanda, Inglaterra, Itália, Espanha e Hungria são alguns dos países onde os músicos estão adaptando o vielle à sua música recém-composta.

Enquanto isso, o hurdy gurdy chegou aos Estados Unidos, sem dúvida nas mãos de franceses viajantes. Diz-se que por volta de 1850, havia algumas gurdys sendo tocadas em Nova Orleans. Há menção de uma em Nova York por volta de 1940. Há uma antiga melodia de dança da Califórnia descoberta em Watsonville, Califórnia, que na verdade é uma melodia francesa chamada La Valso-vienne. Ninguém sabe como ele chegou originalmente da França. Um amigo meu se lembra de um homem vindo para a cidade com seu sargento na época do petróleo em Oklahoma. Qualquer informação sobre o uso do hurdy gurdy nos Estados Unidos que alguém queira compartilhar conosco é bem-vinda.

Muitas belas gurdys, antigas e modernas, podem ser encontradas em Lark In The Morning em Mendocino, Califórnia.

BAINES, ANTHONY, European & American Musical Instruments, The Viking Press, Nova York, 1966

BROCKER, MARIANNE, The Hurdy Gurdy, Archiv Productions, Hanover, Alemanha, 1972

D'ALBERT, ARRIGO, Mendocino, Califórnia

JENKINS, JEAN, instrumentos musicais do século dezoito: França e Grã-Bretanha, Thanet Press, Londres, 1973

LEPPERT, RICHARD D., Arcadia at Versailles, Swets & Zeitlinger B.V., Amsterdam, 1978

MUNROW, DAVID, Instruments of the Middle Ages and Renaissance, Oxford University Press, London, 1976


Jennifer Lucy Allan pergunta o que há para não gostar de um instrumento medieval singular cujo som mais se assemelha a um grupo de drones de heavy metal

Um hurdy-gurdy soa como o Sunn O medieval)) como um desfile vindo para buscá-lo para as eternas lambidas quentes do submundo como uma rajada de espectros como uma horda de trovadores horríveis em cabeças de animais cantando seus pecados como as exalações ofegantes dos aflitos a própria terra geológica. O hurdy-gurdy é "o instrumento Ur-industrial por excelência", escreveu Biba Kopf nas notas de um dos três álbuns do hurdy-gurdy de Keiji Haino. Se você acha que soa um pouco demais, considere que este é um instrumento com mais cordas de zumbido do que cordas de melodia, capaz de criar uma paisagem infernal ensurdecedora nas mãos certas. Em Hieronymus Bosch's Jardim das Delícias Terrenas a trilha sonora para o inferno é um gigante e infernal hurdy-gurdy, acompanhado por um grande alaúde, uma harpa e um homem tocando uma flauta doce com sua bunda.

Eu encontrei o hurdy-gurdy pela primeira vez através de um CD rip de um dos álbuns que Haino fez como 'The 21st Century Hard-Y-Guide-Y Man', seu título bizarro com trocadilho rabiscado em um CD-R com marcador preto. O músico underground japonês fez seu corpo de madeira e suas cordas soarem como metal contra metal, explorando sua capacidade de densidade e ferocidade avassaladoras para rugas de gelar o sangue que estremecem os nervos e para lamentos suaves e tristes.

Um hurdy-gurdy é um instrumento medieval que em sua forma básica lembra vagamente um violino ou alaúde, só que tudo é mais robusto, mais gordo e é tocado de forma diferente dos outros instrumentos de cordas. É segurado no joelho, em vez de sob o queixo, e produz som por uma manivela que gira uma roda rosada que roça nas cordas - cordas de melodia e cordas de zumbido. As teclas podem ser pressionadas para tocar uma melodia, e a roda funciona como um arco de violino. Por causa da roda, a pressão nas cordas é constante, embora quando a manivela é girada vigorosamente, uma ponte zumbidora chamada cachorro, ou trompete, vibra contra o corpo, dando-lhe o som ansioso e cortante ao qual Haino literalmente se inclina.

O indiscutível mestre do hurdy-gurdy no Reino Unido é Stevie Wishart, que toca música tradicional antiga e música experimental contemporânea. Ela diz que o hurdy-gurdy é como "um sintetizador acústico" e diz que foi isso que primeiro chamou sua atenção sobre o instrumento. “Seu som é filtrar as frequências com a velocidade do volante e tocar com a pressão dos dedos diretamente nas cordas como harmônicos de ruído”, explica ela, “bem como as notas musicais normais tocadas com as teclas.

"Tecnicamente, é realmente especial. Desafia nossa categorização padrão, já que não é nem um instrumento de teclado, nem um instrumento de cordas, mas uma mistura de ambos e, para coroar tudo, é único por ser curvado com o aro de uma roda."

Wishart diz que na música folk e tradicional tocar a ponte vibrante é parte de uma técnica controlada - uma parte refinada e às vezes bonita de uma composição. Mas para jogadores contemporâneos e experimentais, é o gume feroz que dá ao hurdy gurdy sua mordida. Essa ponte vibrante também adiciona outra semelhança com a música eletrônica. Wishart diz que, como uma multi-instrumentista com experiência em música eletrônica, ela acha que essa ponte é muito parecida com uma versão acústica embutida de um pedal de distorção Big Muff. Muitos instrumentos medievais e renascentistas costumavam ter esse tipo de complexidade tímbrica embutida em seu som, ela explica "antes que eles tivessem seu ato limpo ao serem incluídos como membros da orquestra".

O horror e o desespero no som de um hurdy-gurdy, a pátina de suas texturas melódicas e seu zumbido sobrenatural significam que o instrumento muitas vezes surgiu, centenas (senão milhares) de anos depois de emergir, no underground japonês, Música industrial britânica, com sintetizadores modulares ou em jams psicodélicos. Assim como os álbuns de Haino, você pode ouvi-lo em Cyclobe, Matmos, nos jams não psicodélicos da nada googlável banda francesa França, entre outros.

É sua manivela que dá ao hurdy-gurdy sua natureza obsessiva - ele não produz um zumbido sólido, mas respira em ritmos misteriosos e tem um sotaque moldado pela pessoa que gira a manivela. Isso também significa que as pesadas canções psicológicas circulares da França (pense nas versões estendidas de Tony Conrad e amp Faust), a música pode continuar por horas - ninguém fica sem sopro tocando um hurdy-gurdy. A agitação implacável e obliterante de uma gravação como a França na Igreja Do Den Haag nunca deve terminar:

O tocador de hurdy-gurdy da França, Yann Gourdon, toca um hurdy-gurdy francês amplificado (um vielle à roue), aproveitando sua energia acústica crua em uma fera muscular de frequência total. A execução de Gourdon começou na música tradicional de Auvergne, no centro da França, onde, historicamente falando, o hurdy-gurdy é particularmente prevalente e agora o aplica a enormes drones:

Donavon, sem dúvida, causou o maior dano ao hurdy-gurdy na canção pop bendy acid que Haino tirou seu título pun-tastic de (que contém pepitas líricas como “Roly poly, roly poly, Holy poly poly, ele cantou ”). A pior parte é, 'Hurdy Gurdy Man' na verdade não tem um hurdy-gurdy nele, seu drone pesado, na verdade, feito por um tambura indiano. Donovon afirma não só que essa sessão foi a faísca que veio acender o Led Zeppelin, mas também foi o momento em que diz, inexplicavelmente, o rock celta foi inventado, apagando de certa forma o papel do drone indiano que dá peso à música.

O hurdy-gurdy é, é justo dizer, um dos instrumentos mais brancos que existe. Ao contrário da maioria dos instrumentos de corda, que são de origem árabe, o hurdy-gurdy é considerado europeu em suas origens. Há evidências de que tem sido usado constantemente na Europa há mil anos e era amplamente conhecido por volta de meados do século XII. Prevaleceu na Europa Central e Oriental - há a lira ucraniana, a ninera eslovaca, a tekerolant húngara, bem como os tipos de hurdy-gurdy na Rússia, Espanha, Itália e Reino Unido. E isso antes de começarmos com variações como o dulci-gurdy (meio dulcimer, meio hurdy-gurdy). Assim como na pintura de Bosch do século 16, há hurdy-gurdies em gravuras de Rembrandt, e em uma ilustração iluminada das Cantigas de Santa Maria - a bíblia da música antiga - onde dois músicos de hurdy-gurdy se enfrentam maliciosamente como se prestes a derrubar a casa para um público desavisado.

Não foi possível escapar da música alegre do tradicional tocador de hurdy-gurdy nas ruas de Londres do século 19, onde podiam ser ouvidos junto com cantores, violinistas, verdadeiros tocadores de órgão mecânicos (com macacos), cantores da Itália, serenatas etíopes, bandas de metais da Alemanha e gaiteiros escoceses. Em 1851, em seu estudo proto-sociológico sobre os pobres e o trabalho em Londres, Henry Mahew calculou que havia mil músicos de rua trabalhando na cidade, com um bom número de músicos de sangria. Um jogador cego encontrado por Mayhew trabalhou nas ruas da cidade por 40 anos. Por causa de seu volume, seus instrumentistas eram um dos alvos (muitas vezes confundidos e agrupados com tocadores de órgão de barril) das reclamações do século 19 sobre músicos de rua, que agitavam os nervos da pequena burguesia com um barulho de tocar persistente, e eram conhecidos para iniciar uma música a qualquer hora. O que o torna tão atraente para músicos experimentais agora - particularmente para aqueles que procuram criar uma rajada de som que possa ser mantida por um longo tempo - é exatamente o que significa que destruiu os nervos da nobreza do século XIX. Canções tradicionais de hurdy-gurdy, como esta em Folkways do músico folk francês Henri Vasson, são criaturas musculosas e desengonçadas em comparação com os representantes musculosos de algo como a França, embora compartilhem uma identidade regional.

Era o estilo balcânico de tocar que empolgava Ossian Brown, metade da dupla experimental inglesa Cyclobe e membro da banda ao vivo de Shirley Collins. Em uma entrevista ao The Quietus, Brown disse que ficou pasmo com o hurdy-gurdy desde o momento em que o ouviu, em uma adaptação da BBC dos anos 1970 de M.R. James's Corações perdidos, "que tem uma cena fantasticamente arrepiante de uma criança fantasma azul estranha brincando de sanfona aos pés da cama de um menino". Era, disse ele, "imensamente assustador", mas convincente de uma forma que despertou sua curiosidade. Posteriormente, ele pesquisou na música barroca antiga e na música folclórica tradicional e provinciana da França. Ele finalmente encontrou “uma Vielle à roue maravilhosa e extremamente bela” feita por Pajot, em meados de 1800 - uma famosa família de fabricantes franceses que construiu instrumentos em Jenzat, França, do final do século 18 até a Segunda Guerra Mundial. Brown disse que se sentia mais fortemente atraído pela música folclórica húngara e ucraniana, tocada principalmente por camponeses, trabalhadores ou músicos de rua ambulantes. “Achei a forma como eles tocavam, com uma abordagem crua e menos ornamental, muito emocionante”, explicou ele. A composição violenta de Brown "The Split Ash Tree" foi um destaque do álbum de retorno de Shirley Collins, Lodestar:

Wishart comparando o som do hurdy-gurdy com sintetizadores e pedais talvez renderiza o emparelhamento de Matmos do instrumento com sintetizadores modulares em A guerra civil álbum menos surpreendente do que era em 2003. Como seu hurdy-gurdy não tinha o 'cachorro', eles o reconstruíram eletronicamente e dobraram os canais esquerdo e direito fora da linha um do outro para a faixa 'Regicide'. Em uma entrevista na época, Daniel descreve essas gurdies divergentes como "como se o chão da sala estivesse inclinado ou a fita estivesse sendo mastigada".

Enquanto a capacidade do hurdy-gurdy de preencher o espaço com seu canto implacável multi-tonal é para alguns o sonho sonoro absoluto, para outros é a matéria de pesadelos. Seu som distinto, feito por essas restrições técnicas, significa que muitas vezes não se encaixa perfeitamente em um grupo, e Wishart apontou que sua construção complexa e técnica de tocar confusa também não se prestam à notação musical. Sua casca áspera e áspera também significa que ele corta qualquer coisa com que brincar - ela diz que ocasionalmente quebra até os alto-falantes do tweeter no estúdio durante a gravação. Quando considerado assim, não é surpresa que músicos experimentais tenham percebido a singularidade do hurdy-gurdy, o que, como diz Wishart, torna seu som "tão antigo quanto é novo".

O hurdy-gurdy pode rastejar, ou pode atacar, e aquele cachorro zumbindo tem dentes. Pode soar mais como uma horda de músicos infernais do que um único instrumento de manivela, mas é aí que reside seu poder. Wishart pensa que por causa dessas várias peculiaridades, o hurdy-gurdy ficou livre para vagar de uma maneira que outros instrumentos não podem. É por conta própria, diz ela, "algo como um nômade cultural e social - um espírito musical livre".


Ethan James, 56, tocou música do heavy metal ao medieval

Ethan James, um membro da banda de heavy metal dos anos 60 Blue Cheer que mudou na década de 1980 para um papel nos bastidores como produtor e engenheiro em dezenas de gravações, morreu. Ele tinha 56 anos.

James morreu em 19 de junho em San Francisco após uma batalha de oito meses contra o câncer de fígado, disse uma amiga de longa data, Lisa Mitchell Silverman. “Muito poucas pessoas sabiam que ele estava doente”, disse ela. “Ele não queria que as pessoas se preocupassem.”

Depois de deixar o Blue Cheer, James se tornou um mentor de confiança de uma geração mais jovem de bandas emergentes de punk, rock alternativo e de raiz antes de mudar de carreira novamente no final dos anos 1980 para se concentrar em tocar e promover a música medieval.

James nasceu Ralph Burns Kellogg em 1946 em Pasadena e mudou-se com sua família em 1957 para Sacramento, onde aprendeu sozinho a tocar piano, guitarra, baixo e bateria. Para seguir uma vida na música, ele se mudou para São Francisco após o colegial e se tornou um membro da banda Mint Tattoo. Mais tarde, ele se juntou à banda pioneira de heavy metal Blue Cheer, logo após o grupo fazer seu maior sucesso, um remake de "Summertime Blues" de Eddie Cochran.

James fez uma turnê e gravou com o Blue Cheer nos anos 70, então decidiu construir um estúdio de gravação próprio em Los Angeles, criando o Radio Tokyo Studio em Veneza. O estúdio de James rapidamente se tornou um ponto de encontro popular para bandas como Bangs (mais tarde, Bangles), Black Flag, Minutemen, Jane’s Addiction e muitos outros.

“Ele estava muito interessado em ouvir bandas diferentes e ver o que as pessoas inventavam, ao invés de tentar moldar algo”, disse Greg Ginn, guitarrista do Black Flag e fundador da SST Records, lar de vários artistas que trabalharam com James, disse recentemente.

Eddie Munoz, dos Plimsouls, disse que James "se destacou em uma cena que precisava de foco".

O ex-baixista do Minutemen Mike Watt disse que James foi a pessoa que gravou e mixou o álbum "Double Nickels on the Dime" do Minutemen.

“Ele mixou todas as 45 músicas em uma noite”, disse Watt, que também trabalhou com James nas bandas pós-Minutemen Firehose and Dos. “Ethan tinha muito respeito pela música dos outros e nunca dominou ou controlou.”

Durante esse período, James assumiu seu novo nome porque, de acordo com Silverman, “ele nunca gostou do nome Ralph e, depois de pesquisá-lo, disse que descobriu que as pessoas mais bem-sucedidas tinham dois primeiros nomes”.

James vendeu o estúdio Radio Tokyo em 1989 para se concentrar em uma nova paixão pelo hurdy-gurdy, um instrumento medieval que soa como uma mistura de violino e gaita de foles. Ele passou grande parte da década de 1990 tocando e gravando música medieval e lançou uma série de álbuns de música hurdy-gurdy.

“Ele se tornou o cara da moda em Los Angeles por um tempo”, disse Ginn. James também executou uma peça de Mozart composta para o instrumento com a San Francisco Mozart Festival Orchestra.

“Ele era realmente dedicado ao instrumento”, disse o multi-instrumentista David Lindley, que tocou com James várias vezes nos últimos anos em concertos em San Francisco. “É um instrumento maravilhoso e perturbador, mas também pode ser muito bonito. Ele poderia fazer qualquer coisa com isso. Isso simplesmente nos surpreendeu com o som que ele tirou daquela coisa. ”

Mais tarde, James pegou o nyckelharpa sueco, um instrumento de cordas múltiplas tocado com um arco, e viajou para a Suécia para estudar mais o instrumento.


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In Extremo começou como dois projetos: uma banda sem nome, puramente medieval, e uma banda de rock. Tornaram-se conhecidos nessa época por freqüentes apresentações em feiras medievais, nas quais apresentavam suas peças acústicas e vendiam CDs com suas interpretações de canções tradicionais. Em 11 de abril de 1995, durante a gravação da temporada daquele ano, Michael Rhein (aliás Das letzte Einhorn, "O Último Unicórnio") encontrou o nome do projeto "In Extremo".

A maioria dos membros da banda se apresenta sob nomes artísticos. Os primeiros membros da banda medieval foram Das letzte Einhorn ("O Último Unicórnio", vocais), Flex der Biegsame ("Flex the Flexible", gaita de foles), Dr. Pymonte (gaita de foles), Conny Fuchs (que deixou a banda antes do lançamento oficial, devido à gravidez, e foi substituída pela Dra. Pymonte) e Sen Pusterbalg (substituída logo após o lançamento oficial por Pfeiffer amarelo, "Yellow Piper", gaita de foles). A banda de rock consistia originalmente em Thomas der Münzer ("Thomas the Coiner", guitarra), Der Morgenstern ("The Morning Star", bateria), e Die Lutter ("The Lutter", baixo). Der Münzer posteriormente deixou a banda e, a partir de 2000 [atualização], o guitarrista da banda é Van Lange ("The Long One"). Como observado abaixo, quase todos os membros da banda tocam vários instrumentos.

O número crescente de visitantes, o sucesso de seus CDs e o interesse popular, bem como a polinização cruzada de grupos como Corvus Corax e Bathory, incentivaram o In Extremo em 1995 a tentar formar uma banda combinando gaita de fole e outros instrumentos tradicionais com rock guitarras. O resultado foi a encarnação atual de In Extremo, um grupo de rock que integra instrumentos modernos como a bateria, o baixo elétrico e o violão com os elementos acústicos anteriormente utilizados nas canções medievais, e que toca tanto os tipos de música quanto um híbrido de os dois. [1]

Em agosto de 1996, eles começaram a trabalhar no primeiro álbum In Extremo, que já continha duas faixas do novo projeto de rock. Como o álbum não tinha nome oficial, ficou conhecido como Ouro por causa da capa dourada. Em fevereiro de 1997, como o single Der Galgen ("The Gallows"), esgotou rapidamente nos mercados medievais.

In Extremo tocou separadamente como banda Medieval e como banda de rock, até o dia 29 de março de 1997, quando fizeram seu primeiro show de rock ao vivo. Desde então, eles indicaram essa data como sua data de estabelecimento. Os dois projetos foram oficialmente fundidos em 11 de janeiro de 1998. Em abril de 1998, ocorreu o primeiro concerto In Extremo de "alta ocupação" no castelo Rabenstein em Brandenburg.

Com o passar dos anos, sua música se tornou mais baseada no heavy metal, ao mesmo tempo em que se tornava cada vez mais bem-sucedida comercialmente. Os instrumentos clássicos, entretanto - gaitas de foles, shawms e alaúdes - ainda desempenham um grande papel. A banda também é conhecida por seus trajes de palco conspícuos e por usar pirotecnia em seus shows, incluindo Der Morgenstern tocando pratos que foram incendiados.

Em 26 de fevereiro de 2010, o In Extremo anunciou que Der Morgenstern deixou a banda por causa de diferenças musicais em sua página inicial. Em 11 de junho, Florian "Specki T.D." Speckardt foi anunciado como seu substituto na bateria. Desde então, eles lançaram três álbuns: Sterneneisen, Kunstraub e Quid Pro Quo, todos alcançando o top 10 nas paradas alemãs, com Sterneneisen e Quid Pro Quo ocupando o primeiro lugar por um tempo. Seu 13º álbum, Kompass zur Sonne, foi programado para ser lançado em maio de 2020, [2] mas foi adiado para 2021 devido à pandemia COVID-19.

Em 30 de julho de 2020, eles tocaram um show online ao vivo para o Wacken World Wide. [3]

Edição de Aparências

A primeira aparição importante da banda foi na primeira parte do videogame de 2001 gótico. Um grupo de músicos viajantes chamado 'In-Extremo' toca sua versão da canção "Herr Mannelig", do álbum Verehrt und Angespien, pela forca do lado de fora do Old Camp Castle no segundo capítulo do jogo.

Com o sucesso, os programas musicais também passaram a dar atenção ao In Extremo. Eles foram convidados para o programa de televisão Viva Interactive, onde deram uma chamada e resposta de quinze minutos e tocaram duas músicas. Eles rejeitaram na época um convite para Top of the Pops jogar Küss Mich ("Kiss Me"), porque era, segundo Das letzte Einhorn, não o ambiente deles. Mesmo assim, eles aceitaram um novo convite para o TotP em 2005 e jogaram Nur Ihr Allein ("Somente você sozinho").

Ao mesmo tempo, seu público cresceu com apresentações ao vivo, de mercados a festivais como o Rock am Ring, o Taubertal Festival e o Nova Rock na Áustria. Sua maior aparição pública, entretanto, teve In Extremo abrindo para a turnê de despedida de Böhse Onkelz em junho de 2005, com cerca de 120.000 espectadores.

Em Extremo participou pela última vez em 9 de fevereiro de 2006, no Concurso da Canção da Bundesvision de Stefan Raab pelo Estado Livre da Turíngia Das letzte Einhorn nasceu em Dingelstädt e cresceu em Leinefelde. Ambas as cidades ficam na Turíngia do Norte. O grupo ocupou a terceira posição com "Liam (alemão)". Antes, eles se apresentaram em 2 de fevereiro no programa de TV TV total.

In Extremo tocou ainda em 2006 no Wacken Open Air, bem como no M'era Luna Festival em Hildesheim. No final de 2006 eles tocaram na estrutura de sua "Turnê de Aniversário de 10 Anos" na Alemanha, Áustria e Suíça.

Edição de sucesso

O primeiro álbum In Extremo que chamou a atenção foi Verehrt und Angespien ("Adorado e Cuspido em"). Alcançou na época um sensacional 11º lugar nas paradas alemãs. O álbum subsequente, Sünder ohne Zügel ("Unbridled Sinners"), ficou com a 10ª colocação.

A banda teve muito sucesso com o álbum "7" que ficou em 3º lugar nas paradas alemãs. O vídeo do single Küss Mich foi freqüentemente mostrado na televisão de música alemã. Os singles alcançaram altas colocações nas paradas.

O oitavo álbum Mein Rasend Herz [4] ("My Racing Heart") alcançou o terceiro lugar nas paradas de álbuns em 2005. [5] Três singles foram publicados a partir deste álbum: Nur Ihr Allein ("Only You Alone") em 17 de maio de 2005, Horizont ("Horizon") em 12 de setembro de 2005, e "Liam (alemão)" em 3 de fevereiro de 2006. Em 10 de fevereiro de 2006, o segundo CD / DVD ao vivo, "Raue Spree", foi publicado, ficando em 4º lugar do alemão gráficos. Além disso, o CD "7" e o DVD "Raue Spree" alcançaram o status de ouro no início de 2007.

O nono álbum Sängerkrieg [6] ("Singers 'War") ficou em primeiro lugar nas paradas de álbuns da Alemanha em 23 de maio de 2008. [7] Na Áustria, atingiu o décimo terceiro lugar e na Suíça, o vigésimo segundo lugar. Na Alemanha, foi o 41º álbum mais vendido do ano em 2008.

Além da guitarra elétrica, baixo e bateria, In Extremo se define por instrumentos não convencionais (para uma banda de rock) principalmente de origem medieval. Eles incluem gurdy-gurdy, gaitas de fole, gaitas Uilleann, shawm, nyckelharpa, harpa, cítara, tromba marina, dulcimer martelado, Klangbaum e vários tipos de tambores e percussão. A gaita de foles é o mais conspícuo desses instrumentos, já que Dr. Pymonte, Yellow Pfeiffer e Flex der Biegsame tocam gaita de fole, às vezes as três ao mesmo tempo. Todos os membros da banda tocam vários instrumentos e freqüentemente alternam instrumentos entre as músicas. Das letzte Einhorn frequentemente toca uma cítrica durante certas músicas, como Ai Vis A Lo Lop.

Suas gaitas de fole foram parcialmente feitas pelo Dr. Pymonte, mas também são parcialmente construídas por um conhecido construtor de tubos. A banda também usa um tambor de moldura feito sob medida coberto com pele de zebra, chamado Das Pferd ("O cavalo"). A maioria dos outros instrumentos acústicos, como seus shawms, são feitos apenas por alguns outros construtores de instrumentos.

Algumas letras não são escritas pela banda, mas algumas - como os instrumentos - de canções tradicionais escritas durante a Idade Média e Renascimento.

Muitas das letras do repertório de canções medievais da banda vêm de escritos religiosos (por exemplo Wessebronner Gebet), Escritos beneditinos (por exemplo Raue See), ou são "trad. arr.", significando canções tradicionais com autores desconhecidos, reorganizados pela banda (por exemplo, Merseburger Zaubersprüche, Tannhuser, Poc Vecem). A banda também usa frequentemente canções da Carmina Burana, uma coleção de canções medievais, bem como letras escritas como poesia pelo poeta francês do século XV François Villon (Rotes Haar, "Cabelo Ruivo" e Erdbeermund, "Strawberry Mouth" traduzido para o alemão por Paul Zech).

A banda também usa poemas de escritores posteriores, como Johann Wolfgang von Goethe (Der Rattenfänger, "The Ratcatcher") e Ludwig Uhland, que escreveu Des Sängers Fluch ("The Singer's Curse") - que o In Extremo mudou para se chamar Spielmannsfluch ("A maldição do menestrel"). Para o álbum Mein Rasend Herz, In Extremo escreveu originalmente a letra da música "Liam" em alemão, após o que foi traduzida para o irlandês por Rea Garvey, que também foi uma cantora convidada na música.


A história do hurdy-gurdy

A origem do hurdy-gurdy permanece obscura. O material fonte não fornece nenhuma prova específica de que o instrumento foi usado no Oriente antes de seu aparecimento na Europa. Durante o período gótico, um grande ancestral do hurdy-gurdy, o organistrum, era usado em claustros e escolas monásticas para ensinar música, executar polifonia religiosa e fornecer entonação correta para o canto congregacional. O nome & quotorganistrum & quot foi provavelmente derivado do latim & quotorganum & quot, significando em seu sentido mais amplo um instrumento no qual várias partes do instrumento & quotorganistrum & quot são adaptadas para uma determinada função e trabalhando juntas de forma análoga ao órgão. Devido ao tamanho do organistro (entre 1,5 e 2 metros de comprimento e formato de violino ou violão), deve ser tocado por dois homens, posicionados horizontalmente no colo. Um homem operava as tangentes enquanto o outro girava a manivela, fazendo as três cordas soarem simultaneamente. Os tons em um organistrum foram definidos de acordo com o temperamento pitagórico. Uma representação antiga de um organistrum pode ser encontrada na catedral de Santiago de Compostela (Espanha, 1168 & ndash1188) em uma escultura sobre o & quotPortico de la Gloria & quot.

O papel mais importante do hurdy-gurdy era sua função na música secular. Durante o início do século XIII, foi completamente transformado em um dispositivo muito menor e portátil conhecido como chifonie (Francês) ou sinfonia (do grego sym-phonos = sons harmoniosos), tocado por um único músico. Numerosas referências literárias da Idade Média mostram que o hurdy-gurdy foi encontrado entre outros instrumentos de cordas, geralmente emparelhados com as variedades dedilhadas. Às vezes, era associado a instrumentos Bourdon, como o vielle (o violino medieval).

A página completa do Saltério de Luttrell ao Salmo 99, com figuras marginais tocando sinos, um órgão portativo, gaita de foles, uma sinfonia e os nakers. British Library London. Anciãos tocando organistro.
Santiago de Compostela, Espanha.

O hurdy-gurdy era freqüentemente usado para acompanhar o chansons de geste com prelúdios e interlúdios instrumentais e, quando apropriado, para dobrar a linha vocal. Embora o hurdy-gurdy tenha encontrado muitos apoiadores na vida secular durante o século XV, há evidências de várias representações de que ele ainda era popular nos círculos religiosos. Um bom exemplo é uma ilustração do manuscrito italiano, chamada de Livro de Horas Sforza 1 Milano, c. 1490) hoje alojado na British Library London (3 para imagens). Uma página com um hino de Alleluya mostra como motivo decorativo um anjo tocando uma coronha oval, semelhante à forma comumente conhecida, com sete ou oito tons (alguns estão escondidos pela mão do anjo & # 39s), dando-lhe um alcance de uma oitava. 2


A forma medieval inicial do hurdy-gurdy era a sinfonia em forma de caixa, aqui uma reconstrução de acordo com os motivos do Saltério de Luttrell.
Um olhar dentro de uma sinfonia. O pegbox interno, dois drones, tangentes ajustáveis, uma ponte conduzindo as cordas e a roda de madeira revestida de resina conectada à manivela externa e a roda de madeira revestida de resina conectada à manivela fora do instrumento são visíveis. As cordas são enroladas em algodão para evitar que o arco circular & mdash a roda & mdash se desgaste através das cordas.

Nouvelle retrowange (Jaques de Cambrai, Trouv & egravere século XIII), tocada em uma sinfonia de Riccardo Delfino, fabricante de hurdy-gurdy (Helmut Gotschy & # 39s site)

O hurdy-gurdy finalmente deixou o ambiente do claustro e tornou-se firmemente estabelecido como um instrumento de menestrel. Sua disseminação foi facilitada por menestréis e trovadores errantes, que encontraram emprego em números cada vez maiores nas prósperas cortes e cidades. Gradualmente, a igreja começou a aceitar sua participação em procissões religiosas e eventos semelhantes. Desse modo, o hurdy-gurdy se insinuou em todos os níveis sociais da sociedade ocidental, desde a nobreza até os simples camponeses das aldeias. Podia-se ouvi-lo tanto como acompanhamento de dance music quanto na orquestra das populares peças de mistério.

A reputação do hurdy-gurdy começou a declinar lentamente à medida que um número cada vez maior de pobres a adotava para ganhar uma vida miserável, embora alguns esperassem aspirar ao status de trovadores que receberam generosa compensação ("carregados de presentes"). No entanto, devido ao número crescente de músicos de hurdy-gurdy e à mudança no gosto musical que exigia maiores capacidades polifônicas do que a hurdy-gurdy podia oferecer, o instrumento caiu em desgraça entre a nobreza e foi relegado às classes sociais mais baixas compostas por camponeses, mendigos e músicos cegos. 3

De liereman (O jogador do hurdy-gurdy)
Nicolaes Maes
c. 1656/58
Museu Dordrechts De liereman (detalhe)
(O tocador de hurdy-gurdy, detalhe)
Nicolaes Maes

Como resultado de seu declínio em prestígio, o hurdy-gurdy foi marcado com nomes como o alemão Bauernleier (lira camponesa) ou Bettlerleier (lira de mendigo). Enquanto Michael Praetorius em seu Syntagma Musicum (1619) chamou-o de Bawren vnnd vmblauffenden Weiber Leyre (& cota lira para camponeses e mulheres errantes & quot), Marin Mersenne em seu Harmonie universelle (1636) o chama especificamente de instrumento do mendigo cego & quot, tocado apenas pelos pobres, e particularmente pelos cegos que ganham a vida com o instrumento. & Quot 4

A perda da respeitabilidade do hurdy-gurdy é evidente em quase todas as pinturas da época que mostram um tocador de hurdy-gurdy. Um decreto de 1651 já instruía o oficial de ordem pública a garantir que os músicos viajantes tivessem as devidas licenças: & quotOs hurdygurdyistas, tanto homens quanto mulheres, devem ser retirados completamente para que não precisemos mais ver suas conversas e gestos vulgares e desordenados que os viajantes músicos se deliciam em cultivar junto com outras impertinências. & quot As pinturas de Brueghel e Bosch também refletem o valor simbólico negativo imputado ao hurdy-gurdy ao enfatizar uma suposta conexão entre a cegueira física e moral (ver também abaixo: Kahren Jones Hellerstedt).

Um jogador Hurdy-gurdy cercado por crianças da aldeia(detalhe)
David Vinckboons
1606
Óleo no painel, 43,2 x 73,6 cm.
Coleção privada

Os hurdy-gurdies representados nas pinturas holandesas / flamengas do século XVII geralmente se referem à forma renascentista como aparece em Michael Praetorius & # 39 Syntagma Musicum (Leipzig 1619). Eram instrumentos universalmente tocáveis, adaptados para a música de dança renascentista e do início do barroco e para o acompanhamento de baladas.

No final do século XVII, o hurdy-gurdy renasceu na corte francesa, pois parecia evocar a nostalgia do passado rústico. Durante o reinado de Luís XIV, o ideal arcadiano da tranquilidade de uma vida no campo de acordo com a natureza ganhou grande popularidade na corte. O rei entregou-se frivolamente a todo tipo de passatempo rural, e toda a corte o seguiu. Por volta de 1720, o grande luthier de Versalhes, Henri B & acircton, desenvolveu os formatos clássicos de alaúde e violão usados ​​para gurdies até os dias atuais. Ele também melhorou seu som áspero e áspero, tornando-o mais adequado para música de câmara. Seu filho Charles escreveu inúmeras suítes e sonatas para um ou dois hurdy-gurdies com e sem continuo, bem como concertos de câmara para o hurdy-gurdy junto com outros instrumentos. Outros construtores como Pierre e Jean Louvet (meados do século XVIII) ou Jean-Nicolas Lambert buscaram aprimorar as capacidades do instrumento. Seus instrumentos possuem uma beleza notável, incrustados com pérolas e encimados por uma cabeça entalhada na extremidade da caixa de pinos.

Um hurdy-gurdy em formato de violão barroco baseado nos designs desenvolvidos por Henry B & acircton. Tem um som mais silencioso e distintamente doce e a decoração mostra a tradicional cabeça de pino entalhada e bordas embutidas.

Um alaúde em forma de alaúde. O grande corpo dá aos drones uma grande base. A concha curva dá a melodia e a & # 39trombeta & # 39 dá o poder de transporte necessário.

Durante o século XVIII, o hurdy-gurdy compartilhava seu repertório com a gaita de foles pequena, a musette ou & quotmusette de cour & quot (ver The Bagpipe). No entanto, como os abrangentes dos dois instrumentos eram diferentes, seus repertórios, embora sobrepostos, não eram intercambiáveis. Além disso, enquanto o hurdy-gurdy permaneceu em grande parte um instrumento amador, a musette ganhou um lugar permanente na orquestra de ópera, especialmente para as peças pastorais populares da época. Numerosos compositores, como Joseph Bodin de Boismortier, ou o já mencionado Charles B & acircton, e até mesmo Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Vivaldi escreveram música para o hurdy-gurdy.

Em 1760, o hurdy-gurdy começou a declinar como instrumento de salão, mas continuou a ser usado para tocar arranjos de melodias populares, especialmente por músicos de rua. A tradição dos Savoyards, 5 que fugiram da pobreza de sua terra natal para ganhar a vida nas ruas tocando sanfona, forneceu histórias para muitas obras musicais no palco. No século XIX, o hurdy-gurdy foi encontrado em todo o centro da França e em partes da Bretanha, norte da França e Bélgica. Era freqüentemente tocada com gaita de foles em danças públicas e em casamentos onde o repertório consistia em valsas, mazurcas, bransles e bourr & eacutees.

No século XX, o hurdy-gurdy começou a morrer, mas com o renascimento das tradições folclóricas na década de 1960, ele ressurgiu e levou à fundação de festivais (principalmente em Saint Chartier, Indre d'eucutepartment, centro da França) e até mesmo um hurdy -museu gurdy em Montlu & ccedilon (Auvergne, França) que possui uma das maiores coleções do gênero, agora servindo como centro de estudos. Hoje, o hurdy-gurdy é ocasionalmente empregado por músicos de rock e jazz.


Conteúdo

Donovan nasceu em 10 de maio de 1946, em Maryhill, Glasgow, [6] [7] filho de Donald e Winifred (nascida Phillips) Leitch. Suas avós eram irlandesas. [8] [9] Ele contraiu poliomielite quando criança. A doença e o tratamento o deixaram mancando. [10] Sua família mudou-se para a nova cidade de Hatfield, Hertfordshire, Inglaterra. Influenciado pelo amor de sua família pela música folk, ele começou a tocar violão aos 14 anos. Ele se matriculou na escola de arte, mas logo desistiu, para viver suas aspirações beatniks indo para a estrada. [11]

1964–65: Rise to fame Edit

Voltando a Hatfield, Donovan passou vários meses tocando em clubes locais, absorvendo a cena folk em torno de sua casa em St Albans, aprendendo a técnica de guitarra cruzada com músicos locais como Mac MacLeod e Mick Softley e escrevendo suas primeiras canções. Em 1964, ele viajou para Manchester com Gypsy Dave, depois passou o verão em Torquay, Devon. Em Torquay, ele ficou com Mac MacLeod e começou a cantar, estudar guitarra e aprender folk tradicional e blues. [12] [13]

No final de 1964, Donovan recebeu uma oferta de contrato de gerenciamento e publicação de Peter Eden e Geoff Stephens da Pye Records em Londres, para o qual gravou uma fita demo de 10 faixas (posteriormente lançada no iTunes), que incluía o original de seu primeiro single, "Catch the Wind" e "Josie". A primeira música revelou a influência de Woody Guthrie e Ramblin 'Jack Elliott, que também influenciou Bob Dylan. As comparações de Dylan se seguiram por algum tempo. [14] Em uma entrevista à rádio KFOK nos Estados Unidos em 14 de junho de 2005, MacLeod disse: "A imprensa gostava de chamar Donovan de clone de Dylan, pois ambos foram influenciados pelas mesmas fontes: Ramblin 'Jack Elliott, Jesse Fuller, Woody Guthrie e muitos mais. " [ citação necessária ]

Enquanto gravava a demo, Donovan fez amizade com Brian Jones, dos Rolling Stones, que estava gravando nas proximidades. Ele conheceu recentemente a ex-namorada de Jones, Linda Lawrence, que é a mãe do filho de Jones, Julian Brian (Jones) Leitch. [15] O relacionamento romântico intermitente que se desenvolveu ao longo de cinco anos foi uma força na carreira de Donovan. Ela influenciou a música de Donovan, mas se recusou a se casar com ele e se mudou para os Estados Unidos por vários anos no final dos anos 1960. Eles se conheceram por acaso em 1970 e se casaram logo depois. Donovan teve outros relacionamentos - um dos quais resultou no nascimento de seus primeiros dois filhos, Donovan Leitch e Ione Skye, os quais se tornaram atores.

Donovan e Dylan Editam

Durante a viagem de Bob Dylan ao Reino Unido na primavera de 1965, a imprensa musical britânica estava fazendo comparações dos dois cantores e compositores que apresentavam como uma rivalidade. Isso levou o guitarrista dos Rolling Stones, Brian Jones, a dizer:

Temos assistido Donovan também. Ele não é um cantor tão ruim, mas suas coisas soam como as de Dylan. Seu 'Catch The Wind' soa como 'Chimes of Freedom'. Ele tem uma música, 'Hey Tangerine Eyes' e soa como 'Mr. Tambourine Man '. [16]

Donovan é a tendência no filme de D. A. Pennebaker Não olhe para trás documentando a turnê de Dylan. Perto do início do filme, Dylan abre um jornal e exclama: "Donovan? Quem é este Donovan?" e seus associados estimulam a rivalidade dizendo a Dylan que Donovan é um guitarrista melhor, mas que ele estava por aí há apenas três meses. Ao longo do filme, o nome de Donovan é visto ao lado do de Dylan nas manchetes dos jornais e em cartazes ao fundo, e Dylan e seus amigos se referem a ele consistentemente.

Donovan finalmente aparece na segunda metade do filme, junto com Derroll Adams, na suíte de Dylan no Savoy Hotel, apesar da administração de Donovan se recusar a permitir que jornalistas estivessem presentes, dizendo que eles não queriam "nenhuma manobra nas falas do discípulo que conheceu o messias". [17] De acordo com Pennebaker, Dylan disse a ele para não filmar o encontro, e Donovan tocou uma música que soava como "Mr. Tambourine Man", mas com palavras diferentes. Quando confrontado com a idéia de elevar sua melodia, Donovan disse que pensava que era uma velha canção folclórica. [18] Assim que a câmera rodou, Donovan tocou sua música, "To Sing For You", e então pediu a Dylan para tocar "Baby Blue". Dylan mais tarde disse Melody Maker: "Ele tocou algumas músicas para mim... Eu gosto dele... Ele é um cara legal." Melody Maker notou que Dylan mencionou Donovan em sua canção "Talking World War Three Blues" e que a multidão zombou, ao que Dylan respondeu nos bastidores: "Eu não tive a intenção de rebaixar o cara nas minhas músicas. Eu apenas fiz isso por uma piada, só isso. "

Em uma entrevista para a BBC em 2001 para marcar o 60º aniversário de Dylan, Donovan reconheceu Dylan como uma influência no início de sua carreira, enquanto se distanciava das alegações de "clone de Dylan":

Quem realmente nos ensinou a tocar e aprender todas as canções tradicionais foi Martin Carthy - que aliás foi contatado por Dylan quando Bob veio pela primeira vez ao Reino Unido. Bob foi influenciado, como todos os artistas folk americanos, pela música celta da Irlanda, Escócia e Inglaterra.Mas, em 1962, nós, britânicos do folk, também estávamos sendo influenciados por alguns folk blues e pelos expoentes do folk americano de nossa herança celta. Dylan apareceu depois que Woody [Guthrie], Pete [Seeger] e Joanie [Baez] conquistaram nossos corações e ele parecia um caubói no início, mas eu sabia onde ele arranjava suas coisas - era Woody primeiro, depois Jack Kerouac e a poesia do fluxo de consciência que o moveu. Mas quando ouvi 'Blowin' in the Wind 'foi o toque de clarim para a nova geração - e nós, artistas, fomos encorajados a sermos corajosos ao escrever nossos pensamentos musicais. Não fomos capturados por sua influência, fomos encorajados a imitá-lo - e lembre-se de que todas as bandas britânicas, dos Stones aos Beatles, estavam copiando nota por nota, lick por lick, todos os artistas americanos de pop e blues - é assim que jovens artistas aprender. Não há vergonha em imitar um ou dois heróis - isso flexiona os músculos criativos e tonifica a qualidade de nossa composição e técnica. Não foi apenas Dylan que nos influenciou - para mim, ele foi uma ponta de lança no protesto, e todos nós tentamos seu estilo. Eu soei como ele por cinco minutos - outros fizeram carreira com seu som. Como trovadores, Bob e eu podemos escrever sobre qualquer faceta da condição humana. Ser comparado era natural, mas não sou copista. [19]

Colaboração com Mickie Most Edit

No final de 1965, Donovan se separou de seu empresário original e assinou com Ashley Kozak, que trabalhava para a NEMS Enterprises de Brian Epstein. Kozak apresentou Donovan ao empresário americano Allen Klein (mais tarde empresário dos Rolling Stones e nos últimos meses, dos Beatles). [20] Klein, por sua vez, apresentou Donovan ao produtor Mickie Most, [21] que teve produções no topo das paradas com Animals, Lulu e Herman's Hermits. A maioria produziu todas as gravações de Donovan durante este período, embora Donovan tenha dito em sua autobiografia que algumas gravações foram produzidas por ele mesmo, com pouca contribuição da Most. Sua colaboração produziu singles e álbuns de sucesso, gravados com músicos de Londres, incluindo Big Jim Sullivan, [22] Jack Bruce, [23] Danny Thompson, [24] e futuros membros do Led Zeppelin John Paul Jones e Jimmy Page. [25]

Muitas das gravações de Donovan no final dos anos 1960 apresentavam músicos, incluindo seu principal colaborador musical John Cameron no piano, Danny Thompson (do Pentangle) ou Spike Heatley no contrabaixo, Tony Carr na bateria e congas e Harold McNair no saxofone e flauta. O estilo conga de Carr e a forma de tocar flauta de McNair são uma característica de muitas gravações. Cameron, McNair e Carr também acompanharam Donovan em várias turnês de concertos e podem ser ouvidos em seu álbum ao vivo de 1968 Donovan em concerto.

Sunshine Superman Editar

Em 1966, Donovan havia se livrado das influências Dylan / Guthrie e se tornado um dos primeiros músicos pop britânicos a adotar o flower power. Ele mergulhou no jazz, blues, música oriental e na nova geração de bandas da costa oeste dos Estados Unidos da era da contracultura, como Jefferson Airplane e Grateful Dead. Ele estava entrando em sua fase mais criativa como compositor e artista de gravações, trabalhando com Mickie Most e com o arranjador, músico e fã de jazz John Cameron. Sua primeira colaboração foi "Sunshine Superman", um dos primeiros discos pop psicodélico. [21]

A ascensão de Donovan parou em dezembro de 1965, quando Painel publicitário deu a notícia do acordo de produção iminente entre Klein, Most e Donovan, e então relatou que Donovan assinaria com a Epic Records nos Estados Unidos. Apesar das negativas de Kozak, a Pye Records abandonou o single e uma disputa de contrato se seguiu, porque Pye tinha um acordo de licenciamento nos Estados Unidos com a Warner Bros. Records. Como resultado, o lançamento do Reino Unido do Sunshine Superman LP foi adiado por meses, roubando o impacto que teria. Outro resultado foi que as versões do Reino Unido e dos EUA deste e dos álbuns posteriores diferiram - três de seus LPs épicos não foram lançados no Reino Unido, e Sunshine Superman foi emitido de forma diferente em cada país. Várias faixas de seus LPs Epic (EUA) do final dos anos 1960 não foram lançadas no Reino Unido por muitos anos. A disputa legal continuou no início de 1966. Durante o hiato, Donovan passou férias na Grécia, onde escreveu "Writer in the Sun", [26] inspirado por rumores de que sua carreira musical havia acabado. Ele fez uma turnê pelos Estados Unidos e apareceu no episódio 23 do programa de televisão de Pete Seeger Rainbow Quest em 1966 com Shawn Phillips e Rev. Gary Davis. Após seu retorno a Londres, ele desenvolveu sua amizade com Paul McCartney e contribuiu com a linha "céu de azul e mar de verde" para "Submarino Amarelo". [27]

Na primavera de 1966, os problemas do contrato americano foram resolvidos e Donovan assinou um contrato de US $ 100.000 com a Epic Records. Donovan e Most foram para o CBS Studios em Los Angeles, onde gravaram faixas para um LP, muito composto durante o ano anterior. Embora os elementos folk fossem proeminentes, o álbum mostrou uma influência crescente do jazz, da psicodelia da costa oeste americana e do folk rock - especialmente dos Byrds. As sessões do LP foram concluídas em maio, e "Sunshine Superman" foi lançado nos Estados Unidos como single em junho. Foi um sucesso, vendendo 800.000 em seis semanas e alcançando o primeiro lugar. Vendeu mais de um milhão e ganhou um disco de ouro. [28] O LP foi lançado em agosto, precedido por pedidos de 250.000 cópias, alcançou a 11ª posição na parada de álbuns dos EUA e vendeu mais de meio milhão. [28]

A versão dos EUA do Sunshine Superman álbum é em arranjos de folk-jazz em estilo de câmara e apresenta instrumentos como baixo acústico, cítara, saxofone, tablas e congas, cravo, cordas e oboé. Os destaques incluem o swing "The Fat Angel", que o livro de Donovan confirma ter sido escrito para Cass Elliot do Mamas & amp the Papas. A canção é notável por nomear o Jefferson Airplane antes de se tornarem conhecidos internacionalmente e antes de Grace Slick ingressar. Outras faixas incluem "Bert's Blues" (uma homenagem a Bert Jansch), "Guinevere" e "Legend of a Girl Child Linda", uma faixa com voz, violão e uma pequena orquestra por mais de seis minutos. [29]

O álbum também traz a cítara, tocada pelo cantor folk-rock americano Shawn Phillips. Donovan conheceu Phillips em Londres em 1965, e ele se tornou um amigo e um dos primeiros colaboradores, tocando violão e cítara em gravações, incluindo Sunshine Superman além de acompanhar Donovan em shows e no programa de TV de Pete Seeger. Criativamente, Phillips atuou como um parceiro silencioso na gestação de muitas das canções de Donovan da época, com o cantor mais tarde reconhecendo que Phillips compôs principalmente "Season of the Witch". [30] Várias músicas, incluindo a faixa-título, tinham um toque mais pesado. A condução jazzística "The Trip", que leva o nome de um nome de clube de Los Angeles, narra uma viagem de LSD durante seu tempo em L.A. A terceira música "pesada" foi "Season of the Witch". [ citação necessária ] Gravado com músicos americanos e britânicos, apresenta a primeira performance gravada de Donovan na guitarra elétrica. A canção foi gravada por Julie Driscoll, Brian Auger e o Trinity em seu primeiro LP em 1967, e Al Kooper e Stephen Stills gravaram uma versão de 11 minutos no álbum de 1968, Super Sessão. A versão de Donovan também está na sequência final do filme de Gus Van Sant, Para morrer. [ citação necessária ]

Por causa de problemas contratuais anteriores, a versão do Reino Unido de Sunshine Superman LP não foi lançado por outros nove meses. Esta foi uma compilação de faixas de álbuns dos EUA Sunshine Superman e Amarelo suave. Donovan não escolheu as faixas. [ citação necessária ]

Edição amarela suave

Em 24 de outubro de 1966, a Epic lançou o single "Mellow Yellow", arranjado por John Paul Jones e supostamente apresentando Paul McCartney nos vocais de apoio, mas não no refrão. [21] Em sua autobiografia, Donovan explicou que "banana elétrica" ​​era uma referência a um "vibrador de cor amarela". [31] A canção se tornou a assinatura de Donovan nos Estados Unidos e alcançou o segundo lugar na Billboard Hot 100, o terceiro na parada Cash Box, e ganhou um disco de ouro por vendas de mais de um milhão nos Estados Unidos. [28]

Durante a primeira metade de 1967, Donovan trabalhou em um projeto de estúdio de álbum duplo, que ele produziu. Em janeiro deu um concerto no Royal Albert Hall acompanhado por uma bailarina que dançou durante uma apresentação de 12 minutos de "Golden Apples". Em 14 de janeiro, o New Musical Express relatou que escreveria uma música incidental para uma produção do National Theatre de Como você gosta, mas isso não se concretizou. Sua versão de "Under the Greenwood Tree" apareceu em "A Gift from a Flower to a Garden".

Em março, a Epic lançou o Amarelo suave LP (não lançado no Reino Unido), que alcançou a 14ª posição nas paradas de álbuns dos EUA, mais um single não-álbum, "Epistle to Dippy", um hit Top 20 nos EUA. Escrita como uma carta aberta a um amigo da escola, a música tinha uma mensagem pacifista e também imagens psicodélicas. O verdadeiro "Dippy" estava no Exército Britânico na Malásia. De acordo com Brian Hogg, que escreveu as notas do encarte do box Donovan Trovador, Dippy ouviu a música, contatou Donovan e deixou o exército. Em 9 de fevereiro de 1967, Donovan estava entre os convidados pelos Beatles para o Abbey Road Studios para o overdub orquestral de "A Day in the Life", o final de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. [32]

Edição de detenção

Em meados de 1966, Donovan se tornou a primeira estrela pop britânica de alto nível a ser presa por posse de maconha. [10] O uso de drogas de Donovan era principalmente restrito à cannabis, com uso ocasional de LSD e mescalina. [ citação necessária ] Acredita-se que seu uso de LSD seja referenciado indiretamente em algumas de suas letras. [10] A atenção pública foi atraída para seu uso de maconha por um documentário de TV Um menino chamado Donovan no início de 1966, que mostrava o cantor e amigos fumando maconha em uma festa organizada pela equipe de filmagem. A prisão de Donovan foi a primeira de uma longa série envolvendo os Beatles e os Rolling Stones. No início de 1967, Donovan foi objeto de uma denúncia no Notícias do mundo. [33]

Segundo Donovan, o artigo foi baseado em uma entrevista com uma ex-namorada de seu amigo Gypsy Dave. O artigo foi o primeiro de uma série de três partes, Drogas e estrelas pop - fatos que irão chocar. Foi rapidamente mostrado que algumas alegações eram falsas. UMA Notícias do mundo O repórter afirmou ter passado uma noite com Mick Jagger, que supostamente discutiu seu uso de drogas e ofereceu drogas a companheiros. Ele confundiu Brian Jones com Jagger, e Jagger processou o jornal por difamação. Entre outras supostas revelações estavam as alegações de que Donovan e estrelas, incluindo membros do Who, Cream, Rolling Stones e Moody Blues, fumavam maconha regularmente, usavam outras drogas e davam festas onde o alucinógeno LSD recentemente banido era usado, nomeando especificamente o Who's Pete Townshend e Cream's Ginger Baker.

Descobriu-se mais tarde que o Notícias do mundo repórteres passavam informações à polícia. No final da década de 1990, O guardião disse Notícias do mundo repórteres alertaram a polícia sobre a festa na casa de Keith Richards, que foi invadida em 12 de fevereiro de 1967. Embora a de Donovan não tenha sido tão sensacional quanto as prisões posteriores de Jagger e Richards, ele foi impedido de entrar nos Estados Unidos até o final de 1967. Ele não pôde aparecer no Monterey International Pop Festival em junho daquele ano. [34]

1967–69: Sucesso internacional Editar

Em julho de 1967, a Epic lançou "There Is a Mountain", que perdeu o top ten dos Estados Unidos e mais tarde foi usada como base para "Mountain Jam" da Allman Brothers Band. Em setembro, Donovan fez uma turnê pelos Estados Unidos, apoiado por um grupo de jazz e acompanhado por seu pai, que apresentou o show. Mais tarde naquele mês, a Epic lançou o quinto álbum de Donovan, um conjunto intitulado, Um presente de uma flor para um jardim, o primeiro box de rock e apenas o terceiro álbum duplo de pop-rock lançado. Foi dividido em duas metades. A primeira, "Wear Your Love Like Heaven", era para pessoas de sua geração que um dia seriam pais; a segunda, "For Little Ones", eram canções que Donovan havia escrito para as gerações vindouras. Preocupado que pudesse ser um vendedor fraco, o chefe da Epic Clive Davis também insistiu que os álbuns fossem divididos e vendidos separadamente nos Estados Unidos (a capa do álbum "Wear Your Love Like Heaven" foi fotografada no Castelo de Bodiam), mas seus temores eram infundados - embora levou tempo, a caixa original vendeu de forma constante, chegando ao ponto máximo em 19 na parada de álbuns dos EUA e alcançando o status de disco de ouro nos EUA no início de 1970.

Os tons psicodélicos e místicos eram inconfundíveis - a capa mostrava uma fotografia em infravermelho de Karl Ferris mostrando Donovan em um manto segurando flores e penas de pavão, enquanto a foto de trás o mostrava de mãos dadas com o guru indiano Maharishi Mahesh Yogi. O encarte incluía um apelo aos jovens para abandonarem as drogas. Sua recusa às drogas veio depois de seu tempo com o Maharishi em Rishikesh, um tópico discutido em uma entrevista em duas partes para as duas primeiras edições da Pedra rolando. [35]

No final de 1967, Donovan contribuiu com duas canções para o filme de Ken Loach Pobre vaca. "Be Not Too Hard" foi um cenário musical do poema de Christopher Logue Canção de setembro, e mais tarde foi gravado por artistas como Joan Baez e Shusha Guppy. A faixa-título, originalmente intitulada "Poor Love", era o lado B de seu próximo single, "Jennifer Juniper", que foi inspirado por Jenny Boyd, irmã da esposa de George Harrison, Pattie Boyd e foi outro hit top 40 nos Estados Unidos . Donovan desenvolveu interesse pelo misticismo oriental e afirma ter interessado os Beatles na meditação transcendental. [ citação necessária ]

No início de 1968, ele fez parte do grupo que viajou para o ashram de Maharishi Mahesh Yogi em Rishikesh. A visita ganhou atenção mundial graças à presença de todos os quatro Beatles, bem como do vocalista principal dos Beach Boys, Mike Love, bem como da atriz Mia Farrow e sua irmã Prudence (que inspirou Lennon a escrever "Dear Prudence"). De acordo com uma entrevista de 1968 de Paul McCartney com a Radio Luxembourg, [36] foi nessa época que Donovan ensinou a Lennon e McCartney estilos de guitarra dedilhados, incluindo o clawhammer, que ele aprendera com Mac MacLeod. Lennon usou essa técnica em canções como "Dear Prudence", "Julia", "Happiness is a Warm Gun" e "Look at Me", e McCartney com "Blackbird" e "Mother Nature's Son". [37] O próximo single de Donovan, em maio de 1968, foi o psicodélico "Hurdy Gurdy Man". O encarte das reedições da EMI dizem que a música foi destinada a Mac MacLeod, que tinha uma banda de rock pesado chamada Hurdy Gurdy. Depois de ouvir a versão de MacLeod, Donovan considerou dá-la a Jimi Hendrix, mas quando Most a ouviu, convenceu Donovan a gravá-la ele mesmo. Donovan tentou fazer Hendrix tocar, mas ele estava em turnê. Jimmy Page tocou guitarra elétrica em algumas sessões de estúdio e é creditado por ter tocado na música. [38] [39] Alternativamente, é creditado a Alan Parker. [ citação necessária ]

Donovan credita Page e "Allen Hollsworth" (um erro ortográfico de Allan Holdsworth) como os "magos da guitarra" para a música, dizendo que eles criaram "um novo tipo de folk metal". [40]

Já que John Bonham e John Paul Jones também jogaram, Donovan disse que talvez a sessão tenha inspirado a formação do Led Zeppelin. [40] O som mais pesado de "Hurdy Gurdy Man" foi uma tentativa da Most e Donovan de atingir um público mais amplo nos Estados Unidos, onde grupos de hard rock como Cream e Jimi Hendrix Experience estavam tendo um impacto. A música se tornou um dos maiores sucessos de Donovan, chegando ao Top 5 no Reino Unido e nos Estados Unidos e no Top 10 na Austrália. [ citação necessária ]

Em julho de 1968, a Epic lançou Donovan em concerto, a gravação de seu concerto em Anaheim em setembro de 1967. A capa trazia apenas uma pintura de Fleur Cowles (sem o nome do artista nem o título). O álbum continha dois de seus grandes sucessos e canções que seriam novas para o público. O CD duplo expandido de 2006 continha "Epístola a Derroll", um tributo a uma de suas influências formativas, Derroll Adams. O álbum também inclui arranjos de grupo estendidos de "Young Girl Blues" e "The Pebble and the Man", uma canção mais tarde reformulada e renomeada como "Happiness Runs". No verão de 1968, Donovan trabalhou em um segundo LP de canções infantis, lançado em 1971 como o álbum duplo, HMS Donovan. Em setembro, a Epic lançou um single, "Laléna", uma balada acústica moderada que atingiu a casa dos 30 anos nos Estados Unidos. O álbum O homem Hurdy Gurdy seguido (não lançado no Reino Unido), continuando o estilo do Amarelo suave LP e chegou a 20 nos EUA, apesar de conter dois sucessos anteriores, a faixa-título e "Jennifer Juniper". [ citação necessária ]

Depois de outra turnê pelos Estados Unidos no outono, ele colaborou com Paul McCartney, que estava produzindo Cartão postal, o LP de estreia da cantora galesa Mary Hopkin. Hopkin fez um cover de três canções de Donovan: "Lord Of The Reedy River", "Happiness Runs" e "Voyage of the Moon". McCartney retribuiu o favor tocando pandeiro e cantando backing vocals no próximo single de Donovan, "Atlantis", que foi lançado no Reino Unido (com "I Love My Shirt" como lado B) no final de novembro e atingiu 23. [2]

No início de 1969, o filme de comédia Se for terça-feira, deve ser a Bélgica com música de Donovan, a música título foi escrita por ele e cantada por J. P. Rags, e ele também interpretou "Lord of the Reedy River" no filme como cantor em um albergue da juventude. Em 20 de janeiro, a Epic lançou o single "To Susan on the West Coast Waiting", com "Atlantis" como lado B. The A-side, uma canção gentil no estilo calipso, continha outra mensagem anti-guerra e se tornou um moderado hit Top 40 dos EUA. No entanto, quando DJs na América e na Austrália mudaram de ideia e começaram a tocar "Atlantis", isso se tornou um hit. A gentil "Atlantis" formou o pano de fundo para uma cena violenta no filme de Martin Scorsese GoodFellas. "Atlantis" foi revivido em 2000 para um episódio de Futurama intitulado "The Deep South" (2ACV12), que foi ao ar em 16 de abril daquele ano. Para este episódio, Donovan gravou uma versão satírica da canção que descreve a Cidade Perdida de Atlanta que aparece no episódio. [ citação necessária ]

Em março de 1969 (muito cedo para incluir "Atlantis"), Epic e Pye lançaram Os maiores sucessos de Donovan, que incluiu quatro singles anteriores - "Epistle To Dippy", "There is a Mountain", "Jennifer Juniper" e "Laléna", bem como versões regravadas de "Colors" e "Catch The Wind" (que não estavam disponíveis para Épico por causa dos problemas contratuais de Donovan) e versões estéreo de "Sunshine Superman" (versão completa não publicada anteriormente) e "Season of the Witch".Tornou-se o álbum de maior sucesso de sua carreira, alcançou 4 nos Estados Unidos, tornou-se um disco de ouro vendido por um milhão e permaneceu na parada de álbuns da Billboard por mais de um ano. Em 26 de junho de 1969, a faixa "Barabajagal (Love Is Hot)" (gravada em maio de 1969), que lhe rendeu seguidores na cena rave décadas depois, foi lançada, chegando a 12 no Reino Unido, mas com menos sucesso nos Estados Unidos. Desta vez, ele foi apoiado pelo Jeff Beck Group original, com Beck na guitarra solo, Ronnie Wood no baixo, Nicky Hopkins no piano e Micky Waller na bateria. O grupo de Beck estava sob contrato com a Most e foi idéia de Most juntá-los a Donovan para trazer um som mais pesado ao trabalho de Donovan, enquanto introduzia um toque lírico no de Beck. [ citação necessária ]

Em 7 de julho de 1969, Donovan se apresentou no primeiro show da segunda temporada de shows de rock gratuito em Hyde Park, Londres, que também contou com Blind Faith, Richie Havens, a Edgar Broughton Band e a Third Ear Band. Em setembro de 1969, o álbum "Barabajagal" chegou a 23 nos Estados Unidos. Apenas o recente single "Barabajagal" / "Trudi" e "Superlungs My Supergirl" foram gravações de 1969, as faixas restantes [ esclarecimento necessário ] eram de sessões em Londres em maio de 1968 e em Los Angeles em novembro de 1968. [ citação necessária ]

No final dos anos 60 ao início dos 70, ele morou em Stein, na Ilha de Skye, onde ele e um grupo de seguidores formaram uma comuna e onde foi visitado por George Harrison. Ele chamou sua filha, nascida em 1970, de Ione Skye. [41] [42]

Década de 1970: Edição de alterações

No final de 1969, o relacionamento com Most terminou após uma discussão sobre uma sessão de gravação não identificada em Los Angeles. Na BBC Radio 2 de 1995 The Donovan Story, Mais relatado:

A única vez em que brigamos foi em Los Angeles, quando havia todos esses, suponho, grandes estrelas da época, Stephen Stills-es e Mama Cass-es, todos na sessão e nada estava realmente sendo tocado. Alguém trouxe alguma droga para a sessão e eu parei a sessão e joguei fora. Você sabe que precisa de alguém para dizer que é minha sessão, estou pagando por isso. Nós brigamos por causa disso. [43]

Editar faixa de estrada aberta

Donovan disse que queria gravar com outra pessoa, e ele e Most não trabalharam juntos novamente até Rodas Cósmicas (1973). Após a ruptura, Donovan passou dois meses escrevendo e gravando o álbum Estrada aberta como membro do trio de rock Open Road. Reduzindo o som das pesadas produções de estúdio de Most a coisas que poderiam ser tocadas por uma banda ao vivo, Donovan apelidou o som de "Celtic Rock". O álbum alcançou a 16ª posição nos Estados Unidos, o terceiro maior de todos os seus lançamentos completos até o momento, mas à medida que suas apresentações em shows se tornaram menos frequentes e novos artistas e estilos de música popular começaram a surgir, seu sucesso comercial começou a declínio. Donovan disse:

Estava exausto e procurando raízes e novos rumos. Eu me hospedei no Morgan Studios em Londres e fiquei muito tempo criando o Open Road e o HMS Donovan sessões. Lá embaixo estava McCartney, fazendo seu álbum solo. Eu tinha deixado Mickie depois de ótimos anos juntos. A nova década amanheceu e eu havia conquistado tudo que qualquer jovem cantor e compositor poderia alcançar. O que mais havia a fazer a não ser experimentar além da fama e entrar na nova vida, independentemente do resultado? [43]

O plano de Donovan para Open Road era viajar pelo mundo por um ano, começando com uma viagem de barco ao redor do Mar Egeu, documentada no filme de 1970, Existe um oceano. Isso foi parcialmente devido ao conselho de sua administração para ir para o exílio fiscal, durante o qual ele não colocaria os pés no Reino Unido até abril de 1971, mas após uma turnê pela França, Itália, Rússia e Japão, ele encurtou a turnê:

Eu viajei para o Japão e estava programado para ficar fora do Reino Unido por um ano e ganhar as maiores taxas já vistas por um artista solo, e tudo isento de impostos. Na época, o imposto do Reino Unido para nós era de 98%. Durante aquela turnê japonesa, tive um colapso suave, o que me fez decidir quebrar o exílio fiscal. Milhões estavam em jogo. Meu pai, meu agente, eles imploraram para que eu não pisasse no jato BOAC com destino a Londres. Eu fiz e voltei para minha pequena cabana na floresta. Dois dias depois, uma jovem veio em busca de um chalé para alugar. Foi Linda. [43]

Reuniões com Linda Lawrence e Mickie Most Edit

Após essa reunião, Donovan e Linda se casaram em 2 de outubro de 1970 no cartório de Windsor e passaram a lua de mel no Caribe. Donovan desistiu da promoção da turnê e se concentrou em escrever, gravar e em sua família. O álbum infantil de produção própria HMS Donovan em 1971, não foi lançado nos Estados Unidos e não conquistou um grande público. Durante um exílio fiscal de 18 meses na Irlanda (1971-72), ele escreveu para o filme de 1972 O flautista no papel principal, e para Irmão Sol, Irmã Lua (1972). A canção-título do filme de Zeffirelli proporcionou a Donovan uma sorte inesperada de publicação em 1974, quando foi coberta como lado B do hit mais vendido nos EUA, "The Lord's Prayer", da freira cantora australiana, Irmã Janet Mead.

Depois de um novo contrato com a Epic, Donovan se reuniu com Mickie Most no início de 1973, resultando no LP Rodas Cósmicas, que contou com arranjos de Chris Spedding. [43] Foi seu último sucesso nas paradas, alcançando o top 40 na América e na Grã-Bretanha. No final do ano ele lançou Essence To Essence, produzido por Andrew Loog Oldham, e um álbum ao vivo gravado no Japão e lançado apenas no Japão, que apresentava uma versão estendida de "Hurdy Gurdy Man" que incluía um verso adicional escrito por George Harrison em Rishikesh. [44] Enquanto gravava o álbum, Alice Cooper convidou Donovan para compartilhar os vocais principais em sua canção "Billion Dollar Babies". [ citação necessária ]

Rodas Cósmicas foi seguido por dois álbuns no mesmo ano: seu segundo álbum de concerto, Live in Japan: Spring Tour 1973, e o mais introspectivo Essence to Essence. Seus dois últimos álbuns para a Epic Records foram 7-Provocar (1974) e Slow Down World (1976). Em 1977, ele abriu para o Yes em sua turnê de seis meses pela América do Norte e Europa após o lançamento de Indo para o Um (1977). O LP de 1978, Donovan estava na RAK Records da Most no Reino Unido e na nova Arista Records de Clive Davis nos EUA, que o reuniu pela última vez com Most e Cameron, mas não foi bem recebido no auge da nova onda e não alcançou as paradas. [ citação necessária ]

1980: aparições ocasionais Editar

A era punk (1976-1980) provocou uma reação na Grã-Bretanha contra o otimismo e capricho da era hippie, da qual Donovan foi um excelente exemplo. A palavra "hippie" tornou-se pejorativa e a sorte de Donovan sofreu. [ citação necessária ] Nesse período ele lançou os álbuns Neutronica (1980), Amor é só sentimento (1981), e Senhora das estrelas (1984), e estreou como convidado em Estrelas no gelo, um show de variedades de meia hora no gelo produzido pela CTV em Toronto. Houve uma pausa quando ele apareceu ao lado de Sting, Phil Collins, Bob Geldof, Eric Clapton e Jeff Beck no show beneficente da Anistia Internacional O outro baile do policial secreto. Acompanhado por Danny Thompson, Donovan executou vários sucessos, incluindo "Sunshine Superman", "Mellow Yellow", "Colors", "Universal Soldier" e "Catch the Wind". Ele também estava na performance de "I Shall Be Released" de Dylan para o final do show. Donovan também se apresentou no Festival de Glastonbury em 18 de junho de 1989 com a banda Ozric Tentacles que o acompanhou no palco.

1990: uma década retrospectiva Editar

Em 1990, Donovan lançou um álbum ao vivo com novas apresentações de suas canções clássicas. Um álbum de tributo a Donovan, Ilha dos Círculos, foi lançado pela Nettwerk em 1991. A caixa de 2 CDs da Sony Troubadour: The Definitive Collection 1964-1976 (1992) continuou a restauração de sua reputação, e foi seguido pelo lançamento de 1994 de Quatro Donovan Originals, que viu seus quatro LPs épicos clássicos em CD em sua forma original pela primeira vez no Reino Unido. Ele encontrou um aliado no produtor de rap e proprietário do selo Def Jam, Rick Rubin, e gravou um álbum chamado Sutras para o selo American Recordings de Rubin. [21]

Edição dos anos 2000

Em 2000, Donovan narrou e interpretou a si mesmo no Futurama episódio "The Deep South" em 16 de abril com uma paródia da música "Atlantis".

Um novo álbum, Beat Cafe, na Appleseed Records em 2004, marcou um retorno ao som jazzístico de suas gravações dos anos 1960 e contou com o baixista Danny Thompson e o baterista Jim Keltner, com produção de John Chelew (Blind Boys of Alabama). Em uma série de Beat Cafe performances em Nova York, Richard Barone (The Bongos) juntou-se a Donovan para cantar e ler passagens de Allen Ginsberg Uivo.

Em maio de 2004, Donovan tocou "Sunshine Superman" no concerto de casamento para o príncipe herdeiro e a princesa herdeira da Dinamarca. Ele lançou suas primeiras fitas demo, Sessenta e quatro, e uma regravação do Irmão Sol, Irmã Lua trilha sonora no iTunes. Um conjunto de seus álbuns Mickie Most foi lançado em 9 de maio de 2005. Este conjunto da EMI tem faixas extras, incluindo outra canção gravada com o Jeff Beck Group. Em 2005, sua autobiografia O homem Hurdy Gurdy foi publicado. Em maio / junho de 2005, Donovan fez uma turnê pelo Reino Unido (Beat Cafe Tour) e pela Europa com Tom Mansi no contrabaixo, o ex-baterista do Damned Rat Scabies e tecladista do Flipron, Joe Atkinson.

Na primavera / verão de 2006, Donovan tocou em festivais britânicos e duas datas no The Jazz Café de Camden, em Londres.

Em janeiro de 2007, Donovan se apresentou no Kennedy Center, em Washington, DC, no Alice Tully Hall, em Nova York, e no Kodak Theatre, em Los Angeles, em conjunto com uma apresentação do cineasta David Lynch apoiando o David Lynch Fundação para a Educação Baseada na Consciência e a paz mundial. O concerto no Kodak Theatre foi filmado pela Raven Productions e transmitido na televisão pública como um penhor. A parceria de Donovan com a Fundação David Lynch o viu realizando concertos até outubro de 2007, bem como fazendo apresentações sobre meditação transcendental. Ele apareceu na Maharishi University of Management em Fairfield, Iowa, em maio de 2007, [45] e viajou pelo Reino Unido com David Lynch em outubro de 2007. [46]

Em março de 2007, Donovan fez dois shows no festival de música South by Southwest em Austin, Texas. Ele planejou o lançamento de um álbum na primavera de 2007, junto com uma turnê pelo Reino Unido. No entanto, ele anunciou que a turnê foi cancelada e o álbum adiado. Ele disse que estava com boa saúde, mas não deu motivos para o cancelamento. [ citação necessária ]

Em abril de 2007, Donovan apresentou uma série de três partes sobre Ravi Shankar para a BBC Radio 2. Em outubro de 2007, Donovan anunciou planos para a "Invincible Donovan University" com foco na Meditação Transcendental. Será perto de Glasgow ou Edimburgo. [47] Em outubro de 2007, o DVD, The Donovan Concert - Live in LA, filmado no Kodak Theatre Los Angeles no início do ano, foi lançado no Reino Unido. Em 6 de outubro de 2009, Donovan foi homenageado como um ícone da BMI no BMI London Awards de 2009. [48] ​​A designação de ícone é dada aos compositores da BMI que tiveram "uma influência única e indelével em gerações de criadores de música". [49]

Edição dos anos 2010

Em outubro de 2010, o CD duplo de Donovan Ritual Groove foi disponibilizado em seu site. Antes do lançamento, ele o descreveu como um álbum multimídia aguardando a aplicação dos vídeos.

Edição da década de 2020

Em 10 de maio de 2021, dia de seu 75º aniversário, Donovan lançou a nova faixa "I Am the Shaman". A canção foi produzida por David Lynch, que também dirigiu o vídeo que a acompanha. [50]

Donovan teve um relacionamento com a modelo americana Enid Karl, e eles tiveram dois filhos: o ator-músico Donovan Leitch em 1967 e a atriz Ione Skye em 1970. [51] Em outubro daquele ano, Donovan se casou com Linda Lawrence. [6] Eles têm dois filhos juntos, Astrella e Oriole. [52] [53] Linda Lawrence foi a inspiração para "Sunshine Superman". [54]

Ele também é o padrasto do filho de Brian Jones e Linda Lawrence, Julian Brian (Jones) Leitch. [15] O biógrafo de Jones, Paul Trynka, escreve: "Sem surpresa, Julian achou pesado o fardo de ser filho de Brian, apesar de ter sido criado com óbvio amor e sensibilidade por seu pai adotivo, Donovan Leitch." [55]

Em novembro de 2003, Donovan recebeu um grau honorário de Doutor em Letras da Universidade de Hertfordshire. [56] [57] Ele foi indicado por Sara Loveridge (que era uma estudante na Universidade e entrevistou e revisou Donovan para o artigo da universidade em 2001-2002), Andrew Morris, parceiro de Sara e pesquisador / escritor de Donovan e co-nomeado por Mac MacLeod. [58]

Em 14 de abril de 2012, Donovan foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame. [59] [60]


Assista o vídeo: HURDY GURDY WINTER SONG. medieval instrument Hurdy gurdy music - Zanfona (Dezembro 2021).