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Arte trácia

Arte trácia

A arte produzida pelo povo da Trácia, como indicam os numerosos objetos preciosos encontrados nas tumbas da Trácia que datam da Idade do Bronze em diante, era, como a própria cultura, uma mistura de ideias indígenas e influências estrangeiras. Embora possa ser difícil distinguir objetos de alto valor locais e importados, as características típicas da arte trácia são o uso de pinturas de parede de cores vivas para decorar tumbas, o uso generalizado de vasos de metal, especialmente para o enterro dos restos mortais do falecido, e intrincadamente peças de joalharia fabricadas em metais preciosos. Finalmente, havia um apreço particular pela cerâmica grega de figuras negras, com muitos dos melhores exemplos desse gênero sobrevivendo nas tumbas da Trácia.

Trácia

O povo trácio foi um dos mais antigos habitantes dos vastos territórios do Leste e Sudeste da Europa durante o final do segundo e primeiro milênios AEC, até que foram conquistados gradualmente pelo Império Romano nos séculos I e II dC. Infelizmente, eles não conseguiram desenvolver sua própria alfabetização, portanto, não deixaram nenhum registro escrito de sua história. A maior parte do nosso conhecimento deles hoje em dia deriva de fontes gregas e romanas, muitas das quais são de precisão questionável e, mais importante, de vestígios arqueológicos ainda encontrados hoje em territórios da Trácia.

Para compreender o significado desta cultura de longa data, somos altamente dependentes dos legados que os antigos trácios deixaram na forma de dados visuais, como decorações de tumbas, vasos de metal, cerâmica, adornos preciosos e outros. Uma análise aprofundada dos artefatos e achados arqueológicos cria uma imagem elaborada do papel que a arte desempenhou na cultura trácia.

A Trácia e seu desenvolvimento cultural foram objeto de constantes alterações e influências estrangeiras.

Como uma civilização composta por muitas comunidades independentes (ou tribos), situada em uma encruzilhada entre a Europa e a Ásia, a Trácia e seu desenvolvimento cultural foram objeto de constantes alterações e influências estrangeiras. Portanto, qualquer tentativa de ver a arte trácia como um fenômeno homogêneo e não afetado não seria inteiramente precisa.

Pintura da Tumba

Os trácios falecidos foram enterrados ou cremados, e seus restos mortais foram depositados em várias estruturas funerárias, desde fossos básicos no solo até sepulturas construídas, sarcófagos ou tumbas monumentais, que são encontradas enterradas sob um monte. O povo trácio tinha fortes crenças na vida após a morte e, naturalmente, os interiores de tais locais de sepultamento foram arranjados de acordo para servir como um espaço sagrado intermediário entre esta vida e a próxima, provido de tudo o que o falecido precisaria para continuar sua jornada espiritual.

Freqüentemente, as paredes de tumbas anteriores eram decoradas com pinturas monocromáticas simplificadas em cores vermelhas e brancas, feitas de materiais orgânicos e continuamente usadas ao longo da antiguidade. Desde os tempos pré-históricos, a cor vermelha e seus matizes eram associados à morte em um contexto funerário, e nas pinturas de tumbas o vermelho era usado para representar a cabeça e o torso do corpo humano, enfatizando sua importância física como recipientes da alma e mente.

História de amor?

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Alguns exemplos posteriores de pinturas em tumbas apresentam cenas figurativas mais complexas e ornamentação mais fina com uma paleta mais vibrante de pigmentos brancos, pretos, vermelhos e amarelos. Cenas da vida cotidiana, como caças, festas, cenas conjugais estavam comumente presentes, assim como vários temas mitológicos e funerários. Todos os motivos acima mencionados remontam ao período arcaico e foram parte fundamental da iconografia funerária de toda a região oriental do Mediterrâneo. A decoração dos túmulos trácios variava significativamente dependendo da localização geográfica e suas relações étnicas, políticas, comerciais e culturais com culturas próximas ou distantes.

Vasos de metal

Um grande número de vasos de metal de excelente qualidade são encontrados regularmente durante as escavações arqueológicas no que antes eram territórios da Trácia. Eles provavelmente serviram uma vida longa como objetos de prestígio de riqueza e poder, usados ​​durante ocasiões importantes ou festas sagradas antes de serem finalmente enterrados. A abundância de tais vasos preciosos em todos os ricos túmulos sugere que, na cultura trácia, eles também eram atributos essenciais que deveriam ajudar o falecido na vida após a morte em perspectiva e garantir a continuidade de seu status e prosperidade na próxima vida.

Grandes vasos de bronze são repetidamente encontrados nos túmulos de trácios ricos, servindo como urnas funerárias para as cinzas dos falecidos.

Pequenos vasos, muitas vezes parte de conjuntos de bebida usados ​​em festas ou ritos religiosos e cerimônias, como phialai, tigelas, rhyta, jarras e filtros eram freqüentemente feitos de metais preciosos como ouro ou prata. O bronze, embora muitas vezes usado como substituto do ouro, também era considerado um material caro, disponível apenas para a elite e era mais comumente usado para vasos de tamanho maior, como hydriai, situlae, bacias, crateras e jarros. Grandes vasos de bronze são repetidamente encontrados nos túmulos de trácios ricos, servindo como urnas funerárias para as cinzas dos falecidos.

Uma forma que ocorria com frequência na Trácia era o phiale, uma tigela rasa côncava sem alças e geralmente com um omphalos central (umbigo). Na vida cotidiana, alguns phialai profundos eram usados ​​como taças para beber vinho, mas, em geral, tinham uma função ritual importante ao despejar libações para os deuses ou ancestrais falecidos. Tanto o phiale do tipo aquemênida com borda flagrante e profundidade rasa quanto a forma grega de borda reta eram familiares na Trácia. Muitos workshops trácios adotaram algumas das características estilísticas estrangeiras, mas também incorporaram suas tradições estilísticas locais.

Outro tipo de recipiente para beber e componente essencial da cultura trácia era sem dúvida o ríton, um recipiente em forma de chifre que geralmente terminava em uma parte dianteira ou cabeça de um animal e um pequeno bico na extremidade inferior para despejar o líquido. Rhyta eram vasos cerimoniais, usados ​​para libações durante festas com bebidas. O grande número encontrado na Trácia sugere que eles eram populares entre os príncipes e dignitários trácios.

É importante notar, no entanto, que as embarcações preciosas encontradas na Trácia nem sempre eram de produção local. A aristocracia trácia desfrutava constantemente de importações estrangeiras, produzidas em várias oficinas em todo o mundo da arte antiga, da Anatólia pré-aquemênida à Grécia clássica, e da Etrúria ao Oriente helenizado. Alguns deles foram trazidos por delegações atenienses como presentes diplomáticos para os chefes tribais trácios locais para garantir o comércio de produtos tão procurados, como metais preciosos, madeira e peles de animais. Outras posses valiosas chegavam por meio do comércio ou como um substituto de pagamento nas transações com as tribos. Por último, mas não menos importante, uma aquisição frequente de navios valiosos muitas vezes acontecia na forma de despojos de guerra.

Cerâmica

Os formatos da cerâmica da antiga Trácia eram extremamente variáveis ​​e mudavam constantemente de acordo com a tendência geral do antigo mundo mediterrâneo da época; portanto, muitos grupos tecnológicos e estilísticos podem ser definidos.

Os primeiros exemplos de cerâmica encontrados em territórios da Trácia, que datam da Idade do Bronze, eram predominantemente feitos à mão, de aparência bastante primitiva e a argila continha muitas impurezas. A cerâmica foi produzida mais em um ambiente doméstico do que em uma oficina. As formas predominantes compreendiam vários tipos de tigelas, jarras, jarras, kantharoi, xícaras e recipientes de armazenamento, e todas elas eram utilizadas na vida cotidiana dos trácios. A decoração era relativamente simples, com vários motivos dispostos em combinações de padrões geométricos por meio de incisão ou estampagem.

Durante os períodos Arcaico Tardio e Clássico, a cerâmica feita com rodas apareceu gradualmente em algumas regiões da Trácia. Os oleiros trácias conseguiram melhorar a qualidade dos potes, utilizando argila com menos impurezas. A forma geral tornou-se mais refinada e algumas influências estrangeiras foram incorporadas ao design.

Um grupo específico de vasos era mais predominante, e era a cerâmica monocromática, freqüentemente chamada de “cerâmica cinza”. Uma característica distinta deste tipo era a superfície geralmente polida com uma cor brilhante, acinzentada a preta. Talvez esse tipo fosse a categoria de baixela mais abundante na antiga Trácia, e seu uso durou até os tempos helenísticos.

Outros achados arqueológicos que datam do período clássico também mostraram uma abundância de vasos gregos decorados com figuras pretas e vermelhas importados, especialmente aqueles de colônias gregas, ocupando partes das costas do Mar Egeu do Norte e do Mar Negro. A abundante descoberta de embarcações naquela região apresenta uma maior variedade de formas como crateras em coluna, crateras em sino, hydriai, lekythoi e pelikai. As cenas decorativas preferidas pelos trácios eram aquelas que manifestavam crenças religiosas ou funerárias.

Durante o período helenístico, a cerâmica Тhraciana passou por mudanças significativas. A popularidade da cerâmica Gray Monochrome foi gradualmente substituída por vários outros grupos estilísticos, como a cerâmica Plain Red, a cerâmica Black-glaze e a cerâmica West Slope.

Jóias

Os trácios eram particularmente habilidosos na fabricação de joias preciosas. Entre os trácios, os adornos de elite não eram vistos apenas como simples ornamentação, mas sim, decorar o corpo e as roupas com objetos preciosos desempenhava um papel essencial na demonstração do status e da riqueza de quem a usava e na ênfase das funções religiosas e cerimoniais desempenhadas pelo indivíduo .

Os primeiros exemplos de joias encontrados na Trácia representam adornos predominantemente associados a vestidos, como pequenas fíbulas e pingentes feitos de bronze, ferro, prata e, mais raramente, ouro. As descobertas ocasionais de pulseiras e brincos eram geralmente um tanto rudes e de aparência pesada, feitas de contas de bronze ou âmbar.

Mais tarde, nos tempos clássicos, um período de Estados gradualmente emergentes e de aristocracia na Trácia, a joalheria atingiu uma função essencial como marca de status político e social, disponível apenas para a elite. O desenho dos preciosos adornos mudou drasticamente e novas formas de estilo grego foram introduzidas. Brincos, pulseiras e anéis eram agora produzidos principalmente em ouro e técnicas decorativas estrangeiras, como fundição, repoussé e filigrana, eram empregadas por artesãos e ourives trácios.

Depois de meados do século 4 aC, a moda de estilo grego evoluiu gradualmente até que as joias trácias se adaptaram quase inteiramente às tradições helenísticas, incluindo o uso de incrustação, esmalte e policromia com formas e designs gregos mais novos e modernos.


Tatuagens

Os humanos marcam seus corpos com tatuagens há milhares de anos. Esses designs permanentes & # 8212 às vezes simples, às vezes elaborados, sempre pessoais & # 8212 têm servido como amuletos, símbolos de status, declarações de amor, sinais de crenças religiosas, adornos e até formas de punição. Joann Fletcher, pesquisadora do departamento de arqueologia da Universidade de York na Grã-Bretanha, descreve a história das tatuagens e seu significado cultural para pessoas ao redor do mundo, desde o famoso "Homem de Gelo", uma múmia congelada de 5.200 anos de idade, até Maori de hoje e # 8217.

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Qual é a primeira evidência de tatuagens?

Em termos de tatuagens em corpos reais, os primeiros exemplos conhecidos foram por muito tempo egípcios e estavam presentes em várias múmias femininas datadas de c. 2000 a.C. Mas após a descoberta mais recente do Homem de Gelo na área da fronteira ítalo-austríaca em 1991 e seus padrões de tatuagem, esta data foi adiada mais mil anos quando ele foi datado com carbono por volta de 5.200 anos de idade.

Você pode descrever as tatuagens no Iceman e seu significado?

Após discussões com meu colega Professor Don Brothwell da Universidade de York, um dos especialistas que o examinou, a distribuição dos pontos tatuados e pequenas cruzes na parte inferior da coluna e nas articulações do joelho e tornozelo direito correspondem a áreas de degeneração induzida por tensão, com a sugestão de que eles podem ter sido aplicados para aliviar a dor nas articulações e, portanto, eram essencialmente terapêuticos. Isso também explicaria sua distribuição um tanto "aleatória" em áreas do corpo que não seriam tão fáceis de exibir se tivessem sido aplicadas como uma forma de marcador de status.

Qual é a evidência de que os antigos egípcios tinham tatuagens?

Certamente há evidências de que as mulheres tinham tatuagens em seus corpos e membros de estatuetas c. 4000-3500 a.C. a ocasionais figuras femininas representadas em cenas de tumbas c. 1200 a.C. e em forma de estatueta c. 1300 a.C., todos com tatuagens nas coxas. Também pequenos implementos de bronze identificados como ferramentas de tatuagem foram descobertos no local da cidade de Gurob no norte do Egito e datados de c. 1450 a.C. E depois, claro, há as múmias com tatuagens, das três mulheres já mencionadas e datadas de c. 2000 a.C. a vários exemplos posteriores de múmias femininas com essas formas de marcas permanentes encontradas em sepulturas greco-romanas em Akhmim.

Qual a função dessas tatuagens? Quem os pegou e por quê?

Como essa parecia ser uma prática exclusivamente feminina no antigo Egito, múmias encontradas com tatuagens eram geralmente rejeitadas pelos escavadores (homens), que pareciam assumir que as mulheres tinham "status duvidoso", descrito em alguns casos como "dançarinas". As múmias femininas, no entanto, foram enterradas em Deir el-Bahari (oposto ao Luxor moderno) em uma área associada a sepultamentos reais e de elite, e sabemos que pelo menos uma das mulheres descritas como "provavelmente uma concubina real" era na verdade uma alta sacerdotisa de status chamada Amunet, conforme revelado por suas inscrições funerárias.

E embora se presuma há muito que tais tatuagens eram marcas de prostitutas ou visavam proteger as mulheres contra doenças sexualmente transmissíveis, eu pessoalmente acredito que a tatuagem de mulheres egípcias antigas teve um papel terapêutico e funcionou como uma forma permanente de amuleto durante o momento muito difícil da gravidez e do nascimento. Isso é apoiado pelo padrão de distribuição, principalmente ao redor do abdômen, na parte superior das coxas e nos seios, e também explicaria os tipos específicos de desenhos, em particular a distribuição em forma de rede de pontos aplicados sobre o abdômen. Durante a gravidez, esse padrão específico se expandia de maneira protetora, da mesma forma que redes de contas eram colocadas sobre múmias embrulhadas para protegê-las e "manter tudo dentro". A colocação de pequenas figuras da divindade doméstica Bes no topo de suas coxas sugeriria novamente o uso de tatuagens como um meio de salvaguardar o nascimento real, uma vez que Bes era o protetor das mulheres em trabalho de parto, e sua posição no topo do coxas um local adequado. Em última análise, isso explicaria as tatuagens como um costume puramente feminino.

Quem fez as tatuagens?

Embora não tenhamos nenhuma evidência escrita explícita no caso do antigo Egito, pode muito bem ser que as mulheres mais velhas de uma comunidade criassem as tatuagens para as mulheres mais jovens, como aconteceu no Egito do século 19 e acontece em algumas partes do mundo hoje. .

Que instrumentos eles usaram?

É possível que um implemento melhor descrito como uma ponta afiada fixada em um cabo de madeira, datado de c. 3000 ANTES DE CRISTO. e descoberto pelo arqueólogo W.M.F. Petrie no site de Abydos pode ter sido usada para fazer tatuagens. Petrie também encontrou o conjunto acima mencionado de pequenos instrumentos de bronze c. 1450 a.C. & # 8212 parecendo agulhas largas e achatadas & # 8212 no local da antiga cidade de Gurob. Se amarrados em um grupo, eles forneceriam padrões repetidos de vários pontos.

Esses instrumentos também são notavelmente semelhantes a instrumentos de tatuagem muito posteriores usados ​​no Egito do século XIX. O escritor inglês William Lane (1801-1876) observou, "a operação é realizada com várias agulhas (geralmente sete) amarradas: com estas a pele é picada em um padrão desejado: um pouco de fumaça preta (de madeira ou óleo), misturada com leite do peito de uma mulher, é então esfregado. Geralmente é realizado por volta dos 5 ou 6 anos de idade e por mulheres ciganas. & # 8221

Como eram essas tatuagens?

A maioria dos exemplos em múmias são em grande parte padrões de linhas pontilhadas e padrões de diamante, enquanto as estatuetas às vezes apresentam imagens mais naturalistas. As tatuagens ocasionalmente encontradas em cenas de tumbas e em pequenas estatuetas femininas que fazem parte de itens cosméticos também têm pequenas figuras do deus anão Bes na região da coxa.

De que foram feitos? Quantas cores foram usadas?

Normalmente, um pigmento escuro ou preto, como fuligem, era introduzido na pele picada. Parece que as cores mais brilhantes foram amplamente utilizadas em outras culturas antigas, como os Inuit, que se acredita terem usado uma cor amarela junto com os pigmentos mais escuros mais comuns.

Esta cabeça mumificada de uma mulher da cultura pré-inca Chiribaya, localizada no Museu Azapa em Arica, Chile, é adornada com tatuagens faciais na parte inferior esquerda da bochecha. (Joann Fletcher) A mão direita tatuada de uma múmia Chiribaya está exposta no Museu El Algarrobal, perto do porto de Ilo, no sul do Peru. Os Chiribaya eram agricultores que viveram de 900 a 1350 d.C. (Joann Fletcher) Uma estatueta feminina pré-dinástica tatuada (c. 4000-3500 a.C.) é exibida no Museu Ashmolean de Arte e Arqueologia em Oxford. (Joann Fletcher) O Metropolitan Museum of Art de Nova York é o lar desta figura feminina pré-dinástica tatuada. (Joann Fletcher) Esta estatueta feminina de Naszca, Peru, está agora exposta no Museu Regional de Ica. (Joann Fletcher) Pequenos instrumentos de tatuagem de bronze (c. 1450 a.C.) de Gurob, Egito, podem ser encontrados no Museu Petrie de Arqueologia Egípcia em Londres. (Joann Fletcher) Esta tigela azul (c. 1300 a.C.), localizada no Rijksmuseum van Oudheden em Leiden, Amsterdã, apresenta um músico tatuado com uma imagem da divindade doméstica Bes em sua coxa. (Joann Fletcher)

O que mais o surpreendeu sobre a tatuagem egípcia antiga?

Que parece ter sido restrito a mulheres durante o período puramente dinástico, ou seja, antes de 332 a.C. Também a forma como alguns dos desenhos podem ser vistos como muito bem colocados, uma vez que se aceita que foram utilizados como meio de salvaguarda da mulher durante a gravidez e o parto.

Você pode descrever as tatuagens usadas em outras culturas antigas e como elas diferem?

Entre as numerosas culturas antigas que parecem ter usado a tatuagem como forma permanente de adorno corporal, sabe-se que os núbios ao sul do Egito usaram tatuagens. Os restos mumificados de mulheres da cultura indígena do grupo C encontrados em cemitérios perto de Kubban c. 2.000-15.000 a.C. foram encontradas tatuagens azuis, que em pelo menos um caso apresentavam o mesmo arranjo de pontos no abdômen observado nas múmias femininas de Deir el-Bahari mencionadas anteriormente. Os antigos egípcios também representavam os líderes homens dos vizinhos líbios c. 1300-1100 a.C. com marcas de tatuagem claras e geométricas em seus braços e pernas e as retratou em cenas de tumbas, templos e palácios egípcios.

Os citas Pazyryk da região da Montanha Altai foram outra cultura antiga que empregava tatuagens. Em 1948, o corpo de 2.400 anos de um homem cita foi descoberto preservado no gelo na Sibéria, seus membros e torso cobertos por tatuagens ornamentadas de animais míticos. Então, em 1993, uma mulher com tatuagens, novamente de criaturas míticas em seus ombros, pulsos e polegar e de data semelhante, foi encontrada em uma tumba em Altai. A prática também é confirmada pelo escritor grego Heródoto c. 450 a.C., que declarou que entre os citas e trácios "as tatuagens eram uma marca de nobreza, e não tê-las era um testemunho de baixo nascimento. & # 8221

Relatos dos antigos bretões também sugerem que eles também foram tatuados como uma marca de alto status, e com "diversas formas de animais" tatuados em seus corpos, os romanos chamaram uma tribo do norte de "Picti", literalmente "o povo pintado".

No entanto, entre os gregos e romanos, o uso de tatuagens ou "estigmas", como eram chamados, parece ter sido amplamente usado como um meio para marcar alguém como "pertencente" a uma seita religiosa ou a um proprietário no caso de escravos ou mesmo como medida punitiva para marcá-los como criminosos. É, portanto, bastante intrigante que durante os tempos de Ptolomeu, quando uma dinastia de monarcas macedônios gregos governava o Egito, o próprio faraó, Ptolomeu IV (221-205 aC), teria sido tatuado com folhas de hera para simbolizar sua devoção a Dionísio, deus grego de vinho e a divindade padroeira da casa real naquela época. A moda também foi adotada por soldados romanos e se espalhou por todo o Império Romano até o surgimento do Cristianismo, quando as tatuagens "desfiguraram o que foi feito à imagem de Deus" e foram proibidas pelo Imperador Constantino (306-373 d.C.).

Também examinamos tatuagens em restos mumificados de algumas das antigas culturas pré-colombianas do Peru e do Chile, que frequentemente reproduzem as mesmas imagens altamente ornamentadas de animais estilizados e uma ampla variedade de símbolos encontrados em seus designs têxteis e de cerâmica. Uma estatueta feminina deslumbrante da cultura Naszca tem o que parece ser uma enorme tatuagem ao redor de seu torso inferior, que se estende por seu abdômen e se estende até sua genitália e, presumivelmente, mais uma vez aludindo às regiões associadas ao nascimento. Em seguida, nos restos mumificados que sobreviveram, as tatuagens foram anotadas em torsos, membros, mãos, dedos e polegares, e às vezes a tatuagem facial foi praticada.

Com extensas tatuagens faciais e corporais usadas entre os nativos americanos, como os cree, os corpos mumificados de um grupo de seis mulheres inuítes da Groenlândia c. 1475 d.C. também revelou evidências de tatuagem facial. O exame infravermelho revelou que cinco das mulheres haviam sido tatuadas em uma linha que se estendia pelas sobrancelhas, ao longo das bochechas e, em alguns casos, com uma série de linhas no queixo. Outra múmia tatuada, datada de 1.000 anos antes, também foi encontrada na Ilha de St. Lawrence no Mar de Bering, suas tatuagens de pontos, linhas e corações confinados nos braços e nas mãos.

Evidências de tatuagem também são encontradas entre algumas das múmias antigas encontradas no deserto de Taklamakan, na China. C. 1200 a.C., embora durante a Dinastia Han posterior (202 a.C.- 220 d.C.), parece que apenas os criminosos eram tatuados.

Os homens japoneses começaram a adornar seus corpos com tatuagens elaboradas no final do século III d.C.

Acredita-se que as elaboradas tatuagens das culturas polinésias tenham se desenvolvido ao longo de milênios, apresentando desenhos geométricos altamente elaborados, que em muitos casos podem cobrir todo o corpo. Após a expedição britânica de James Cook ao Taiti em 1769, o termo dos ilhéus "tatatau" ou "tattau", que significa bater ou golpear, deu ao oeste nosso termo moderno "tatuagem". As marcas então se tornaram moda entre os europeus, especialmente no caso de homens como marinheiros e mineiros de carvão, com ambas as profissões que envolviam sérios riscos e, presumivelmente, explicando o uso quase semelhante a um amuleto de âncoras ou tatuagens de lâmpada de mineiro nos antebraços dos homens.

E quanto às tatuagens modernas fora do mundo ocidental?

As tatuagens japonesas modernas são verdadeiras obras de arte, com muitos praticantes modernos, enquanto os tatuadores altamente qualificados de Samoa continuam a criar sua arte como era feita na antiguidade, antes da invenção do equipamento de tatuagem moderno. Várias culturas em toda a África também empregam tatuagens, incluindo os pequenos pontos nos rostos das mulheres berberes na Argélia, as elaboradas tatuagens faciais dos homens Wodabe no Níger e as pequenas cruzes na parte interna dos antebraços que marcam os coptas cristãos do Egito.

O que os designs faciais Maori representam?

Na cultura Maori da Nova Zelândia, a cabeça era considerada a parte mais importante do corpo, com o rosto embelezado por tatuagens incrivelmente elaboradas ou & # 8216moko, & # 8217, que eram consideradas marcas de alto status. Cada desenho de tatuagem era único para aquele indivíduo e, uma vez que transmitia informações específicas sobre seu status, posição, ancestralidade e habilidades, era descrito com precisão como uma forma de carteira de identidade ou passaporte, uma espécie de código de barras estético para o rosto. Depois que cinzéis de osso afiados foram usados ​​para cortar os desenhos na pele, um pigmento à base de fuligem era aplicado nas feridas abertas, que então cicatrizavam para selar no desenho. Com as tatuagens dos guerreiros feitas em vários estágios de suas vidas como uma espécie de rito de passagem, as decorações eram consideradas como realçando seus traços e os tornando mais atraentes para o sexo oposto.

Embora as mulheres Maori também fossem tatuadas em seus rostos, as marcas tendiam a se concentrar ao redor do nariz e dos lábios. Embora os missionários cristãos tentassem interromper o procedimento, as mulheres afirmavam que as tatuagens ao redor da boca e do queixo evitavam que a pele ficasse enrugada e as mantinham jovens, a prática aparentemente continuou até os anos 1970.

Por que você acha que tantas culturas marcaram o corpo humano e suas práticas influenciaram umas às outras?

Em muitos casos, parece ter surgido de forma independente como uma forma permanente de colocar símbolos protetores ou terapêuticos sobre o corpo, então como um meio de separar as pessoas em grupos sociais, políticos ou religiosos apropriados, ou simplesmente como uma forma de auto- expressão ou declaração de moda.


O Enigma dos Trácios e o Mito de Orfeu

A passagem dos milênios nos trouxe vestígios de civilizações antigas que brilharam o suficiente para fazer seus vislumbres culturais durarem através dos tempos. A própria humanidade tem destaque na arte, cultura e ritos funerários dessas civilizações, então, enquanto de um molusco encontramos apenas um traço de concha fossilizada, de um humano encontramos muito mais do que apenas restos, encontramos pirâmides, montes, esculturas, moedas, ferramentas, armas, scripts, tesouros, casas, palácios, altares e muito mais.

Tudo isso, à luz da arqueologia, nos permite saber mais sobre nossos ancestrais. Mas para alguns deles, como os trácios, o que foi descoberto mal lança uma sombra sobre o que ainda é desconhecido. Existem muitos mistérios em torno desta antiga civilização que ocupou o que hoje é a Bulgária e algumas partes adjacentes da Romênia, Grécia e Turquia.

Em termos arqueológicos, as evidências da civilização em terras búlgaras datam de milhares de anos. Não por acaso foi encontrada em Provadia (Bulgária) a cidade pré-histórica mais antiga da Europa, datada entre 4.700 aC e 4.200 aC, um assentamento fortificado de 350 habitantes. Por outro lado, sabemos que durante anos o tesouro de ouro mais antigo do mundo não foi encontrado na Suméria, nem no Egito, nem na América pré-colombiana, mas em Varna (Bulgária), e data de 4.600 aC.

Cientistas e arqueólogos ainda têm sérias dúvidas sobre quem eram as pessoas que se misturaram aos trácios há cerca de 5.000 anos, de onde surgiria a própria civilização trácia. Mas é sabido que houve quem viesse do Norte para os Balcãs com o seu gado, encontrando um lugar com uma cultura brilhante e atraente. É a mistura da população local com os recém-chegados que nos permite falar hoje dos trácios.

Os trácios são conhecidos por seu exuberante espírito de luta, mas a história de uma população não se constrói apenas com as guerras e as façanhas de seus soldados e chefes, como costuma ser lida nas enciclopédias e nos livros de história. Espalhados pelo sudeste da Europa, havia grupos de homens e mulheres altamente qualificados no trabalho com metais refinados, seguidores de uma mística delicada que adorava a deusa-mãe e que tinham rituais funerários complexos imersos em simbolismo.

Muitos quebra-cabeças surgem quando investigamos os antigos trácios. Por exemplo, eles tinham uma capacidade rara de descobrir e extrair depósitos naturais sem prejudicar a natureza. Arqueólogos e antropólogos continuam a se surpreender com os tipos de práticas tecnológicas avançadas que os trácios estavam usando. Se, como alguns estudiosos acreditam, eles estavam se misturando às pessoas que habitavam as terras búlgaras desde os tempos antigos, eles presumivelmente trocaram conhecimento, e sua sabedoria aumentou à medida que incorporaram as habilidades, práticas e informações da outra cultura.

Então, que mistérios permanecem dos primeiros trácios há mais de 5.000 anos? Embora conheçamos alguns nomes e palavras trácios, aparentemente eles não tinham seu próprio alfabeto e passaram a usar caracteres gregos e latinos para realizar certas inscrições. No entanto, esta língua indo-europeia falada pelos trácios ainda é um mistério e ninguém foi capaz de decifrá-la. ainda. Algumas inscrições bilíngues em caracteres gregos escritos em grego antigo e trácio que foram descobertas no norte da Grécia poderiam talvez ajudar a decifrar o conteúdo dos textos trácios, algo que certamente revelaria informações importantes sobre o povo de quem ainda mal conhecemos nada.

Jornada ao Passado

O rito fúnebre trácio é uma das evidências mais convincentes da crença na vida após a morte e na imortalidade da alma. O Vale dos Reis Trácias fica na região de Kazanlak, onde podemos encontrar vários túmulos, tornando esta área uma verdadeira rota do ritual fúnebre (mais de 500 morros funerários). Estamos no reino dos Odrisios (século V ao século IV aC), governados pelo Rei III Seuthes. Seus montes não atingiram o tamanho colossal das pirâmides do Egito, mas o processo fúnebre trácio teve muitas coisas em comum com o egípcio, não menos importante a ideia de ressurreição e vida após a morte. Fomos de carro até a antiga necrópole da cidade de Seuthes III, chamada naquela época de Seutópolis, e nos dirigimos ao túmulo do próprio rei.

Vale dos Reis Trácias. Crédito: Rumen Kocev

Os restos mortais de Seuthes III foram enterrados com seu cavalo e suas armas, e uma estátua de bronze de sua própria imagem que havia sido colocada em uma câmara especial da tumba, de acordo com as práticas funerárias Órficas. Assim, recordamos os rituais funerários ibéricos em que o guerreiro era sepultado com as suas armas mas colocadas de forma a neutralizá-las, tornando-as totalmente inutilizáveis. Porque? Os textos do antigo geógrafo e historiador grego Heródoto lançam luz sobre esse mistério. Ele afirmou que tudo o que foi destruído ou inutilizado durante os rituais funerários se tornaria útil para a vida após a morte. A lógica dessa filosofia é avassaladora e bela, do meu ponto de vista. Se o ser humano cuja vida foi destruída com o advento da morte, deveria reviver na outra vida, então os objetos tiveram que "morrer" para reviver novamente. A morte era considerada o início de uma nova vida. Nesta passagem, o espírito do falecido viajou para alcançar a morada celestial onde eles ficariam. Nessa viagem, eles precisaram carregar tudo o que precisariam.

A coisa mais valiosa para a elite dos guerreiros trácios era seu cavalo e sua esposa, embora não saibamos realmente em que ordem! Então, eles não apenas sacrificaram seu cavalo, mas também sua esposa favorita. Foi cruel? If, as the ancients used to say, the Thracians wept at births and cheerfully sang at their deaths, far from being a cruel act, the Thracians probably considered it an honour. In fact, wives are said to have argued over who would have the honour of being the chosen one. As the Greek poet Hesiod said: “ When a husband dies, his wives, which are many for each one, argue in competition held by the determination of those who are their close friends and relatives, and claim them to be the deceased husband’s dearest one. The wife who comes out victorious and honoured with a judgment in her favour, which is full of praise and applause of men and women, will be beheaded by a kin hand over the grave of her husband and is buried beside him, while the ones who lost the case, that is for them the greatest infamy, remain mourning they misfortune”.

* This article was originally written in Spanish and has been translated.


'The Mythology of the Severed Head in Symbolist Art: Images and Ideas'

Lynda Harris has degrees in the history of art from three universities. She has taught extra-mural classes in art and symbolism for London University, and at various venues in and around London. Her book, The Secret Heresy of Hieronymous Bosch was published in 1995.

Odilon Redon: 'Orpheus'. C1903-10. Pastel. The Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio.

The motif of the severed or disembodied head has a very ancient history, and can be interpreted in a number of ways. Though often associated with stories of blood, execution or warfare, it can also have further, more positive layers of meaning. For example, skulls dating from as far back as the Palaeolithic period have been found in shrines in many parts of the world. These heads, belonging to holy sacrificial victims or revered ancestors, were worshipped as oracles, miracle workers and powerful intercessors with the spirit realm.1 This ancient tradition can be deeply ingrained. Particularly strong among Celtic peoples, it continues even today in remote parts of the U.K. such as the Pennines. Faces, carved from local stone, can still be placed in special outdoor spots, or set as guardians inside or outside of houses. Stone heads and human skulls have also been found in brooks and streams, continuing an ancient association with water.2

After Christianity had replaced the pagan religions, the worship of a deified, supposedly living disembodied head was no longer acceptable, and this ancient tradition was only able to continue underground. But some images of the severed head remained popular in art and literature. These included heroic tales, culminating in scenes of victors holding up the decapitated heads of their evil enemies. Such stories could be Biblical (Judith beheading Holophernes or David with the head of Goliath) or mythological (Perseus with the head of Medusa). Histories of saintly martyrs decapitated by evil or corrupt persecutors were also common in the Christian tradition. The New Testament story of the beheading of the John the Baptist is probably the best known of these. But though the Baptist was viewed as a holy figure and the forerunner to Christ, he did not achieve the status of the pagan deities. Several relics, each of them supposedly his head, were kept in various Christian churches. They were believed to cure people, but, though sacred, they were not seen as supernaturally alive, and were not worshipped as gods as the ancient heads had been.

The original historic tradition of the supernatural, oracular head remained underground until the late nineteenth century. It then reappeared in the art and literature of the Symbolist tradition, taking on new characteristics appropriate to the time and place. Adding their own visions and interpretations to the traditional ones, the Symbolists depicted living or godlike severed heads in their art for the first time since Antiquity.3

The Symbolists were particularly drawn to two characteristics of the disembodied head. They were attracted, first of all, by the ancient concept of a living head, revered for its holiness, which continued to sing or speak. With its tragic history, this head became an embodiment of purity and martyrdom. In addition, many of these dramatic tales fitted into another recurring theme in Symbolist art and thought. This was the dangerous eroticism of the femme fatale, who brought about the emasculation or destruction of the male victim through her seduction, treachery or violence. This fear of the feminine may have had ancient origins, interrelated with the image of the Great Mother as a source of both birth and death. According to Kristeva, the vulva, associated with the dangerous decapitated head of Medusa by the Greeks, had also been a source of fear among prehistoric peoples. As evidence she sites various artefacts dating back as early as 30,000 BC.4

EXAMPLES OF SPIRITUAL AND SUPERNATURAL DISEMBODIED HEADS IN SYMBOLIST ART AND THOUGHT

Gustave Moreau: 'Thracian Girl Carrying the Head of Orpheus on His Lyre' 1865. Oil on canvas. Musée d'Orsay, Paris.

For the Symbolists, the Greek myth of Orpheus exemplified both martyrdom and misogyny. In the Christian tradition, the myth had been known chiefly as a tale of the Thracian poet/musician&rsquos failed attempt to rescue his love Eurydice from Hades, but the events which followed this are also an important part of the myth.

There are numerous versions of the Orpheus story. The one in Ovid&rsquos Metamorphoses is probably the most widely read. It includes the history of what happened after Orpheus had returned to the earth&rsquos surface. At this stage, desolate after his loss of Eurydice, the godlike poet and singer went to live in the mountains. Here he renounced women, and took up with youths. This angered the wild Maenads or Bacchante, female followers of Bacchus/Dionysus. These women then acted out the ancient mythological story of the dying and rising god. As they had done with Dionysus himself, they turned on Orpheus and tore him apart. The ancient and widespread myth of the sacrificial god has taken many forms, but in all of them the women, in one shape or another, kill and dismember the young demi-god, and afterwards, as benign and motherly females, they begin to worship and mourn him.
These events were rarely depicted or publicised until the Symbolists began taking an interest in them. Influenced by Edouard Schuré&rsquos book The Great Initiates, the Symbolists viewed the tragic Orpheus as an initiate and magician, as well as a great genius of music and poetry with whom they liked to identify. They associated the mysticism, suffering and divinity of Orpheus with those of Christ, another of Schuré&rsquos great initiates. Scenes from the myth which involved the severed head of the dismembered poet/musician had a particular appeal to Symbolist painters. They frequently depicted the head floating down the river Hebrus, resting on its lyre and singing mournfully. According to Ovid, it eventually reached the Mediterranean, and finally, still singing, came to rest on the island of Lesbos. Here, rescued together with the lyre by nymphs or other young maidens, the head of Orpheus became an oracle, visited and worshipped by the Greeks.
Gustave Moreau was the first Symbolist painter to depict the dead Orpheus. His best known painting of the poet&rsquos severed head dates from 1865. Entitled Thracian Girl Carrying the Head of Orpheus on his Lyre, it shows a benign maiden tenderly carrying the head after it has been rescued. Its eyes are closed as though seeing inward visions appropriate to its future role as a speaking oracle.
The Belgian Symbolist Jean Delville was also drawn to the subject. His oil painting The Dead Orpheus of 1893 depicts the head floating on its lyre over a shallow, rippling sea. The picture is overwhelmingly blue-green in colour, though a closer look reveals other subtle tints. The artist, very aware of esoteric ideas and symbolism, thought of blue as particularly spiritual.5 The water near to the shore is scattered with blue-green seashells, and the lyre is beautifully decorated with small pink and blue pearls. The artist&rsquos wife was the model for the effeminate head of Orpheus, which, like the one in Moreau&rsquos painting, has its eyes closed as though in a trance. According to the myth, the lyre would eventually be carried into the sky by the muses, and would take its place among the stars. Its final destination is hinted at by the reflections of stars which dot the ripples in Delville&rsquos scene.

JOHN THE BAPTIST AND SALOMÉ

Gustave Moreau: 'The Apparition'. 1876-77. Fogg Art Museum, Cambridge Massachusetts.

This Biblical story, like the Greek myth of Orpheus, had a special appeal to the Symbolists. The relevant part for them begins when the corrupt tetrarch Herod Antipas kidnaps his deceased brother&rsquos wife, Herodias. Next, after Antipas has renounced his own wife, Herodias marries him. The holy man John the Baptist, disapproving of their actions, criticises Antipas and Herodias. They react by putting him into prison, and soon afterwards, Herodias, planning revenge on the Baptist, asks her young daughter Salomé to dance at the tetrarch&rsquos birthday celebration. Pleased with Salomé&rsquos erotic dance Antipas offers her a reward, and, as is well known, she asks for the head of the Baptist on a platter. Why does she make this particular request? According to the Gospel of St Mark, Herodias tells her to do it. But the Symbolists tended to see the story differently, changing Salomé&rsquos role from innocent (or comparatively innocent) daughter to predatory femme fatale.
Gustave Moreau was the first Symbolist painter to illustrate the story. His sumptuous paintings, with their stress on the corrupt and oriental beauty of the court and Salomé&rsquos role as an exotic femme fatale, had a great influence on Symbolist literature and art. Moreau&rsquos Salome paintings appealed especially to the &lsquodecadent&rsquo author Joris-Karl Huysmans, who described them in dramatic prose in his book A rebours.
6 They also inspired Oscar Wilde, whose play Salome will be looked at further below.
Moreau represented the story of Salomé and the Baptist in numerous sketches, watercolours and oils. The artist&rsquos best known and most influential depictions show her dancing before Herod Antipas in the vast and richly decorated throne room of an oriental palace. In the elaborate and sumptuous oil painting Salomé Dancing Before Herod (1876), the temptress, who is still partially veiled, points a hand at the executioner. Herod watches her, sitting on an elaborate throne surmounted by three statues of Diana of Ephesus. In another version of 1874, the watercolour Salomé with Tattoos, the dancer wears an elaborate headdress and displays her nude body, covered with exquisite tattoos.

Gustave Moreau: 'Salomé with Tatoos'.1874. Musée Gustave Moreau, Paris.

And in a particularly influential work, The Apparition (1876), the gorgeous but inexorable Salomé points to a vision of the Baptist&rsquos future severed head which is suspended above her, dripping with blood and surrounded by a halo and rays of light. Moreau also depicts later episodes. In Salomé in Prison (1873-76), richly but now modestly robed, she stands out of sight, waiting pensively while the decapitation takes place. Later on, in Salomé at the Column (c.1885-90), she is draped in ornately decorated folds of cloth. Standing statue-like on a pedestal, she displays the Baptist&rsquos decapitated head in a pose reminiscent of Moreau&rsquos Thracian Girl Carrying the Head of Orpheus on His Lyre.

Moreau&rsquos images no doubt influenced Oscar Wilde, who produced his own version of the story in a play of 1891. In his portrayal, Salomé is infatuated with the uninterested Baptist, but is finally able to kiss his lips after she has had him decapitated. Wilde&rsquos play was published in 1894, with some amazing black and white illustrations by Aubrey Beardsley. The best known of these is J&rsquoai baisé ta bouche Jokanaan, whose English title is The Climax. It depicts an oriental and predatory Salomé, with snakelike hair, kneeling in the air. Holding the Baptist&rsquos severed and unenthusiastic head, she is about to kiss his lips.

Aubrey Beardsley: 'The Climax'. 1894.

DISEMBODIED HEADS IN THE ART OF ODILON REDON

Odilon Redon: 'Head of Orpheus on the Water'. Charcoal and Pencil. Rijksmuseum Kroller-Muller, Otterlo, Netherlands.

Redon merits a section of his own, as disembodied, living heads appear to have been one of his chief obsessions. He produced a great number of these images. Though some of them depict decapitated heads, the majority represent beings which have always existed independently without bodies. These creatures, which are frequently airborne, tend to look sepulchral and ghostly. Though not gruesome, they are in no way cheerful. Most depictions of them, known as his &lsquonoirs&rsquo, are charcoals and lithographs, executed in black and white. Though disembodied heads populate his works throughout his career, most date from his earlier period, beginning in the 1870s.

Redon did not explain his images, leaving them to the interpretation of the viewer. Nevertheless, it is known that he had esoteric interests, and was influenced by Theosophy and Schuré&rsquos book The Great Initiates.7

According to the thesis of R.J. Mesley, Redon was affected not only by the above esoteric theories, but also by Orphic ideas of the soul&rsquos fall and entrapment in matter. The artist&rsquos sources would have included various Parisian contacts, as well as the works of Symbolist authors such as Baudelaire. In Mesley&rsquos Orphic interpretation of Redon&rsquos works, many of the artist&rsquos numerous disembodied airborne heads (most notably those in his 1879 album of lithographs, Dans le Reve), are images of souls which have fallen from the heavenly world into the world of matter. These souls float in the sublunary realm between the moon and the earth, moving between physical incarnations and sojourns on the moon. Eventually, with the help of a feminine angel figure, the souls will free themselves from the temptation to reincarnate in the physical world, and move on to a more heavenly area.

Odilon Redon: 'Germination' from 'Dans le Reve'.1879. Litografia.

Redon also depicted the decapitated head of Orpheus himself. In two noirs of the early 1880s, the initiate&rsquos head floats on water, without his lyre. Though these scenes are dark, areas of light illuminate the face and parts of the sea. The floating heads have a look of mysticism and concentration, whether their eyes are closed or open.

During the 1880&rsquos Redon began producing works (usually pastels) which were as luminously coloured as his noirshad been dark. Among these is a much later and better known example of the head of Orpheus, dated 1898. In this pastel the lyre and head of Orpheus are washed up on a rocky shore, illuminated by a bright blue and purple sky behind the flowery hills. The initiate&rsquos eyes are closed, and he seems to be engrossed in his inner visions.

Among Redon&rsquos numerous depictions of severed heads there are also, not surprisingly, a number which represent John the Baptist. John&rsquos head can be shown independently on a dish, or in a scene together with Salomé. In a charcoal of 1877 entitled Salomé, for example, the head held on a platter by the lovely yet heartless dancer has features very similar to Redon&rsquos own.9

Salomé is shown again, but very differently, in Redon&rsquos very individual version of Moreau&rsquos &lsquoThe Apparition&rsquodated 1883. Here, she becomes a dark, quiet and apparently menacing figure, standing on the left side of the scene. The stress in this charcoal drawing is on the head of the Baptist, which floats in front of her against the backdrop of a dark doorway. The ghostly and spectral head is surrounded by rays, and partially covered by a dark disk reminiscent of a black sun. Redon&rsquos paintings often have themes of darkness versus light, and it is possible that the artist is hinting here at the attack of corrupt and evil forces against the spirituality of the Baptist or (on a more universal level), the soul of humanity.

In a later coloured pastel by Redon dated 1893, two women in vibrant blue hooded cloaks stand looking down at a holy severed head which radiates light. This work is normally given the title Salomé, but, as Mesley says, the scene might also represent the head of Orpheus, attended by two muses

Odilon Redon: 'Salomé'. C1893. Pastel. Kunsthalle Bremen, Bremen, Germany.

As this article will have shown, the significance of the severed head is particularly complicated, and can be understood in various ways, depending on individual interests. It can be an image of vengeance and horror. It can also represent holiness, purity or (in the esoteric interpretation), the soul. On other occasions, it plays a central part in the story of a dangerous femme fatale. Between them, the Symbolists managed to revive some of the more ancient meanings, and to include all of them into their art.

1. See Julia Kristeva, The Severed Head: Capital Visions, New York, Columbia University Press, c.2012.
2. David Clarke with Andy Roberts, Twilight of the Celtic Gods, An Exploration of Britain's Hidden Pagan Traditions, Cassell PLC, London, 1996, pp.124ff and 138ff.
3. Dorothy M. Kosinski, Orpheus in Nineteenth-Century Symbolism, Ann Arbor, Mich.: UMI Research Press, c.1989, p xiv.
4. Julia Kristeva, The Severed Head, pp.29ff.
5. Francine-Claire Legrand, Symbolism in Belgium, Brussels, Laconti, 1972, p.27.
6. A rebours is translated into English as Against Nature or Against the Grain.
7. See Fred Leeman, 'Redon's Spiritualism and the Rise of Mysticism', pp.215-221, in Odilon Redon 1840-1916, exhibition catalogue, Chicago, Amsterdam and London. Thames and Hudson, 1994.
8. For more of this interpretation see Roger James Mesley, The Theme of Mystic Quest in the Art of Odilon Redon, PhD Thesis, Department of Art History, University of Toronto, 1983.
9. Douglas W. Druick and Peter Kort Zegen, 'Taking Wing, 1870-1878', p.86, in Odilon Redon 1840-1916, exhibition catalogue, Chicago, Amsterdam and London. Thames and Hudson. 1994.
10. Mesley, The Mystic Quest, Chapter One, pp.42-43.

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Thracian Art - History

Wednesday, October 09, 2013

In most of the ancient Greco-Roman world, tattoos were seen as a mark of punishment and shame. The Greeks, who, according to the historian Herodotus, learned the idea of penal tattoos from the Persians in the sixth century B.C., tattooed criminals, slaves who tried to escape, and enemies they vanquished in battle. A famous example has the Athenians tattooing the defeated Samians with an owl, Athens&rsquo hallowed emblem, only to have the favor returned when the Samians defeated the Athenians and tattooed their prisoners with a Samian warship. In the Roman Empire, slaves were marked to show their taxes had been paid. The emperor Caligula tattooed gladiators&mdashas public property&mdashand early Christians condemned to the mines. But among many of the ancient cultures the Greeks and Romans encountered&mdashThracians, Scythians, Dacians, Gauls, Picts, Celts, and Britons, to name a few&mdashtattoos were seen as marks of pride. Herodotus tells us that for the Thracians, tattoos were greatly admired and &ldquotattooing among them marks noble birth, and the want of it low birth.&rdquo A fifth-century B.C. Greek vase (left) depicts a tattooed Thracian maenad, a female follower of the god Dionysus, killing the musician Orpheus as punishment for abandoning Dionysus to worship the sun god, Apollo.

Moche Mask and Mummy

Wednesday, October 09, 2013

The Moche culture of ancient Peru is noted for elaborately decorated ceramics, goldwork, textiles, and murals—and people. While actual physical evidence of tattooing is rare, there are a great number of artifacts indicating that tattooing was likely a common and esteemed practice in the Moche world, according to Edward Swenson of the University of Toronto. Swenson believes that while it’s possible that the markings on the gold mask (left), for example, may represent actual tattoos, they more likely may be stylized “faux” tattoos that were not inscribed on the face of the deceased buried with the mask but, rather, were symbolic of his identity and life force. One interesting motif that is often found is a string of pupating flies ringing the neck, which Swenson believes symbolizes death and rebirth. “If the fly necklace can be interpreted as a kind of tattoo, then I would suspect some individuals were tattooed in important life-crisis rituals, such as after initiates successfully achieved a new social or ritual status,” explains Swenson. “Similarly, shamans are often depicted with anthropomorphized animals, perhaps suggesting their ability to shape-shift in states of trance.” Animals, both realistic and supernatural, also adorn the body of the “Lady of Cao” (top), a well-preserved mummy found at the site of El Brujo in 2005. Her tattoos include stylized catfish, spiders, crabs, felines, snakes, and a supernatural being commonly called the Moon Animal. “We can only speculate about the meaning of these motifs,” says John Verano of Tulane University, who excavated the mummy with El Brujo Project and Museum director Régulo Franco. “But spiders are associated with rain, as well as with human sacrifice and death, and the serpent is an important element associated in many ancient Andean cultures with deities, fertility, and human sacrifice as well,” adds Verano. “Tattoos may very well have been embraced for aesthetic reasons in Moche society, but they probably also played a fundamental role in facilitating transformations into new states of being,” says Swenson.

Head Effigy Pot

Wednesday, October 09, 2013

From about A.D. 1200 to 1600, Native Americans speaking very different languages and living across a vast swath of what is now the United States followed similar religious practices known today as the Southeastern Ceremonial Complex. According to David H. Dye of the University of Memphis, who has studied both ritual depictions on artifacts and the Native American oral traditions, tattooing was a vital part of these shared religious ideas. “They played a role in celebrating the perpetuation of life,” says Dye. “For warriors, facial tattoos were snares for capturing the soul of someone they killed in battle. Capturing those enemy souls through permanent tattoos helped extend not only their own lives, but helped ease the passage of their dead relatives.” Much of the evidence for tattooing comes from ceramic pots that depict heavily tattooed human heads. These vessels were often decorated with bird motifs, which seem to relate to the Birdman, a deity who ensured the daily rebirth of the sun and symbolized the triumph of life over death. Often these tattoos took the form of feathers or raptor claws around the eyes. “By tattooing themselves with bird motifs, they became that supernatural creature,” says Aaron Deter-Wolf of the Tennessee Division of Archaeology. “The tattoos enabled them to embody his force.”

Hollow Ceramic Figurines

Wednesday, October 09, 2013

For more than 1,000 years, a culture flourished in what are now the western Mexican states of Jalisco, Nayarit, and parts of Colima. Most of what we know about the culture comes from artifacts taken from shaft tombs—usually by tomb raiders—including examples of heavily tattooed hollow ceramic figurines. Some scholars believe the figurines depict gods, while Christopher Beekman of the University of Colorado Denver suspects that they may in fact represent the people with whom they were buried. Certainly the designs were intended to communicate identity and status, particularly considering that the figurines appear to have been used in ceremonial contexts, and also set up in residential areas to be seen and visited. According to Beekman, it is notable that the tattooing occurs prominently around the mouth, which may refer, as it does in Classic Maya society, to the breath of life or the capacity of polished speech of these individuals.

Ibaloi Mummy

Wednesday, October 09, 2013

An indigenous people known as the Ibaloi once mummified their honored dead and laid them to rest in hollowed logs in the caves around what is now the Filipino municipality of Kabayan. In life, these ancient people had won the right to be covered in spectacular tattoos depicting geometric shapes as well as animals such as lizards, snakes, scorpions, and centipedes. “According to nineteenth-century ethnographic accounts, Ibaloi head-hunting warriors revered these creatures as ‘omen animals,’” says Smithsonian anthropologist and tattoo scholar Lars Krutak. “The sight of one before a raid could make or break the entire enterprise.” After successfully taking the head of an enemy in battle, a warrior would have these propitious animals permanently etched onto his body. Some Kabayan mummies also feature less fearsome tattoos, such as circles on their wrists thought to be solar discs, or zigzagging lines variously interpreted as lightning or stepped rice fields. “All these tattoos seem to depict the surrounding environment,” says Krutak, who notes that the increased attention paid to the mummies in the last decade has helped fuel a resurgence in traditional tattooing, which had largely died out. Today, thousands of people tracing their descent to the ancient Ibaloi wear designs on their skin modeled after those of their ancestors.


Cleopatra VII - Queen of Ancient Egypt

The last pharaoh of Egypt, ruling before the Romans took control, Cleopatra is known for her relationships with Roman commanders Julius Caesar and Mark Antony, by whom she had three children, and her suicide by snake bite after her husband or partner Antony took his own life. Many have assumed she was a beauty, but, unlike Nefertiti, Cleopatra was probably not. Instead, she was smart and politically valuable.

Cleopatra came to power in Egypt at the age of 17. She reigned from 51 to 30 B.C. As a Ptolemy, she was Macedonian, but even though her ancestry was Macedonian, she was still an Egyptian queen and worshiped as a god.

Since Cleopatra was legally obliged to have either a brother or son for her consort, she married brother Ptolemy XIII when he was 12. Following the death of Ptolemy XIII, Cleopatra married an even younger brother, Ptolemy XIV. In time she ruled along with her son Caesarion.

After the death of Cleopatra, Octavian took control of Egypt, putting it into Roman hands.


Today In History: Leo I The Thracian Is Made Emperor Of The Byzantine Empire (457 AD)

On this day in 457 BC, Leo I the Thracian was made emperor of the Byzantine empire.

His rule spanned for twenty years, during which time he made several courageously ambitious moves that expanded the Eastern Roman Empire while at the same strengthened it.

Many of Leo&rsquos moves were in reaction to problems festering in the Western Roman Empire. Since the onset of the siege by the Ostrogoths, the Western Roman Empire continued losing territory and power. Without a promising leader at the helm, there was little hope for the empire&rsquos recovery.

Wikiwand

Leo offered a promising candidate, Anthemius, to take the seat as emperor of the fledgling empire. In doing so, Leo ended a succession of puppet Caesars whose rise to the throne was purely for show to perpetuate Gaiseric&rsquos power. The Western Roman Empire had not found a way to avoid facing the Vandals. To stand a chance against them, a competent general who could train an army was desperately needed.

Leo was a gifted diplomat, able to make alliances with a number of kingdoms. It was not unusual for deals to come at a cost. His daughter was offered into marriage with the leader of the Isaurians, Zeno, to secure a Byzantine alliance. The deal nearly fell apart after an assassination attempt on Zeno by Aspar, an enemy who would haunt Leo for years.


თრაკიელები

თრაკიელები (ძვ. ბერძნ. Θρᾷκες , ლათ. Thraci ) — პროტო-ინდოევროპული ტომების ჯგუფი, რომლებიც სახლობდნენ ცენტრალურ და სამხრეთ-აღმოსავლეთ ევროპაში. [1] მათ ესაზღვრებოდნენ სკვითები ჩრდილოეთიდან, კელტები და ილირიელები დასავლეთიდან, ძველი საბერძნეთი სამხრეთიდან და შავი ზღვა აღმოსავლეთიდან. ისინი საუბრობდნენ თრაკიულად, რომელიც ინდოევროპული ენების ოჯახს განეკუთვნებოდა. თრაკიელების და მათი კულტურის შესწავლას თრაკოლოგია ეწოდება.


Correction to the lies of the White Mans History

Contrary to the racist revisionism of modern Whites: Rome, like Greece, was a multi-ethnic, multi-racial society. With many Black or mixed-race kings, Black Popes, Black Commanders, soldiers, sailors, and of course citizens. (Being mindful of the White mans propensity for manufacturing fake artifacts to show Whites, there is no guarantee that the following Busts are accurate). And of course, much of our current crop of Greek and Roman sculpture are 18th - 19th century creations. We oftentimes compare Coins with Busts to ascertain the truth. But unfortunately, Whites are also expert at creating perfect fake coins, which look like ancient coins, so there is no guarantee there either. The one saving grace, is that with Black kings, the fabricators will sometimes leave a hint of Blackness in the image, rather than making it appear pure White. Thus from that hint, we can extrapolate.


Gladiator games

Most often, gladiators engaged in one on one combat and would be paired against different types that were considered complementary. Murmillos often fought against Thracians, as well as Hoplomachus, and Retiarius. Retiarius (net and trident wielders) usually faced gladiators armed with more conventional weapons.

Fights were highly organized and monitored by referees. Not all ended in death. Often a fight would end without either combatant dying — the reason for this was quite simple: training and maintaining a stable of gladiators was expensive, so their owners wanted them to survive as long as possible. In the early years of the Colosseum more fights were to the death, but as time went on the contests became less lethal because replacing dead gladiators was costly.

There were other types of violent entertainment that were popular in ancient Rome that have often been connected with gladiators, but which were in fact separate from them.

What animals did Roman Gladiators fight?

That gladiators fought against beasts is a common misconception. Gladiator combat was highly regimented and organized, and gladiators only fought against other human combatants. Wild beasts did appear in the arena, but they usually did so as part of the damnatio ad bestias, which means literally condemnation to beasts, in which criminals and prisoners of war would be publicly executed at the claws and fangs of wild beasts, or as part of mock hunts by professional hunters. There was one type of combatant that fought against wild animals, the bestiarus, but he was not regarded as a gladiator in the same sense as others.

Staged naval battles, the Naumachia

Naumachia, staged naval battles with real ships and combatants, were probably the most spectacular of all Roman blood sports. Unlike gladiator battles which took place somewhat regularly in the arenas of many large cities, naumachia were reserved for special occasions, such as the commemoration of Julius Caesar’s triumph in 46 BC. Participants were often prisoners of war or criminals condemned to death, and the battles were much bloodier than gladiatorial combat and fatality rates much higher.

Naumachia were usually held in specially constructed arenas, large channels or artificial lakes dug specifically for this purpose, but in some occasions they were held in conventional Roman amphitheaters. The Roman Colosseum is known to have held two near the date of its inauguration.

La Naumachia, by Ulpiano Checa

O Coliseu
Piazza del Colosseo, 1 00184 Rome, Italy Metro: Line B - "Colosseo"
Bus: Line 75/81/673/175/204
Tram: Line 3


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