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El Greco Dies - História

El Greco Dies - História

El Greco Morre
El Greco, o pintor espanhol, morreu. Suas pinturas incluem Laocoonte e A Ressurreição.


Biografia de El Greco

O estilo dramático e expressionista de El Greco foi recebido com perplexidade por seus contemporâneos, mas foi apreciado no século XX. El Greco é considerado um precursor do expressionismo e do cubismo, enquanto sua personalidade e obras foram fonte de inspiração para poetas e escritores como Rainer Maria Rilke e Nikos Kazantzakis. El Greco foi caracterizado por estudiosos modernos como um artista tão individual que não pertence a nenhuma escola convencional. Ele é mais conhecido por figuras tortuosamente alongadas e muitas vezes por pigmentação fantástica ou fantasmagórica, casando as tradições bizantinas com as da pintura ocidental.


El Greco

El Greco

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos)

  • Nascer: 1541 Creta, Grécia
  • Faleceu: 7 de abril de 1614 Toledo, Espanha
  • Anos ativos: 1563 - 1614
  • Nacionalidade:Espanhol, grego
  • Movimento artístico:Maneirismo (Renascimento tardio)
  • Escola de Pintura:Escola cretense
  • Campo:pintura, escultura, arquitetura
  • Influenciado por:Arte Bizantina, Ícones Ortodoxos
  • Influenciado em:Eugene Delacroix, Edouard Manet, Paul Cezanne, Pablo Picasso, Franz Marc, Jackson Pollock, Roberto Montenegro, Jose Clemente Orozco, Francisco Pacheco, Expressionismo, Cubismo, Der Blaue Reiter (The Blue Rider)
  • Professores:Ticiano
  • Amigos e colegas de trabalho:Giulio Clovio
  • Wikipedia:en.wikipedia.org/wiki/El_Greco

Encomende pintura a óleo reprodução

Domenikos Theotokopoulos, também conhecido como “El Greco” devido à sua herança grega, foi um pintor, escultor e arquiteto grego popular do Renascimento espanhol. Ele era um mestre da arte pós-bizantina aos 26 anos, quando viajou para Veneza, e mais tarde para Roma, onde abriu sua primeira oficina. Ao contrário de outros artistas, El Greco alterou seu estilo para se distinguir de outros artistas da época, inventando novas e incomuns interpretações de temas religiosos. Ele criou figuras ágeis e alongadas e incluiu uma luz atmosférica vibrante. Após a morte de Rafael e Michelangelo, ele estava determinado a deixar sua própria marca artística e se ofereceu para pintar sobre a Última Ceia de Michelangelo ao Papa Pio V. Suas crenças artísticas não convencionais (sua antipatia por Michelangelo incluída), juntamente com sua forte personalidade, levaram ao desenvolvimento de muitos inimigos em Roma, especialmente as hostilidades dos críticos de arte.

Em 1577, El Greco mudou-se para Toledo, onde produziu a maior parte das suas obras maduras. Embora tenha concluído as principais obras comissionadas nas igrejas ao redor de Toledo, ele permaneceu em desvantagem com o rei e, portanto, não recebeu o patrocínio real que tanto desejava. El Greco fez de Toledo sua casa, alugando uma série de apartamentos do Marquês de Villena, que incluía três apartamentos e vinte e quatro quartos. Ele passou muito tempo estudando, pintando e vivendo em alto estilo, muitas vezes contratando músicos para tocar para ele enquanto jantava.

Embora fosse um pintor muito renomado e prolífico, perto do fim de sua vida experimentou dificuldades econômicas, agravadas pelo não pagamento de seu trabalho para o Hospital de Caridade de Illescas. Ele conheceu o seu fim aos 73 anos, devido a uma doença repentina. Após sua morte, as obras de El Greco foram amplamente ignoradas. Seu tratamento incomum do assunto e iconografia complexa levaram muitos contemporâneos a desacreditar suas obras. Foi somente com o surgimento do período romântico que suas obras foram descobertas recentemente, despertando um renascimento do interesse nas obras do artista. Suas obras influenciaram mais tarde pintores realistas, impressionistas, cubistas e abstratos, incluindo Pablo Picasso e Edouard Manet.

Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos (grego: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος [& # 240oˈminikos θeotoˈkopulos] 1541 & # 160–7 de abril de 1614), mais conhecido como El Greco (& quotO escultor grego & quot), foi um pintor & quotEl Greco & quot era um apelido, uma referência à sua origem grega, e o artista normalmente assinava suas pinturas com seu nome de nascimento completo em letras gregas, Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos), geralmente adicionando a palavra Κρήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom & # 233nikos Theotok & # 243poulos), muitas vezes adicionando a palavra Κρής & quotCretC .

El Greco nasceu no Reino de Candia, então parte da República de Veneza e centro da arte pós-bizantina. Ele treinou e se tornou um mestre dentro dessa tradição antes de viajar aos 26 anos para Veneza, como outros artistas gregos fizeram. Em 1570 mudou-se para Roma, onde abriu uma oficina e executou uma série de obras. Durante a sua estada na Itália, El Greco enriqueceu seu estilo com elementos do maneirismo e do Renascimento veneziano retirados de vários grandes artistas da época, notadamente Tintoretto. Em 1577 mudou-se para Toledo, Espanha, onde viveu e trabalhou até à sua morte. Em Toledo, El Greco recebeu várias encomendas importantes e produziu suas pinturas mais conhecidas.

O estilo dramático e expressionista de El Greco foi recebido com perplexidade por seus contemporâneos, mas foi apreciado no século XX. El Greco é considerado um precursor do expressionismo e do cubismo, enquanto sua personalidade e obras foram fonte de inspiração para poetas e escritores como Rainer Maria Rilke e Nikos Kazantzakis. El Greco foi caracterizado por estudiosos modernos como um artista tão individual que não pertence a nenhuma escola convencional. Ele é mais conhecido por figuras tortuosamente alongadas e muitas vezes por pigmentação fantástica ou fantasmagórica, casando as tradições bizantinas com as da pintura ocidental.

Nascido em 1541, na vila de Fodele ou Candia (o nome veneziano de Chandax, atual Heraklion) em Creta, El Greco descendia de uma próspera família urbana, que provavelmente foi expulsa de Chania para Candia após um levante contra os venezianos católicos entre 1526 e 1528. O pai de El Greco, Ge & # 243rgios Theotok & # 243poulos (falecido em 1556), era comerciante e cobrador de impostos. Nada se sabe sobre sua mãe ou sua primeira esposa, também grega. O irmão mais velho de El Greco, Mano & # 250ssos Theotok & # 243poulos (1531 & # 160-13 de dezembro de 1604), era um rico comerciante e passou os últimos anos de sua vida (1603-1604) na casa de El Greco e # 39 em Toledo.

El Greco recebeu seu treinamento inicial como pintor de ícones da escola cretense, um importante centro de arte pós-bizantina. Além de pintar, ele provavelmente estudou os clássicos da Grécia antiga, e talvez os clássicos latinos também deixou uma "biblioteca em funcionamento" com 130 livros quando morreu, incluindo a Bíblia em grego e um Vasari anotado. Candia era um centro de atividade artística onde as culturas oriental e ocidental conviviam harmoniosamente, onde cerca de duzentos pintores atuavam durante o século XVI, e haviam organizado uma guilda de pintores, com base no modelo italiano. Em 1563, aos vinte e dois anos, El Greco foi descrito em um documento como um & quotmaster & quot (& quotmaestro Domenigo & quot), o que significa que ele já era um mestre da guilda e presumivelmente operava sua própria oficina. Três anos depois, em junho de 1566, como testemunha de um contrato, ele assinou seu nome como μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος (& quotMestre M & # 233negos Theotok & # 243poulos, pintor & quot).

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3. Ele já era considerado um mestre em seus primeiros 20 anos

Havia cerca de 200 artistas ativos em Creta na época e El Greco era claramente um dos mais talentosos de todos. No 1563, quando ele era apenas 22, ele já foi descrito como um “maestro domenigo, ”Um mestre da pintura que já conquistou a sua reputação e provavelmente tinha o seu próprio atelier.

Isso é enfatizado pelo fato de que ele assinou usando o nome grego “μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος, 'que se traduz por“Mestre Ménegos Theotokópoulos, pintor.” Possível retrato de EL Greco / Wiki Commons


Obras de El Greco

A Santa Trindade, pintado entre 1577 e 1579, retrata Deus segurando um Cristo agonizante em seus braços, enquanto eles flutuam entre as nuvens no céu, com a pomba do Espírito Santo voando sobre suas cabeças. Ao redor deles estão seis anjos em mantos coloridos, e atrás deles, vindo de cima, está uma luz dourada brilhante. A pintura faz parte da primeira grande encomenda de El Greco para a Igreja de Santo Domingo em Toledo e, assim que foi concluída, estabeleceu-o na comunidade como um artista venerado. Hoje é considerada uma de suas obras-primas, e considerada uma das pinturas favoritas de Édouard Manet.

Este primeiro exemplo da obra de El Greco apresenta uma síntese das duas principais influências que o definem: os mestres do Renascimento e a tradição icônica bizantina. Embora a composição mostre afinidades com as obras de Michelangelo e Dürer, e se acredite que ambos os artistas tenham sido uma inspiração profunda para esta pintura, a obra também já mostra vários atributos únicos que definiram o corpo da obra de El Greco e compuseram sua linguagem característica. O historiador de arte Keith Christiansen afirma que, "Ele fez formas alongadas e retorcidas, escorço radical e cores irreais a própria base de sua arte." Todos esses aspectos estão presentes em A Santa Trindade: o uso brilhante e expressivo da cor nas vestes, a continuidade entre as formas e a substância no entrelaçamento dos corpos das figuras, o alongamento das figuras, especialmente no corpo de Cristo, e o sonho imaginativo como qualidade que define o sentimento geral da pintura. Uma de suas principais técnicas características também já é usada profusamente na obra, que é o aproveitamento de destaques ao lado de contornos escuros e grossos para criar um efeito profundamente dramático.

Uma interpretação específica pode ser encontrada nas cores empregadas, onde o aspecto sombrio das nuvens pode ser visto como representando a morte, opondo-se aos raios dourados acima que simbolizam o eterno os dois enfatizam a dualidade entre a vida e o sempre. No geral, esta é a interpretação principal da obra: uma personificação do eterno como uma realidade, incutindo assim um novo sentido de esperança e devoção nos fiéis.

Óleo sobre tela - Museu do Prado, Madrid

O nobre com a mão no peito (El caballero de la mano en el pecho)

Esta pintura é o retrato de um nobre ou cavaleiro com cerca de 30 anos, cujo nome verdadeiro é desconhecido. Ele está vestido com roupas tradicionais espanholas, segurando uma espada em uma das mãos enquanto a outra está posicionada sobre seu coração. Olhando intensamente para o espectador, ele é retratado de uma maneira profundamente realista, mas também imaginativa. Com um aspecto profundamente característico da obra de El Greco, a representação possui características específicas do ponto de vista técnico, como a barba, combinadas com elementos estilizados, como os dedos alongados e o tronco. As cores e tons suaves e escuros contrastam muito com o branco dos babados. O uso dramático de contraste e luz aumenta muito as profundezas emocionais e psicológicas que definem o assunto.

Embora El Greco fosse mais conhecido por seus temas religiosos, ele também era um retratista prolífico, conhecido por capturar o caráter e a personalidade de seus modelos de forma intuitiva. Esta pintura é considerada seu retrato mais famoso. É também um exemplo de sua ruptura com o estilo renascentista tradicional e sua formação bizantina por um modo mais imaginativo e maneirista. El Greco era conhecido por afirmar que um artista "deve estudar os Mestres, mas guardar o estilo original que bate em sua alma", enfatizando a importância de estabelecer e ser fiel à sua própria visão e linguagem artística individual.

Este retrato pode ser visto como uma influência direta nas obras retratistas posteriormente desenvolvidas por outros movimentos artísticos, como o Expressionismo. De uma forma mais ampla, a capacidade de El Greco de transformar a realidade para expor uma visão interior ou mundo interior, pode ser vista como um precursor da Arte Moderna.

Nesse contexto, também é referência à pintura de Picasso intitulada Retrato de um pintor, segundo El Greco, de 1950, que pode ser visto como uma homenagem à forma de El Greco imaginar e compreender a arte, que influenciou Picasso desde o início de sua carreira artística. Na obra, Picasso combinou o uso de marrons e ocres por El Greco com sua linguagem cubista característica, ecoando séculos depois, a iconografia sempre presente de El Greco.

A pintura é capa de um álbum de Vangelis intitulado El Greco de 1998.

Óleo sobre tela - Museu do Prado, Madrid

O enterro do conde de Orgaz (El entierro del conde de Orgaz)

Esta grande pintura, de três metros e meio de largura por quase cinco de altura, é universalmente considerada a maior obra-prima e a obra mais famosa de El Greco. Foi encomendado pelo pároco de Santo Tomé em Toledo e é considerado um excelente exemplo de maneirismo. Junto com Tintoretto, Agnolo Bronzino, Jacopo da Pontormo e outros, El Greco é considerado um dos principais artistas maneiristas. Sua contribuição para o desenvolvimento do movimento é marcada por composições visuais que se afastaram de uma perfeição idealizada para um mundo carregado de tensão e complexidade emocional através da forma, imaginação e expressão.

El Greco se referiu a essa pintura como sua 'obra sublime'. O Enterro do Conde de Orgaz é uma lenda popular em Toledo sobre um homem piedoso e caridoso que deixou uma grande soma de dinheiro para a igreja após sua morte e foi posteriormente enterrado e escoltado ao céu por Santo Estêvão e Santo Agostinho. A cena funerária é retratada na parte inferior do quadro, com o Conde rodeado pelos dois santos, seguido por outros homens nobres e clérigos da época em trajes do século XVI, captados de forma estática. É contrastado com o reino celestial no céu que inclui Maria, Cristo, Deus, João Batista e os anjos, que todos observam a cena, retratada de uma forma mais orgânica e livre, de modo a representar a intangibilidade e imaterialidade do espírito . Diz-se que o rapaz à esquerda é Jorge Manuel, o filho do artista.

Uma possível interpretação que está na justaposição dos mundos: o mundo físico da terra e o mundo espiritual do céu, cada um retratado a seu modo. A Terra é capturada em escala normal com figuras mais proporcionais, enquanto o céu é composto por nuvens rodopiantes e formas abstratas, com uma qualidade mais intangível para as figuras. Esta distinção clara permite muito duas idéias: por um lado, uma união entre os dois mundos é proposta, por outro, a separação dos mundos é reforçada. Outra interpretação é feita pela historiadora de arte Dra. Vida Hull, que afirma que a pintura representa "uma experiência visionária". Em sua opinião, o caráter amorfo e o alongamento dos corpos transmitem um profundo sobrenatural, pois é a alma do conde que está sendo levada ao céu.

As cenas de sepultamento eram freqüentemente retratadas como um tema religioso principal na arte. Outras obras notórias de sepulturas, pintadas após a de El Greco, incluem o Enterro em Ornans (1849) por Gustave Coubert, O Enterro da Sardinha (c. 1812-1819) por Francisco Goya, e o Enterro de Santa Lucy (1608) por Caravaggio.

Óleo sobre tela - Iglesia de Santo Tomé, Toledo

Madona com o Menino com Santa Martina e Santa Inês

Madona com o Menino com Santa Martina e Santa Inês retrata Maria e o menino Jesus sentado nas nuvens do céu, acompanhado por Santa Inês segurando um cordeiro no canto inferior direito e Santa Martina no canto inferior esquerdo. As figuras dominam a maior parte desta pintura em grande escala, entrelaçando-se umas com as outras de uma forma complexa e interdependente. A pintura foi originalmente colocada em frente a outra das pinturas de El Greco, São martin e o mendigo, na Capela de São José de Toledo e representa um conjunto de obras realizadas entre 1957 e 1607 de várias encomendas que caracterizam o seu período de maturidade.

Este trabalho é um exemplo de sua natureza profundamente expressiva e abordagem estilizada da forma. O uso de cores vibrantes e brilhantes, também tão característico das pinturas de El Greco, está muito presente na obra, apresentando as capas dos anjos e de Maria em vermelhos profundos, azuis e amarelos. Para El Greco, o uso da cor era considerado uma característica fundamental de toda pintura, muito mais do que a forma, e ele pensava que era uma questão profundamente complexa alegando que considerava a imitação da cor "a maior dificuldade da arte. "

Uma forma de interpretar a obra é apresentada pelo romancista e crítico de arte Aldous Huxley, quando em 1950 afirmava que "a intenção do artista não era imitar a natureza nem contar uma história com verossimilhança dramática", mas sim criar "seu próprio mundo de formas pictóricas no espaço pictórico sob iluminação pictórica. usando-o como um veículo para expressar o que ele queria dizer sobre a vida." Nesta perspectiva, é a mensagem subjacente, o retrato do reino espiritual como uma presença real do mundo, que concede à obra seu significado universal.

Óleo sobre tela - Galeria Nacional de Arte, Washington D.C.

Vista de Toledo

A pintura retrata uma vista da cidade de Toledo, onde El Greco viveu a maior parte de sua vida. A paisagem é pintada de forma dramática, com vegetação viva em primeiro plano e nuvens tumultuadas que parecem anunciar uma tempestade como pano de fundo. A cidade é retratada em tons de cinza, visto que se situa à distância no topo das colinas naturais, que desce para a ponte romana Alcántara. Os edifícios são representados em forma de nuvem, uma aglomeração organicamente agrupada.

El Greco abordou o assunto da mesma forma que fez com seus outros trabalhos, inspirando-se na realidade, mas permanecendo inverídico. Ele inventou a cena para transmitir as emoções que desejava, além do castelo de San Servando estar bem localizado, todos os demais edifícios são derivados de sua imaginação.

O retrato de um tema paisagístico era um tema incomum para a época, especialmente no contexto espanhol, o que atraiu a consideração de El Greco como o primeiro paisagista da história da arte espanhola. Esta representação particular do céu é uma das mais conhecidas na arte ocidental. É o único exemplo remanescente das paisagens de El Greco e muito pouco se sabe sobre sua história, origem ou circunstâncias.

A linguagem imaginativa da pintura também pode ser vista como uma influência direta no expressionismo. De Edvard Munch O grito de 1893, com seu dramático céu e nuvens fluindo, e as paisagens de Van Gogh, como A noite estrelada pintado em 1889, com sua vegetação contorcida e céus dramáticos, podem ser vistos para ampliar o ponto de vista de El Greco.

Óleo sobre tela - Metropolitan Museum of Art, Nova York

O Êxtase de São Francisco de Assis

A pintura retrata o êxtase de São Francisco, um tema popular na arte clássica também retratado por Caravaggio em 1595, por Giovanni Bellini em 1475, por Giovanni Baglione em 1601 e vários outros artistas notórios que foram atraídos pela história. Retrata a cena da vida lendária de São Francisco de Assis, um santo italiano do século 12, que dois anos antes de sua morte em 1224, embarcou em uma viagem ao Monte La Verna para quarenta dias de jejum e oração. Certa manhã, enquanto orava, ele entrou em êxtase religioso e recebeu os estigmas (as marcas de Cristo em seu corpo ao ser pregado na cruz) de um anjo ou serafim. Na pintura, El Greco retrata São Francisco neste exato momento com o rosto cheio de emoções de devoção, dor e entrega. Na frente do Santo está uma caveira, geralmente associada ao Santo, e um símbolo da mortalidade.

El Greco ficou fascinado com este assunto, pois geralmente se afirma que sua oficina possuía mais de uma centena de representações de São Francisco. No entanto, nesta pintura, El Greco dispensa suas habituais representações luminosas, coloridas e brilhantes, e cria uma atmosfera geral escura e sombria para recriar a experiência dolorosa e dramática do Santo.

Embora a pintura também seja um exemplo de maneirismo, seu uso de escuridão e luz de alto contraste parece uma reminiscência de outra linguagem artística que pode ser associada às obras dramáticas de Rembrandt no século XVII.

Bênção de Cristo (O Salvador do Mundo)

Esta pintura mostra Cristo segurando uma das mãos sobre um globo azul e gesticulando para o céu com a outra. Há uma luz branca brilhando atrás dele ou de dentro dele, agindo como um halo contra o fundo preto escuro. É pintado no estilo fluido característico de El Greco e possui uma profunda força estética e psicológica, principalmente concedida pelo olhar intenso dos olhos de Cristo que fixam profundamente o observador. A vívida cor vermelha brilhante de suas vestes contrasta profundamente com a cor suave e sombria empregada no resto da pintura. Como é característico de sua obra, os dedos alongados e o torso, profundamente inspirados por Tintoretto e Ticiano, conferem à pintura uma qualidade onírica ao mesmo tempo real e profundamente alheia, parecendo fazer Cristo pertencer, física e metaforicamente, a ambos os mundos.

Este trabalho reflete um bom exemplo do modo de El Greco de combinar uma tradição icônica mais bizantina com a abordagem mais humanista da Renascença, embora ainda rejeite uma imitação exata da realidade. Como afirma o historiador da arte Keith Christiansen, "El Greco rejeitou o naturalismo como um veículo para sua arte, assim como rejeitou a ideia de uma arte facilmente acessível a um grande público. O que ele abraçou foi o mundo de um estilo autoconsciente e erudito, ou Maniera, "profundamente associado ao maneirismo. Ao negar o mundo ao seu redor e se afastar das linguagens realistas e naturalistas, ele incorpora o reino do espírito por meio do movimento e da liberdade de forma de forma simbólica e metafórica. Na verdade, El Greco é conhecido por alegando: "O espírito da criação é uma exploração torturante e intrincada de dentro da alma".

Óleo sobre tela - Galeria Nacional Escocesa, Edimburgo, Reino Unido

Laocoonte (Laocoonte)

A pintura retrata o mito de Laocoonte, um sacerdote troiano que, segundo a lenda, alertou os habitantes locais sobre o cavalo de Tróia e também profanou o templo de Deus. Como conseqüência, serpentes gigantes enviadas pelos deuses irados mataram a ele e a seus dois filhos, Antifantas e Timbreu. Na pintura, os três são retratados em primeiro plano sendo engolfados por grandes serpentes. À direita, um dos filhos parece já estar morto enquanto está deitado no chão, enquanto Laocoonte e seu outro filho lutam por suas vidas. O pano de fundo mostra o cavalo de Tróia e a cidade de Toledo cercada por árvores em tons de azul e verde intensos. Essas cores vibrantes de vida contrastam muito com a paleta cinza suave usada para as figuras que simbolizam a morte. As duas figuras de pé na extrema direita são presumivelmente Apolo e Ártemis, que observam o drama que se desenrola.

O historiador de arte Keith Christiansen afirma: "Nenhum outro grande artista ocidental se moveu mentalmente - como El Greco fez", enfatizando a intenção psicológica subjacente da obra. Nesse sentido, a principal interpretação que pode ser extraída é derivada do próprio mito, de que o homem é impotente e sem esperança no reino do Divino e deve sucumbir ao seu destino inevitável.

Esta obra é considerada um dos melhores exemplos das obras posteriores de El Greco, e a única de suas pinturas conhecidas que retrata um tema mitológico em vez de religioso. Junto com A Visão de São João (1608-1614), é conhecido por ter uma profunda influência nos movimentos expressionista e cubista por causa de seu intenso imaginário emocional e sua acentuada acentuação da forma individual dentro da composição geral.

Óleo sobre tela - National Art Gallery, Washington D.C.

A Visão de São João

Esta grande tela é considerada mais uma das obras-primas de El Greco. Ele descreve uma passagem da Bíblia, Apocalipse (6: 9-11), que descreve a abertura do Quinto Selo no final dos tempos e a distribuição de vestes brancas para "aqueles que foram mortos para a obra de Deus e para o testemunho que eles deram. " Em primeiro plano, vemos a figura alongada de São João, de joelhos com os braços bem abertos, implorando a Deus lá em cima. Atrás dele é exibido um grupo de figuras nuas, alcançando o céu em busca de suas vestes, algumas das quais são brancas e outras são coloridas. Estas são as almas dos mártires que clamam a Deus por justiça.

A pintura é uma das várias obras encomendadas por Pedro Salazar de Mendoza, um admirador e colecionador, para a Igreja do Hospital de São João Batista (Hospital Tavera). El Greco morreu antes de poder terminar a pintura e diz-se que faltava uma parte superior da pintura, que se acredita ter sido destruída em 1880. Rumores afirmam que a parte que faltava pode ter representado o Cordeiro Sacrificial abrindo o Quinto Selo.

A obra exerceu uma profunda influência em Pablo Picasso, que se acredita tê-la estudado profundamente, usando-a como inspiração para a composição de sua própria obra-prima. Les Demoiselles D'Avignon (1907). As conexões podem ser feitas na composição dinâmica criada entre as várias figuras em ambas as pinturas.

O crítico de arte Jonathan Jones afirma que El Greco foi "atraído pela complexidade, pela obscuridade, pela sofisticação", três características que definem muito esta obra, e que ele "falava uma linguagem messiânica de renovação religiosa". Esta renovação pela fé é, de facto, uma das principais motivações de El Greco, e é a principal mensagem subjacente a esta obra que destaca a salvação e protecção das almas que são boas.


5 curiosidades sobre o artista renascentista espanhol El Greco

Artistas históricos famososFamous paintersSpainSpanish Painter

Dizer que El Greco, pintor, escultor e arquiteto do Renascimento espanhol, é uma figura importante na história da arte é um eufemismo. O artista, que nasceu em 1541 e morreu em 1614, fez enormes contribuições artísticas para o mundo e até desafiou o trabalho de Michelangelo. Abaixo você encontrará 5 curiosidades sobre El Greco que podem ser usadas em sala de aula ou simplesmente para seu próprio enriquecimento pessoal.

5 curiosidades sobre o artista El Greco

Existem dezenas de fatos surpreendentes sobre o artista El Greco que irão intrigar os amantes da arte. Aqui estão apenas 5 e # 8230

    El Greco ”não era o nome de nascimento do artista& # 8212 ele nasceu “Doménikos Theotokópoulos . ” “El Greco” significa simplesmente “O grego”. Embora o artista fosse amplamente conhecido como El Greco quando alcançou a notoriedade, ele normalmente assinava seu nome de nascimento completo em letras gregas. A Encyclopaedia Britannica disse que El Greco era “um nome que ele adquiriu quando morava na Itália, onde o costume de identificar um homem designando um país ou cidade de origem era uma prática comum. A forma curiosa do artigo (El), no entanto, pode ser o dialeto veneziano ou mais provavelmente do espanhol. ”

  1. Apesar de ser grego, El Greco era um católico devoto. O mesmo aconteceu com muitos outros cidadãos do Reino de Candia, que era seu local de nascimento. O Reino de Candia (Creta) fazia parte da República de Veneza na época. Foi a casa de Greco até aos 20 anos, altura em que emigrou para Veneza para estudar com Ticiano, o pintor mais conhecido da sua época. As duas principais religiões do Reino de Candia eram o catolicismo romano e a ortodoxia grega. Embora o pintor fosse grego, ele se autoproclamou católico devoto. Alguns estudiosos acreditam que ele se converteu da ortodoxia grega para se tornar parte da minoria católica cretense. Mesmo que El Greco não tivesse afirmado ser católico em seu testamento e testamento, sua obra de arte reflete o clima religioso da Espanha católica romana e, portanto, teria sido uma dádiva.

    El Greco foi expulso de Roma por artistas leais a Michelangelo . Em seu artigo O Discípulo Relutante ,

    El Greco obteve grande sucesso na Espanha depois de se mudar para lá em 1576 . Enquanto na Espanha, El Greco pintou

& # 8220O enterro do conde de Orgaz & # 8221
Wikipedia

Em 7 de abril de 1614, El Greco morreu na Espanha. De acordo com a Biografia, ele faleceu não apreciado pelo mundo da arte, que não o reconheceria como um mestre por 250 anos. Hoje ele é conhecido como um dos pintores mais influentes que já existiu. Os estudiosos da arte também acreditam que El Greco influenciou artistas como Picasso, bem como escritores como Rainer Maria Rilke e Nikos Kazantzakis.

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  1. Uma paixão pela arte
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  • Julije Klovic
  • Uma senhora desconhecida
  • Um auto-retrato

Também incluídas neste conjunto estão suas inúmeras interpretações religiosas:

  • A espoliação
  • A Sagrada Família
  • Aviso
  • Via Crucis
  • São João Evangelista
  • Apóstolos Pedro e Paulo
  • O Pedro arrependido
  • Uma paisagem (vista de Toledo)

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Você é um grande fã da arte de El Greco? Por que ou por que não? Gostaríamos muito de ouvir de você, por favor, deixe sua opinião na seção “comentários” abaixo.

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Conteúdo

Kanda Shokai foi fundada em 1948 e a marca Greco foi fundada em 1960. [2] [3] [1] [4] Não foi até 1966/1967 que Kanda Shokai começou a comercializar modelos semelhantes ao Greco Telecaster. [ esclarecimento necessário ] Originalmente, Kanda Shokai usava a marca 'Greco' para os modelos de corpo sólido e a marca 'Canda' para seus modelos acústicos, baseando-se no nome da empresa Kanda (Canda). Em meados / final dos anos 1960, Kanda Shokai também exportou algumas guitarras da marca Greco baseadas nos designs de Hagström e EKO para a Avnet / Goya nos EUA. [ citação necessária ] Estas guitarras foram feitas por FujiGen e Matsumoku (e possivelmente Teisco [ citação necessária ]) fábricas de guitarras e eram muito semelhantes às guitarras Ibanez do final dos anos 1960, baseadas nos designs de Hagström e EKO. Kanda Shokai também comercializou alguns designs originais no final dos anos 60, incluindo as guitarras Greco Semi-hollow "Shrike", que foram importadas e comercializadas primeiro por Goya e depois por Kustom. O modelo "Shrike" era incomum por ter um par de captadores em forma de "L" incomuns, com o canto do "L" apontando para o cabeçote no captador de braço e para a ponte sobre o captador de ponte. Esses captadores "bumerangue" predate the Gibson Flying V2 "Boomerang" shaped pickups by over 10 years.

In the early 1970s Kanda Shokai marketed Greco Gibson-like models, but with bolt-on necks rather than the set necks of genuine Gibson guitars. These were very similar to the Ibanez Gibson-like models available at that time and most of these models had a Greco logo that looked more like "Gneco". By the mid/late 1970s most Greco Gibson-like models were being made with set necks and open book Gibson headstock designs. Some other Greco Gibson-like models from the 1970s had a different headstock design, more like a Guild headstock design, that had a Greco logo with equally sized letters.

Starting in 1979, the Greco "Super Real Series" was introduced which made available high standard replicas of Gibson and Fender models. In 1982 the Greco "Mint Collection" was introduced, which continued the high standard of the "Super Real Series". In 1982 Kanda Shokai and Yamano Gakki become part of Fender Japan and Kanda Shokai stopped producing its own Greco Fender replica models. Since the end of the Greco open book headstock Gibson replicas in the early 1990s, Kanda Shokai have produced various models using the Greco brand name such as the "Mirage Series" (similar to the Ibanez Iceman), various Gibson copies (not using the open book Gibson headstock design), Violin basses (VB), Zemaitis Guitars and addition to various other models.

Some notable guitar players who have used Greco guitars include Ace Frehley who used Greco Les Paul replicas when his band Kiss was on tour in Japan, Millie Rose Lee of Dead Witch and Elliot Easton of The Cars, Peter Tork of The Monkees on his 1979 -81 solo tours had 2 of the Tobacco Sunburst Les Paul models. The Greco BM line is particularly notable as they're almost endorsed signature models. Brian May played (or at least mimed) his BM-900 on several television appearances [5] [6] and in 1983 remarked:

A Japanese firm called Greco made a Brian May guitar, an exact copy. They called it a BHM 900 or something. They sent me an example. I said, "Thanks very much for sending it to me. It looks nice, but it doesn't actually sound that nice. Why don't we get together and make it sound good, too? Then you can put my name on it properly". They never replied. [7]

Early Greco electrics Edit

The Japanese made Greco guitars were initially being distributed in the US through Goya and later by Kustom (known for their amps). Prior to that, Goya sold Electric guitars made by Hagstrom . Among the Electric guitar models that Greco offered during this period, were two thin semi-hollow bodystyle that were equipped with the Patented “Shrike” pickups. These were the 950, and 975 models. A 12 string version for both bodystyles were available as well, and were labeled models 960 and 976 respectively. Those models with the Boomerang “L” shaped split coil pickups were called “Shrike” models. The “Shrike” pickups were advertised as producing that distinctive "shrike" sound. The shrikes had a single volume pot and a group of slide switches to control the 4 split coil pickups in the 2 L shaped enclosures. So you could switch between high and low strings on the pickups.

The 975 model and its 12 string brother the 976 model were the top of the line imported Grecos in 1968. These were initially available only in the Shrike version, and later a more conventional 2 standard pickup version appeared. The models with standard pickups were not called “Shrike” models. Standard pickup models had the common 2 volume, 2 tone pot controls and toggle switch for the two pickups. These were regarded as attractive and well-made guitars. They had bound semi-hollow bodies and a bound neck, diamond-shaped sound holes, rectangular shaped fretboard inlays and headstock truss adjustment. The tuners were the same as the Teisco Spectrum 5 of that period, and the Neck-plate had the L shaped pickup patent number stamped on it. The zero fret and thin neck is reminiscent of a Mosrite. The 975 model “Shrike” was considered to be of higher build quality than the many entry-level Japanese guitars that had become widely available earlier in the decade, but by 1970 the 975-style models were discontinued, a victim of the decline of the 1960s guitar boom. Soon Greco would move toward copying Fender and Gibson products, becoming a major brand in the so-called "Lawsuit" copy era, along with Tokai and the Ibanez company, which became the subject of legal action by Gibson.

Lawsuit "copy" era Edit

The Greco Fender replicas from the late 1970s and early 1980s are similar to the early Fender Japan guitars, as Kanda Shokai owns the Greco brand and is also a part of Fender Japan. The Greco Fender replicas made by Matsumoku have Matsumoku stamped on the neckplate and the other Greco Fender replicas were made by Fuji-Gen Gakki. Most of the Greco models included the original selling price in Japanese Yen (in Japanese) 円 in the model number (EGF-1800 = 180000 Yen). The "Super Real Series" date from late 1979 to 1982 and the open O Greco logo "Mint Collection Series" date from 1982 to the early 1990s. The "Mint Collection Series" have an open O letter in their Greco logo (an O letter with the top part of the O letter removed) and the "Super Real Series" usually have a closed O letter in their Greco logo.

The Fuji-Gen Gakki guitar factory were the main maker of the Greco guitars in the 1970s and 1980s. [12] Fuji-Gen Gakki obtained a CNC router in mid-1981 for making guitar parts and also began to manufacture their own pickups starting in late 1981. [13] The Fuji-Gen Gakki CNC router and Fuji-Gen Gakki made pickups were used for the "Super Real" and "Mint Collection" series starting from 1981 to the early 1990s. Up until 1981/1982, Nisshin Onpa (Maxon) made pickups were used in the Greco guitars including the "Super Real Series" and the guitars were made in a more luthier style with no CNC machines used. The Cor-Tek and Tokai guitar factories were also used to make some Greco models due to FujiGen not being able to make some lower priced Grecos in the late 1980s.

There were also some transitional Greco models from 1981/1982 that have a mixture of "Super Real Series" and "Mint Collection Series" features such as a "Super Real" model with an open O letter in the Greco logo instead of a closed O letter. The Super Real EGF (flametop) and EG series higher end models featured nitrocellulose lacquer finishes and fret edge binding and some of the Super Real lower end models also featured fret edge binding.

Medium tenon neck joints with dowel reinforcements were used up until 1981 and standard Gibson style long and medium tenon neck joints were used after 1981. The medium tenon neck joints with dowel reinforcements were very similar to the Gibson long tenon neck joints that were used in the early 1970s before Gibson switched to using a short tenon neck joint. Some Greco models featured chambered (not solid) body designs up to the early 1980s, which weighed less than a regular solid body model and also had a slight semi acoustic quality. Some of the current Gibson models also use chambered bodies, such as the Gibson Les Paul Supreme.

Some Greco Les Paul guitars up until 1982 had laminated pancake bodies and were based on the similar Gibson Les Paul laminated guitars from the 1970s. The lowest priced Greco Les Pauls sometimes had different wood combinations from the regular Maple and Mahogany. Up to 1980 the lowest priced Greco Les Pauls, such as the EG450 model, had Birch bodies. The lowest priced Super Real and Super Power Les Pauls, such as the EG450 and EG480 models from late 1979 to 1982, had Sycamore tops.

The EGF-1800 (flametop), EGF-1200 (flametop) and EG-1000C (custom) models from the 1980 and 1981 catalogues (as well as very early 1982 models) featured "Dry Z" pickups (PAF-like pickups made by Nisshin Onpa (Maxon)). The type of pickups varied depending on the guitars original selling price and the Nisshin Onpa (Maxon) made "Dry Z" or Fuji-Gen Gakki made "Dry 82" pickups were reserved for the top end models. The lower end models such as the EG-500 mostly used 3-piece maple tops while the higher end models mostly used 2-piece maple tops. "Mint Collection" models with a K after the numeric price designation (e.g. PC-98K) came with factory-installed Kahler tremolo (vibrato) bridges.

The "Mint Collection Series" features varied according to price, with some of the higher-end models, such as the EG58-120, model having most of the features of the "Super Real" higher-end models. Most of the "Mint Collection Series" had long-tenon neck joints, but some had medium long tenon neck joints. There were also some Greco "Super Sound", "Super Power" and "Rock Spirits" Gibson replica models made. The "Super Sound" models were mid-priced models from the "Super Real" years (1979-1982) and the "Super Power" models were lower-priced models from the "Super Real" years (1979-1982). The "Rock Spirits" models were lower-priced models from between 1979 and the early 1990s

Greco guitars have been made by Matsumoku, Fuji-Gen Gakki, [14] Dyna Gakki [15] and others as well. Greco Gibson replicas around 1975 and pre 1975 models had a Greco logo that looked like "Gneco".

Most of the Greco open book headstock Gibson replicas were made by FujiGen Gakki. Some Greco open book headstock Gibson replicas starting from around 1988 had no serial numbers. The lower priced no serial number Greco Les Paul and SG models were made by Cor-Tek (Cort) and usually have Cor-Tek (Cort) potentiometers. The Cor-Tek made Greco guitars have square shaped, brick like nuts with no slope and also often have shielding paint in the pickup and control cavities. Other higher priced no serial Greco Les Paul and SG models were made by Tōkai and the Les Paul models have an EG-75 or EGC-75 model number stamped in the pickup cavity and sometimes have fret edge binding.

The no serial Greco guitars made by Tokai have square shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities whereas the no serial Greco guitars made by Cor-Tek (Cort) have thinner rectangle shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities. Kanda Shokai stopped using the open book headstock design on Greco Gibson replica models around the early 1990s and then concentrated on their other model lines and Fender Japan. Atlansia have supplied body and neck parts for Greco models as well. Tokai currently make the Kanda Shokai Zemaitis and Talbo models.


Emily Dickinson

Emily Dickinson via WikiCommons

Emily Dickinson wrote about love so eloquently, “morning without you is a dwindled dawn” which is the nicest thing we’ve read all day. She was hugely prolific as she wrote and published over eighteen hundred poems while she was alive so she really didn’t have time for any awkward dating situations. Nobody, especially Emily Dickinson had time for that. Sadly, many of her close family and friends died before her, and she struggled coming to terms with their deaths. She died a recluse, some debating if she suffered from Agoraphobia and Epilepsy.

Do you know about how other artists lived out the last days of their life? How have did your favorite artists enjoy (or not) their latter years? We’d love to keep the discussion going in the comments below.


Sisällysluettelo

El Grecon syntymäpaikkana pidetään Fódelen kylää. [2] El Grecon syntymän aikoihin Kreetalla oli paljon ikonimaalareita. Greco sai sieltä bysanttilaisia vaikutteita ja maalasi myös ikoneita. [1] Nuori El Greco varttui kreetalaisen koulukunnan vaikutteiden piirissä. Jo 22-vuotiaana vuonna 1563 häntä luonnehdittiin eräässä asiakirjassa mestariksi. [3] El Greco muutti 1565 Venetsiaan, jossa sai vaikutteita venetsialaisten maalarien värienkäytöstä ja manierismista. Hän työskenteli luultavasti Tizianin ja Tintoretton ateljeissa. Vuosina 1570–1571 hän oleskeli Roomassa, missä tutustui Michelangelon teoksiin. [1]

El Greco muutti Espanjan Toledoon noin vuonna 1576. Hän sai siellä tehtäväkseen maalata kolme suurta alttaritaulua Santo Domingo el Antiguon kirkkoon. Myöhemmin hän teki muotokuvia ja uskonnollisia tilausteoksia. Toledossa hänen ihmishahmonsa alkoivat pidentyä ja maalauksiin tuli levoton tunnelma. Voimakkaat siniset ja keltaiset värit irtautuivat luonnonmukaisista paikallisväreistä, ja El Grecosta tuli eurooppalaisen taiteen ensimmäisiä koloristeja. Hän alkoi käyttää yhä selkeämpiä valojen, varjojen ja värien vastakohtia. El Greco alkoi myös pidentää figuureitaan, mikä lisäsi näiden hengellistä voimaa ja loi maalauksiin levottoman tunnelman. Hänen värinsä, varsinkin kirkkaat siniset ja keltaiset, eivät olleet luonnonmukaisia. Värien ohella selkeän tilakuvauksen hylkääminen lisäsi hänen teostensa salaperäisen hengellistä tuntua. [1]

Vaikka El Grecon ateljeessa työskenteli monia taiteilijoita ja hänen teoksiaan kopioitiin, ei hän vaikuttanut paljonkaan naturalisemmin maalanneisiin aikalaisiinsa. [1] El Grecon omaperäinen tyyli hämmensi aikalaisia, eikä häntä juuri tunnettu Espanjan ulkopuolella, mutta 1900-luvulla hänen teoksensa saivat arvostusta. [4]


El Greco and his paintings


El Greco is probably one of the most well known artists of his time, and still to this day, over 500 years after his death. Because of the obscurity in his style, and the fact that he was considered a painter of the spirit, he was one of the most influential painters, which set the groundwork for many to follow, and for many art forms that followed. His work was admired by the members of the Blue Rider School, and several artists who followed, far after his career ended.

El Greco was born in Crete, and was trained as an icon painter. The non-naturalistic basis of his work showcased the talent that would follow, in the many pieces created during the course of his career. He moved to Venice in 1567, as Crete was considered a Venetian territory. At this point, he made it his goal to master the form of Renaissance painting this included a perspective, figural style, and the ability to create and stage elaborate narratives, for the work he would create. The mural of Christ healing the blind is one of the pieces that showcases this narration, and is one of his most famous art works created. He also wrote treatises about painting, and the style of work he created for the art world.

Upon moving from Venice, El Greco lived and worked in Rome from 1570 to 1576. He came with a letter of recommendation from the Croatian miniaturist, and this secured him a place to stay and work while in Rome. There he set about mastering the elements of Renaissance Art, including perspective, figural construction, and the ability to stage elaborate narratives. By the time El Greco arrived in Rome, Michelangelo, Raphael and Leonardo da Vinci were dead, but their example continued to be paramount, and somewhat overwhelming for young painters. El Greco was determined to make his own mark in Rome defending his personal artistic views, ideas and style. He stayed with Alessandro Farnese, who was possibly the wealthiest and most influential patron in Rome, during this period. In 1572, El Greco joined the painter's academy, where he was known to have one or two assistants while working here. Although he did not receive the commission he was hoping for in Rome, he did receive numerous requests for portraits, and small scale devotional paintings and sculptures to be created for high end clientele. One of the reasons why El Greco was chastised in Rome, and possibly did not reach the peak of his career there, was due to the fact that he had criticized Michelangelo, and his extensive work, which was highly respected in Rome for this reason, the work El Greco was not viewed for its full potential, and he was ostracized by many for this.

In 1576, El Greco made the move to Spain, where his first bid for royal patronage with Phillip II, failed. It was not until he moved out to Toledo, where he finally became recognized as a great artist, and the potential he had was finally being viewed by peers, and admirers in the art world. El Greco was immortalized in this city, and the piece View from Toledo was quite possibly one of his most famous pieces in the city he found a group of friends and colleagues, and was beginning to make his mark as an artist it was in the city of Toledo where he began making a profitable career for himself as an artist.

While in Toledo, El Greco was commissioned to paint three altarpieces, by Diego de Castilla (who was the dean of the Toledo Cathedral). These pieces were to be painted for the Church of Santo Domingo el Antiguo. These were quite possibly some of the biggest masterpieces the artist created, and were the first major art works he did. They focused on a variety of styles, and unique form which he had picked up while living in Italy. Some hints of naturalism could be seen in the characters, compositional ideas which were learned by the works of Michelangelo were also present in his paintings, and there was also a mannerist emphasis, on the elegant and refined features which were noted, in the three works he was commissioned to create.

During the commission of these works, a dispute between the price that was paid, and what El Greco hoped to earn, led to litigation this not only caused a rift between those who had befriended him in Toledo, but also left a mark on the career which followed. Due to this issue, El Greco never received another sizable commission from the religious authorities, and was never hired to do work on any churches for the remainder of his career. Most of the work and commissions that were received in the later part of his career, came from private individuals, as well as covenants in the city.

The most famous painting which El Greco drew was The Burial of Count Orgaz, which was commissioned by the parish priest (Santo Tome), in Toledo, in 1586. It was a celebration of the financial obligation that people had to the church. The picture is meant to serve as a real world of the viewer, and the fictional world as seen through the painting. This piece is central to the understanding that the art world has to El Greco and his work in general it captures the essence of his art, which is a visionary experience which hasn't been duplicated by any other artist.

El Greco also excelled as a portraitist, mainly of ecclesiastics or gentlemen, who was able not only to record a sitter's features but to convey his character. Although he was primarily a painter of religious subjects, his portraits, though less numerous, are equally high in quality. Two of his late works are the portraits of Fray Felix Hortensio Paravicino (1609) and Cardinal Don Fernando Nino de Guevara (1600). Both are seated, as was customary in portraits presenting important ecclesiastics. By such simple means, the artist created a memorable characterization that places him in the highest rank as a portraitist, along with Titian and Rembrandt.

Late in his career, El Greco rejected the art form as a vehicle for his art, and embraced the self conscious style, known as maneira. This stems from the fact that the artist took the opposite route when the style of mannerism was being rejected in Rome while other artists were turning away from this form of art, El Greco accepted it, and worked it into his pieces. Elongated twists and forms, and unreal colors were some of the basis for his artwork.

I paint because the spirits whisper madly inside my head." - El Greco

Just like Shakespeare on literature, and Sigmund Freud on psychology, El Greco's impact on art is tremendous. Not only was El Greco one of the most influential artists, he was the only Western artist to move the mentality and perception of the art world. With a spiritual basis for his work, he welcomed the new and unseen, while rejecting the perceptions of what art should be, which was something no other artist during his time was willing to do. El Greco is one of the few old master painters who enjoys widespread popularity. Like Johannes Vermeer, Caravaggio, and Sandro Botticelli, he was rescued from obscurity by an avid group of nineteenth-century collectors, critics, and artists and became one of the select members of the modern pantheon of great painters. His works later influenced realist, impressionist, cubist, and abstract painters, including Pablo Picasso, Vincent van Gogh, and Paul Cezanne.


Assista o vídeo: El Greco: El último desafío a Dios 2007 - subtitulos español (Janeiro 2022).