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Qual é a representação mais antiga de um guindaste?

Qual é a representação mais antiga de um guindaste?


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Várias fontes na Internet - como Crane (máquina), A History Of The Crane e O céu é o limite: guindastes movidos a energia humana e dispositivos de elevação - afirmam que os Gregos Antigos foram os inventores do guindaste em algum momento durante o século 6 aC.

Os guindastes foram adotados e aprimorados pelos romanos; a imagem abaixo é a representação mais antiga de um guindaste que consegui encontrar.

"… Parte da rica decoração do túmulo dos Haterii, uma família de construtores que construiu seu próprio túmulo ao longo da antiga via Labicana no primeiros anos do século 2 d.C."(destaque meu) Fonte: museivaticani

Este parece ser um guindaste de roda dentada e é a única representação de guindaste dos tempos antigos que encontrei - mais de 600 anos depois que o guindaste foi inventado.

Existem representações anteriores, por exemplo em relevos, vasos ou murais? Se não, existem outras representações pré-medievais de grous?


O construtor romano Lucceius Peculiaris seria outro exemplo pré-medieval.

Lucceius; Peculiaris; Ex Biso; Redentor; Fecit; Prosceni.

Infelizmente, é aparentemente ainda um pouco mais jovem do que o exemplo da pergunta, século III:

Informações do objeto - geral
Atualmente localizado: Capua, Italien, IT, Museo Provinciale Campano - As informações do lugar são Aufbewahrungsort - Ort im Gazetteer Proveniência: Italien, Capua / Santa Maria Capua Vetere, in den Ruinen des Theatres Categoria / Área / Função cultural: Inschrift; Alívio; Weihung pertence ao monumento: nein Iniciado / encomendado por: Lucceius Peculiaris redemptor prosceni esfera cultural: römisch Datação: spätrepublikanisch. - depois: W. Fuchs - Ende / spätes 3. Cent. n. Chr. - Argumento: Vergleich u. uma. mit Köpfen vom Galeriusbogen sowie Gewändern auf dem Galerius- und Konstantinsbogen / após: G. Zimmer -

3631: Votivrelief des Lucceius Peculiaris Capua, Museo Provinciale Campano (versão maior)

O manuscrito ilustrado Manuscript - Vat.lat.3225, também chamado de Vergilius Vaticanus, do século 4, contém cenas de "construção de uma cidade"

A cena descrita em mais detalhes pode significar:

Enéias e Achats veem Cartago em construção (f.13r); Enéias na frente de Didon (f.16r); Vênus envia a Dido o Amor na forma de Ascânio (f.17r). // {{Informações | Descrição = {{en | 1 = Fólio 13r do Vaticano Vergil (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. Lat. 3225). Enéias encontra Cartago. Ilustração do texto da Ilíada.}} | Fonte = Vaticano Vergil (Vaticano, Biblioteca Apostolica, Cod. Vat. Lat. 3 Src: French WP and WikiMedia Commons

Os romanos são grandes, os gregos são ainda maiores? Mas eles são jovens. Como se trata do mais antigo desses dispositivos, geralmente temos que examinar a Mesopotâmia ou o Egito?

Lá nós encontramos

Este relevo de Nínive mostra um homem com um shaduf (um balde preso a uma viga longa, com peso em uma extremidade e equilibrado de forma que o balde suba facilmente.). Ele está mudando o curso de um riacho para ajudar os trabalhadores de Senaqueribe a mover uma escultura gigante.
Relevo do painel de parede de alabastro em duas partes: mostrando um touro alado para o palácio de Senaqueribe saindo da pedreira. O touro, quase acabado, foi colocado em um trenó que avança sobre rodas, puxado por prisioneiros de guerra. Quatro capatazes, dois com trombetas, dirigem a operação do topo do colosso. À esquerda, o rei está em uma carruagem puxada à mão. Alguns homens retiram pedras da trilha; outros puxam uma longa alavanca, presa no lugar para deslocar a carga quando ela prender. Abaixo, os homens usam baldes, presos a braços contrapostos para levantar água e desviar um riacho. De painel em relevo de gesso em duas partes: mostrando um touro alado para o palácio de Senaqueribe saindo da pedreira.

Régua: Senaqueribe, Neo-Assírio, Data 700BC-692BC

Alguns acreditam que esse tipo tenha sido usado na construção de pirâmides da Núbia.

Em todo o caso:

Uma das primeiras versões do guindaste a ser desenvolvida foi o shaduf, usado pela primeira vez para mover água no Egito há cerca de quatro mil anos. O shaduf consiste em uma longa viga pivotante equilibrada em um suporte vertical. Um peso pesado é preso a uma extremidade da viga e um balde à outra. O usuário puxa o balde até o abastecimento de água, enche-o e permite que o peso puxe o balde para cima. O feixe é então girado para a posição desejada e o balde é esvaziado. O shaduf ainda é usado em áreas rurais do Egito e da Índia.

E desde os tempos de Augusto

O trabalho de construção estava exigente. O uso expandido de grandes peças de mármore e outras pedras pesadas como o granito exigiu aparelhos de elevação cada vez maiores. Feitos de madeira, há poucos vestígios materiais desses aparelhos, mas eles aparecem na arte e na literatura. Uma placa de terracota da Via Cassia mostra um general em armadura de pé em meio a representações de um troféu militar, uma vitória voadora e uma representação ajoelhada identificada como Roma. Em ambos os lados estão figuras menores operando guindastes de chave inglesa para levantar pedras quadradas para paredes maciças (Schäfer 435-436; Figura 6). Embora as interpretações dessa cena variem, obviamente, a inclusão de um ato de construção pressupõe familiaridade e potente significado para a construção. Da mesma forma, uma escultura de Cápua comemorando uma visão de Lucceius Peculiaris, possivelmente um empreiteiro para a reconstrução augustana do anfiteatro, mostra um guindaste e um guindaste giratório levantando uma coluna monolítica (Sear 7). Vitruvius dedicou um capítulo inteiro às máquinas de içar que ele associa com uma certa magnificência (10.1.2).

Diane Favro: "Reading Augustan Rome: Materiality as Rhetoric in Situ", Advances in the History of Rhetoric, 20: 2, 180-195, DOI: 10.1080 / 15362426.2017.1326325


Qual é a representação mais antiga de um guindaste? - História

Os rtistas ao longo da história se inspiraram nos pássaros. As formas parte pássaro e parte humana têm sido freqüentemente usadas para representar fenômenos sobrenaturais ou habilidades humanas aprimoradas, especialmente aquelas de visão (cabeças de pássaros) e velocidade (asas de pássaros). Talvez a representação artística mais antiga de pássaros ou partes de pássaros seja um homem pré-histórico com cabeça de pássaro que data de 15.000 a 10.000 a.C. Ele é pintado em uma das paredes da Caverna de Lascaux, na França - o tesouro de arte da Idade da Pedra frequentemente descrito.

Os antigos egípcios consideravam os pássaros como "almas aladas", eles ocasionalmente os usavam para simbolizar deuses específicos. O símbolo de Hórus, o deus do sol (e o deus local do Nilo Superior), era a cabeça ou corpo de um falcão. Em uma estátua do rei Chefren de Gizé em seu trono (c. 2500 a.C.), o rei não está sentado sozinho - o falcão de Hórus está empoleirado atrás de sua cabeça e suas asas envolvem os ombros do rei. O pássaro parece estar cuidando do rei e de seu reino. Posteriormente, os raptores têm sido freqüentemente usados ​​para representar o poder nacional - até o símbolo nacional dos Estados Unidos. (Gostaríamos de pensar que os pais fundadores não reconheciam o hábito da águia-careca de catar peixes mortos e se alimentar em lixões.) Enquanto os pássaros predadores costumam ser usados ​​na arte para simbolizar o poder, as pombas (presas frequentes de raptores) costumam representar a paz .

Quimeras aladas simbólicas como Pegasus, o cavalo voador, são recorrentes. O poder da esfinge, indicado pela fusão de uma cabeça humana com o corpo de um leão, às vezes é aumentado pelas asas de um pássaro. Se a Grande Esfinge tinha asas, elas já se foram, mas as da Esfinge alada de Naxos (500 a.C.) permanecem resplandecentes. Tanto a vitória quanto a liberdade continuam associadas às asas dos pássaros. Eles são, por exemplo, a característica marcante da famosa escultura de mármore helenística a "Vitória Alada" de Samotrácia (200 a.C.). Essa deusa parcialmente aerotransportada, por sua vez, tornou-se o protótipo de incontáveis ​​desenhos e pinturas políticas modernas.

Pintassilgos, que aparecem comumente em manuscritos iluminados na Idade Média, foram associados ao menino Jesus. No sul da Itália e na Sicília, os pintassilgos eram comumente soltos na época em que uma figura representando o Cristo ressuscitado aparecia nas celebrações da Páscoa. Poderia a predileção dos pintassilgos por cardos espinhosos ter lembrado a coroa de espinhos e, assim, levado à sua associação com Cristo? Durante a Renascença, a maioria das pinturas eram religiosas e anjos com asas de pássaros eram comuns. Parece que as inúmeras representações da Anunciação diferem mais no uso de asas de diferentes espécies de pássaros.

Os nativos americanos que viviam na costa noroeste do nosso continente eram consagrados artistas de pássaros. Eles usavam representações estilizadas de corvos (que eram considerados deuses e desempenhavam um papel central em sua religião), águias e ostraceiros, etc., em máscaras esculpidas e chocalhos, bem como em telas pintadas, tambores e caixas. Embora o uso simbólico dos pássaros (e partes de sua anatomia) seja antigo, as representações da biologia dos pássaros não são de forma alguma uma invenção moderna. Por exemplo, um carrapato estilizado catando parasitas nas costas de um touro é pintado em um pedaço de cerâmica que data do final da Micênica, mais de mil anos antes de Cristo, e um livro inglês antigo contém a imagem de uma coruja sendo atacada por uma multidão.

A representação realista dos pássaros na natureza tornou-se cada vez mais evidente nas pinturas ocidentais e orientais do século 18, mas ilustrar a biologia dos pássaros não foi elevada à sua posição atual como uma forma de arte até o trabalho de John James Audubon no início do século XIX. Audubon foi um dos primeiros artistas a retratar com precisão a biologia dos pássaros e certamente o primeiro a consistentemente pintar seus temas com tanto drama que se estabeleceu como uma figura significativa na história da arte também. Reproduções de suas aquarelas em tamanho natural foram impressas no famoso "Double Elephant Folio" dos Birds of America. Os contornos foram impressos em enormes placas de cobre gravadas e a coloração habilmente feita à mão. As fotos costumavam ilustrar aspectos da biologia das aves: plumagens variadas, nidificação, alimentação, defesa contra predadores, exibição e assim por diante. Menos de 130 dos 200 conjuntos originais coloridos à mão de 435 placas sobreviveram intactos. O valor atribuído a eles como obras de arte pode ser julgado a partir dos preços comandados pelos pratos individuais de conjuntos que foram quebrados. Em um leilão no final de 1985, muitos pratos, incluindo Flamingo, Trumpeter Swan, Gyrfalcons e Snowy Owls, foram vendidos por mais de $ 25.000 cada. O dólar superior, US $ 35.200, foi pago por um exemplo do retrato de Audubon de um grupo de sete Periquitos da Carolina que se foram há muito tempo.

As vocalizações de pássaros, é claro, costumam figurar nas obras da literatura, especialmente na poesia, como nos lembram as palavras de Milton, Keats, Shelley e outros sobre as canções dos rouxinóis. O chamado do cuco europeu foi apresentado no coro de pelo menos uma canção de ninar. Talvez a transferência de temas mais difundida do mundo aviário para o mundo da arte humana tenha ocorrido na dança. Os povos da costa noroeste têm danças excepcionais de corvos e ostraceiros. Os rituais de namoro dos guindastes são imitados nas danças das tribos africanas, os Ainu do Japão, os aborígenes australianos e os nativos americanos. Pode-se até imaginar que os guindastes tenham, direta ou indiretamente, influenciado o balé da mesma forma que Peter Tchaikovsky foi influenciado pelos cisnes há mais de um século, quando compôs O Lago dos Cisnes.

O uso simbólico de pássaros continua até hoje. Por exemplo, muitos anúncios de televisão apresentam o águia-careca ou falcões variados para sugerir patriotismo, confiabilidade, velocidade ou machismo. O pavão "orgulhoso" é o símbolo de uma grande rede. Clipes de filmes de pássaros voando, se alimentando, cantando e cortejando também são freqüentemente usados ​​em programas de natureza e de relações públicas para indicar as condições pacíficas e primitivas que estão rapidamente desaparecendo de nosso planeta. A arte dos pássaros parece estar se tornando mais popular à medida que os próprios pássaros começam a desaparecer. Pinturas, gravuras e esculturas de pássaros modernos são muito procurados, especialmente porque as obras de Audubon e outros "antigos mestres" aviários não estão disponíveis para a maioria. Crianças criadas com a imagem de um "Big Bird" onisciente podem muito bem ver os pássaros de forma diferente de seus pais, criados com Woody Woodpecker e Daffy Duck, mas parece certo que os pássaros e sua biologia irão, de uma forma ou de outra, permanecerá embutido nas artes e na psique humana por muito tempo.

Copyright & reg 1988 por Paul R. Ehrlich, David S. Dobkin e Darryl Wheye.


História dos guindastes na arte chinesa

Desde os tempos antigos, os chineses têm sido excepcionalmente criativos no uso de vários objetos vivos, não vivos e imaginários para representar ideias abstratas. Eles têm um símbolo para tudo, incluindo vida, morte e longevidade. Uma olhada na arte e nos tapetes chineses pode educar sobre a miríade de símbolos chineses. Entre os símbolos mais populares e amplamente usados ​​estão os de longevidade. Eles incluem bambu, cigarra, pêssego, cabaça, pinheiro, veado e guindaste.

Os guindastes, ou garças, como também são chamados, desempenham um papel importante na mitologia chinesa. Na cultura chinesa, o grou é venerado como o príncipe de todas as criaturas emplumadas e, portanto, tem um status lendário. Incorporando longevidade e paz, é o segundo símbolo de ave mais favorecido depois da fênix. Ao longo dos tempos imperiais, motivos guindastes foram usados ​​nas vestes dos funcionários civis para representar suas fileiras. Por causa de sua habilidade de voar alto e por longas distâncias, suas asas foram usadas como um amuleto para proteção contra exaustão.

Existem quatro tipos de guindastes na mitologia chinesa: branco, preto, azul e amarelo. Mas, em vez da cor, o cenário e as posturas do cisne são mais importantes. Um guindaste que é mostrado com suas asas esticadas e uma perna levantada significa longevidade. Quando mostrado sob um pinheiro perto de um veado-malhado, simboliza uma vida prolongada. Aquele que é mostrado entre as flores peônia representa prosperidade e longevidade, enquanto aquele que é mostrado com flores de lótus simboliza pureza e longevidade.

Se um guindaste chinês é mostrado voando em direção ao sol, isso significa um desejo de promoção social. Um guindaste que é mostrado empoleirado em uma rocha e olhando para o sol representa uma autoridade importante que pode ver tudo. Dois guindastes andando ou voando juntos são o símbolo máximo de longevidade.

Como os guindastes voam no céu azul claro acima da terra empoeirada, eles também são considerados símbolos de limpeza e pureza. Quando um sacerdote taoísta está em seu leito de morte, as pessoas dizem que ele está se transformando em uma garça emplumada. Muitos chineses ainda acreditam que os guindastes levam seu espírito para o céu depois de morrer. Com um status tão reverenciado e lendário, não é de admirar que os guindastes apareçam consistentemente na arte e nos tapetes chineses.

A representação de guindastes na arte chinesa e nos tapetes antigos é quase inteiramente baseada em seu significado mitológico e simbolismo. Mas há uma ligeira diferença entre a maneira como são retratados na arte e no carpete. Enquanto na arte eles geralmente são mostrados sozinhos, em pares ou em grupo em um belo cenário natural, como um lago ou cachoeira, em tapetes eles podem ser mostrados com outros símbolos, como um leão.

Uma das representações mais populares de guindastes em tapetes chineses é um guindaste de crista vermelha voando entre as nuvens e as rosas, simbolizando longevidade, sabedoria e nobreza. Outra representação popular é um guindaste pairando sobre um cervo pastando sob um pinheiro. Dois guindastes dançando no chão ou voando juntos também são muito comuns. Em qualquer cena que os guindastes sejam representados, seu simbolismo na arte e nos tapetes chineses é sempre importante.

Este blog de arte sobre o significado e o simbolismo dos guindastes na arte chinesa foi publicado por Nazmiyal Antique Rugs


Animais de estimação antigos

Os arqueólogos sabem há muito tempo que os cães foram domesticados durante o período Neolítico. Ossos de cachorro que datam de cerca de dez mil anos foram encontrados perto de assentamentos humanos, disse Zeder. As evidências de que os cães ajudaram em missões de caça foram menos óbvias de imediato.

Robert Losey, professor da Universidade de Alberta, é um especialista em relações ancestrais entre humanos e animais, especialmente com cães. Ele encontrou evidências de que um cachorro de 10.000 anos permaneceu na Sibéria, mas não tem certeza do papel exato que esses cães desempenharam. Os restos mortais, disse ele, foram enterrados deliberadamente, com os esqueletos totalmente intactos - o que significa que provavelmente não seriam uma fonte de alimento.

"Houve um trabalho etnográfico mostrando que o auxílio de cães melhorou muito a produtividade da caça", disse ele. Seu palpite é que a domesticação de cães coincidiu com, ou foi auxiliada por, humanos que se beneficiaram da caça com os amáveis ​​caninos. Ele acha que é plausível que a arte mostre os cães sendo conduzidos por coleiras.

“As ligações emocionais que as pessoas têm com os cães são muito, muito antigas”, disse ele. (Saiba mais sobre como os cães podem ter nos domesticado.)

Guagnin observou em seu estudo que o nível de detalhes usado para representar os cães indica que o artista ou os artistas podem ter tido uma ligação estreita com os animais.

Embora Zeder seja cética em relação às afirmações de Guagnin sobre a idade das esculturas, ela concorda que a arte mostra esses fortes laços.

“O que me impressiona sobre a arte rupestre é o grau de detalhamento. As diferentes marcas dos cães, a faixa de ombro comum, as manchas brancas. O nível de realidade artística e de detalhes é realmente notável”, disse Zeder.

Guagnin e sua equipe planejam retornar a Jubbah, onde acreditam que mais sítios neolíticos aguardam exploração, que datam de 10.000 aC. Eles procurarão evidências físicas de que os cães estavam de fato presentes na região naquela época.


Representação mais antiga da 'serpente de fogo' encontrada na pintura medieval

Pesquisadores italianos que examinaram uma pintura medieval podem ter encontrado a representação visual mais antiga da dracunculíase, uma infecção parasitária horripilante na qual um verme de até um metro de comprimento se arrasta para fora da pele.

Atualmente endêmica em áreas no Chade, Etiópia, Mali e Sudão do Sul, a doença é transmitida a pessoas que bebem água infestada por pulgas d'água que estão no Ciclope gênero, e que contêm larvas do verme da Guiné (Dracunculus medinensis) Um ano após a pessoa ingerir a água contaminada, um verme parecido com espaguete de 0,6 a 1 metro de comprimento irrompe de uma área com bolhas na pele da pessoa - geralmente na parte inferior da perna, de acordo com o World Health Organização.

Para aliviar a dor e a sensação de queimação que o verme provoca ao entrar em erupção, as vítimas procuram água, fazendo com que o verme expulse suas larvas, o que inicia todo o ciclo novamente. [Os 10 parasitas mais diabólicos e repugnantes]

De acordo com um estudo a ser publicado em uma próxima edição do Journal of Infection, a dracunculíase aparece claramente pela primeira vez em um retábulo do século 15 em exibição na Pinacoteca di Brera (Galeria de pinturas), localizada na região de Puglia, no sul da Itália.

A obra de arte é considerada um raro exemplo de pintura do gótico tardio na Apúlia e retrata São Roch, um peregrino francês do século 14 que, segundo se diz, curou vítimas da peste e que ele mesmo adoeceu.

"De fato, St. Roch é tipicamente representado com um bubão na parte superior da coxa", disse o paleopatologista Raffaele Gaeta, da Universidade de Pisa, Itália, ao Live Science.

A pintura em Bari, que mostra o santo como um homem barbudo com longos cabelos loiros encaracolados, não é exceção. O pintor anônimo retratou São Roque com um inchaço na coxa esquerda, tornado visível por uma meia enrolada.

“No entanto, o retábulo adiciona um detalhe novo e realista: um filamento branco e fino sai da lesão e quase atinge o joelho”, disse Gaeta.

Ele observou que os historiadores da arte identificaram erroneamente esse elemento como uma longa gota de pus que emerge da ferida infectada. [25 terríveis descobertas arqueológicas]

"Acreditamos, em vez disso, que o pintor retratou um caso antigo de dracunculíase, uma doença infecciosa causada por um verme nematóide, o Dracunculus medinensis, bem conhecido na antiguidade ", escreveram Gaeta e seus colegas Fabrizio Bruschi e Valentina Giuffra em seu estudo.

A dracunculíase assola a humanidade há milhares de anos. O Antigo Testamento da Bíblia, datado de 1450 a.C., refere-se ao verme, de acordo com o Carter Center. É mencionado no papiro médico egípcio de Ebers, datado de 1550 a.C., que sugeria extrair o verme do corpo enrolando-o em um pedaço de pau - um método usado ainda hoje.

Outras evidências da existência do verme no antigo Egito foram fornecidas na década de 1970: Um verme da Guiné calcificado foi encontrado na cavidade abdominal de uma múmia de 3.000 anos.

Os parasitologistas acreditam que as "serpentes de fogo" bíblicas que atacaram os israelitas que escaparam do Egito podem ter sido vermes da Guiné. A infecção teria se espalhado no Oriente Médio na época do êxodo, como estava até recentemente.

"O verme não mata, mas deixa a vítima na miséria incapacitante", disse Gaeta.

"O parasita poderia ter ganhado o apelido de 'serpente ígnea' porque causa uma dor insuportável em queimação ao irromper pela pele", acrescentou.

Embora a doença não seja documentada na Itália, é possível que o pintor anônimo tenha notado o parasita na ferida de algum viajante que chegou a Bari, porto importante para quem viaja para o Oriente, principalmente Síria e Palestina.

"Ele então adicionou o longo e fino filamento branco que sai da perna como uma nota de extremo realismo", disse Gaeta.

Segundo Francesco Galassi, paleopatologista do Instituto de Medicina Evolutiva da Universidade de Zurique, a pesquisa "oferece espaço para uma reflexão mais geral sobre a importância da prevenção de doenças infecciosas para viajantes internacionais no mundo moderno".

"Acho bastante cativante que os autores levantem a hipótese de que esta doença pode ter sido retratada em um indivíduo vindo para Bari de regiões onde, ao contrário da Península Italiana, a condição era endêmica", disse Galassi ao Live Science.

Como resultado de uma campanha de 30 anos liderada pelo Carter Center, uma instituição de caridade criada pelo ex-presidente Jimmy Carter, a dracunculíase provavelmente será a segunda doença humana na história a ser erradicada depois da varíola. Será a primeira doença parasitária a ser exterminada e a primeira a ser erradicada sem o uso de um medicamento ou vacina.

Em 2016, apenas 25 casos de doença do verme da Guiné foram relatados em todo o mundo, abaixo de uma estimativa de 3,5 milhões de casos em 1986, de acordo com o Observatório de Saúde Global da OMS.


A representação inicial de Jesus pode ter sido descoberta na estrutura egípcia antiga

Uma equipe de arqueólogos catalães descobriu o que eles acreditam ser uma das mais antigas representações de Jesus feitas pelos primeiros cristãos coptas no Egito.

Os pesquisadores descobriram uma estrutura subterrânea em uma série de tumbas enterradas que datam dos séculos 6 e 7. Entre os coptas, ou primeiros cristãos, imagens pintadas nas paredes da estrutura foi o que o pesquisador-chefe Josep Padró descreveu como "a figura de um jovem, com cabelos cacheados, vestido com uma túnica curta e com a mão levantada como se estivesse dando uma bênção. "


Foto cortesia da Universidade de Barcelona.

"Podemos estar lidando com uma imagem muito antiga de Jesus Cristo", disse Padró ao La Vanguardia.

Os pesquisadores removeram 45 toneladas de rocha para acessar as paredes onde foi encontrada a pintura, situadas entre vários locais que Padró escava há 20 anos.

O desenho está bloqueado enquanto os pesquisadores começam a traduzir as inscrições que o cercam.

Em 2011, arqueólogos que trabalhavam perto do Mar da Galiléia descobriram um livreto de 2.000 anos com o que se pensava ser uma das primeiras representações de Jesus. O livreto supostamente trazia a inscrição "Salvador de Israel", mas sua autenticidade foi posteriormente questionada.

CORREÇÃO: Um título anterior deste artigo sugeria incorretamente que a representação encontrada no Egito era a mais antiga que se sabe, mas outras imagens que se acredita serem de Jesus são anteriores a ela. O artigo também foi atualizado para refletir dúvidas sobre a autenticidade do livreto 'Salvador da Galiléia', e uma referência ao túmulo de um escriba foi removida para esclarecer que a imagem foi descoberta em uma estrutura não identificada.


Senhora américa, a nova minissérie FX do criador Dahvi Waller, conta a história do movimento de libertação das mulheres por meio das mulheres atraentes e contenciosas que o moldaram. O drama histórico de nove episódios, cujos três primeiros episódios estão agora transmitidos no Hulu, concentra-se principalmente na luta política em torno da ratificação da Emenda de Direitos Iguais e na reação inesperada liderada por Phyllis Schlafly, a conservadora “queridinha da maioria silenciosa”.

A minissérie segue líderes de ambos os lados do debate, com Schlafly lutando contra a emenda e os co-fundadores do National Women’s Political Caucus Gloria Steinem, Betty Friedan, Shirley Chisholm, Bella Abzug e Jill Ruckelshaus lutando por ela. Tecendo várias histórias, tanto pessoais quanto políticas, a série oferece um retrato matizado das batalhas em torno do movimento pelos direitos das mulheres no início dos anos 1970. No entanto, como uma isenção de responsabilidade que apresenta cada episódio, observa: “Alguns personagens do programa são fictícios e algumas cenas e diálogos são inventados para fins criativos e de enredo.” Então, o que é real e o que foi inventado? Consultamos os livros de história para detalhar os três primeiros episódios da série.

Assim como na vida real, Phyllis Schlafly, a anti-heroína loira e afetada do programa, construiu sua carreira defendendo os papéis femininos tradicionais e mobilizando a oposição conservadora ao movimento de libertação das mulheres. Como retratado por Cate Blanchett, que também é produtora executiva do programa, Schlafly prova ser um personagem constantemente subestimado e assustadoramente inteligente, cheio de contradições.

Quando o programa começa, a mãe de seis filhos de Illinois está se preparando para ir a um talk show para discutir um livro que ela escreveu sobre a defesa nacional. Embora não seja amplamente conhecida, a verdadeira Schlafly, que morreu em 2016 aos 92 anos, de fato passou grande parte de sua carreira estudando e escrevendo sobre questões relacionadas à segurança nacional. Em seu livro de 1965 Ataque do espaço, co-escrito com o contra-almirante Chester Ward, Schlafly observa que durante a Segunda Guerra Mundial ela trabalhou como "artilheiro de balística e técnica na maior fábrica de munição do mundo". Ela permaneceu uma voz política ativa na Guerra Fria e na defesa nacional ao longo de sua vida, embora essa parte de sua carreira tenha sido em grande parte eclipsada por seu papel em conter o movimento de libertação das mulheres.

Ao longo de sua carreira, Schlafly teve ambições políticas, às quais o programa faz referência nas conversas de Schlafly com seu marido. Ela concorreu à Câmara dos Representantes dos Estados Unidos em 1952 e novamente em 1970, embora tenha perdido as duas eleições em seu distrito democrático de Illinois. Embora ela defendesse questões conservadoras, fosse ferrenhamente anticomunista e achasse que até Richard Nixon era moderado demais em direitos civis, Schlafly, ao que parece, não se interessou seriamente pelas questões femininas até os anos 1970. Durante a maior parte do primeiro episódio, Schlafly parece ter pouco interesse no ERA ou na libertação das mulheres, dizendo "há tantas coisas mais importantes ... como a segurança nacional." Este parece ser um retrato preciso das verdadeiras opiniões de Schlafly até 1970. De acordo com seu obituário no New York Times, “Sra. Schlafly mal percebeu a Emenda de Direitos Iguais quando ela foi debatida pela primeira vez no Congresso. ” Somente em 1971, quando a emenda já havia sido aprovada pela Câmara, ela se levantou contra ela, fundou a STOP ERA (como no programa, STOP era um acrônimo para Stop Taking Our Privileges), e se nomeou a presidente.

A descrição do programa da ascensão de Schlafly ao poder político também é bastante fiel aos registros históricos da época. Com a publicação de seu boletim conservador, o Relatório Phyllis Schlafly, ela começa uma campanha popular para se opor à ratificação do ERA. Ela argumentou que a emenda teria prejudicado as mulheres em vez de ajudá-las, eliminando proteções como o direito à pensão alimentícia e a isenção do projeto. O programa eventualmente reconhece que grande parte dessa retórica foi exagerada no fomento do medo, mas às vezes parece suavizar algumas de suas arestas mais ásperas a fim de torná-la mais simpática aos espectadores modernos, como quando mostra seu desconforto com alguns dos mais de STOP ERA membros abertamente racistas. Na vida real, Schlafly estava entre os "conservadores morais" que, na Convenção Nacional Republicana de 1960, se opuseram ao plano do partido de "ação agressiva" contra a segregação.

No show, Fred Schlafly (John Slattery) é retratado como o tipo de figura masculina benignamente protetora que se tornou familiar em dramas de época como Homens loucos, em que Slattery também estrelou. Ele é bonito, bem-sucedido, charmoso, interessado em si mesmo e condescendente. Embora Fred afirme apoiar as ambições políticas de sua esposa, ele expressa reservas em particular porque teme que seu trabalho interfira em suas responsabilidades primárias como esposa e mãe. No episódio 1, ele quase pede que ela não se candidate ao Congresso novamente, alegando que isso “separaria a família”, e ela concorda. Não está claro se essa foi de fato a dinâmica privada no casamento dos Schlaflys, mas, seja qual for o motivo, é verdade que ela não concorreu para o cargo novamente.

Em uma entrevista para a Vanity Fair, a filha de Schlafly, Anne Schlafly Cori, afirmou que a descrição do programa da tensão conjugal de seus pais é inteiramente fictícia: “Meu pai e minha mãe tinham um relacionamento realmente maravilhoso”, disse Cori à Vanity Fair. “Eu acho que a alegria que eles tiveram no casamento influenciou muito seu ponto de vista sobre o papel do homem e da mulher juntos. O casamento deles foi feliz porque foi um encontro de mentes. Intelectualmente, emocionalmente e espiritualmente, eles estavam na mesma página e complementavam-se. ”

Os primeiros episódios mostram Schlafly sendo repetidamente menosprezada, ignorada e assediada em suas negociações políticas por homens menos qualificados e conhecedores do que ela. A certa altura, ela é convidada a fazer anotações em uma reunião como se fosse uma secretária. Embora não esteja claro se os detalhes específicos dessas interações são baseados em fatos, o tratamento segue o que sabemos da cultura em torno das mulheres no local de trabalho na época.

Apesar de ceder aos desejos de seu marido, Schlafly estabelece um poder político significativo por meio de sua campanha de base e continua sendo uma espécie de contradição. Certamente os detratores de Schlafly (incluindo, conforme retratado em Senhora américaNo quarto episódio, Gloria Steinem) acusou-a de hipocrisia, observando que, enquanto ela argumentava que o lugar de uma mulher era em casa, ela estava pegando a estrada como palestrante, editora de boletim informativo e ativista.

In the show, Schlafly becomes politically interested in the ERA after her friend Alice (Sarah Paulson), a housewife and homemaker, expresses fears that the amendment would eliminate benefits like alimony and Social Security and result in women being drafted into the military. Alice later becomes an animated supporter of Schlafly’s conservative campaign. While Alice does not appear to be based on any single historical figure, she can be seen as an amalgamation created to represent the fears and beliefs of many conservative women at the time.

Like her or not, Schlafly was an effective political organizer. Her grassroots campaign, composed largely of conservative women and homemakers, was unexpectedly successful in halting the ratification of the ERA. The show accurately depicts Schlafly’s campaign tactics, which relied heavily on letter writing and employed traditional symbols of the American housewife to inspire political support.


Ancient paintings

Another painting found some years ago at Shivta, in the southernmost of its three ruined churches, shows Christ at his transfiguration — another key event described in the Christian gospels, which are thought to have been written in the first century after his death.

That painting, too, is heavily eroded it shows only an outline of the figure of Christ and a single eyebrow.

But the painting on the ceiling of the northern baptistery — a building used for baptisms and containing the baptismal font — shows most of the face of Christ, as a young man with short, curly hair. [See Images of Jesus' House and Nazareth Artifacts]

The iconography of Christ with short hair was common throughout the east of the Byzantine Empire, Maayan-Fanar explained, especially in Egypt and the Syria-Palestine region. But it was eventually displaced by Byzantine images of Christ with long hair, which remains a common portrayal today.

Christ was also shown as a very young man, she said, because his baptism in the Jordan symbolized a "new birth." For the same reason, the painting shows a larger figure of John the Baptist, who is said to have presided at Christ's baptism, according to the Christian Gospels.

In their study of the baptistery painting, Maayan-Fanar and her colleagues describe the portrait of Christ as that of a youth with "short curly hair, a prolonged face, large eyes and an elongated nose." It represents a sixth-century convention of Christ's appearance, rather than his actual appearance, which is not described in the Gospels: "It would be wonderful, but how would we know?" ela disse.


Depictions of the Lower Class

Victorian portrayals of lower- and working-class children in both urban and rural contexts were somewhat different. The lower-class female might be incredibly rosy-cheeked, tidy, and sweet, whether as a farm lass, peasant, or street vendor. All such girls were perceived essentially as objects of pity or amusement, with little sense of the sordid and oppressive social conditions that impoverished children endured. Boy urchins, whether in the pages of Soco magazine or in Royal Academy paintings, were sanitized into healthy, scruffy, and unthreatening children.

The dead or dying child appeared frequently in Victorian era paintings as well, reflecting the high mortality rates (compared with modern statistics) among all classes. Many scenarios𠄻y George Hicks, Thomas Faed, and Thomas Brooks�ture parental bedside vigils in which the need for Christian faith and fortitude are endorsed. As in the literary realm, the picturesque appeal of the helpless orphan, especially vulnerable female ones𠄺s in the paintings of Emily Mary Osborn, George Storey, and Philip Calderon𠄺lso was favored by Victorian audiences.

Modern audiences have been inculcated with Victorian notions of childhood by a variety of sources, from an endless proliferation of Kate Greenaway-decorated items to contemporary magazines that combine nostalgia for the past with gauzy finery and images of female decorativeness, passivity, leisure, and conspicuous consumerism. The Victorian literary characters Alice, of Alice's Adventures in Wonderland, and PETER PAN, of James Barrie's 1904 novel Peter Pan, or The Boy Who Would Not Grow Up, have earned permanent places in the public imagination, due to DISNEY films and to the enduring appeal of the girl seeking authority over her fantasies and the boy escaping the responsibilities of adulthood by refusing to grow up.


What is the earliest depiction of a crane? - História

First Robots - in Literature

The Steam Man, Hadaly, and Tik-Tok

  1. Edward S. Ellis' The Steam Man of the Prairies (1868)
    A science-fictional dime-novel, first published in Irwin's American Novels # 45 in 1868.
    If the novel's title character can be considered a 'robot', then this short novel was the first portrayal in literature of a 'robot' or nonsentient automaton - called the Steam Man. The 'mechanical' metal man, a steam-boiler used for locomotion to pull a carriage, was made of iron and was approximately 10 feet tall. It was constructed by teenaged Johnny Brainerd, the inventor in the novel.
  2. Auguste de Villiers de l'lsle Adam's L'Eve Futur (1886, Fr.) (aka The Future Eve, or The Eve of the Future)
    A published book - a classic science-fiction tale that popularized the term "android." Allegedly, the French novelist was inspired to write his book after viewing Edison's display of inventions at the International Electrical Exhibition in Paris in 1881. The story was serialized in 1884 and published as a book in 1886.
    It told about a brilliant British alchemist (modeled after Thomas Edison) who offered to create a mechanical, robotic facsimile of his friend Lord Ewald's beloved fiancee - a stage performer and singer named Alicia Clary. The misogynistic alchemist's goal was to create a perfect and natural, electrical, and mechanical variation of Alicia, who would bring Ewald true happiness - without female personality problems or other physical human imperfections that were causing Ewald to contemplate suicide. The android (andreide), Hadaly, was indistinguishable from Alicia. It had a phonographic apparatus to realistically reproduce Alicia's voice, and was supernaturally endowed with the spirit of Sowana, Edison's mystical assistant. The 'robot' or creation was not a real female "but an angel, not a mistress but a lover, more than reality, an ideal."
  3. L. Frank Baum's Ozma of Oz (1907)
    The third book of Baum's Oz Series. It featured the round-bodied Tik-Tok, made of burnished copper and with jointed arms and legs (with polished caps on them), and requiring its inner springs to be wound in order to function. The card on his back read:

The Mechanical Statue and the Ingenious Servant (1907)

Mechanical Men

(Survival status unknown, although a Vitagraph paper print extract or fragment is reported to exist)

This very early, Vitagraph one-reel (or half-reel) film from director J. Stuart Blackton, was the first American film with 'robot' predecessors - called mechanical men (also known as automatons).

In the slapstick comedic story, a sculptor had hand-built a "mechanical statue" which danced when wound up. It was bought by a customer who took it home. There, a house-servant started it up, but the statue ran away. The "ingenious" servant was able to deceive the master of the house, pretending to be the 'mechanical' robot.

The Fairylogue and Radio-Plays (1908)

Tik-Tok (The Machine Man)

Tik-Tok first appeared in film in The Fairylogue and Radio-Plays (1908), presented in Baum's live travelogue stage presentation (with Tik-Tok - The Machine Man, portrayed by Wallace Illington). The multi-media presentation was a mix of live-action, hand-tinted 'magic lantern' slides, film, and Baum's own narration.


The cast of The Fairylogue and Radio-Plays (1908)
Is Tik-Tok on Baum's left?

[Note: Tik-Tok reappeared much later as the mustached Tik-Tok in Disney's film Return to Oz (1985). See later entry.]

Early 'Robot' Films in the Silent Era

In many cases in these early 'robot' films, the automatons (or automated thinking machines, often functioning as robots or servants) could prove to be dangerous or deadly after running amok, as in Frankenstein (1931).

Early depictions of "mechanical men" included these short films (often comedies and usually one-reel) - sometimes reflecting the encroachment of machinery and the increasing fear of industrialization:

  • An Animated Doll (1908), from Essanay
  • An Extraordinary Duel (1909, Fr.), , from Pathé Frères, about two dueling men (one black, one white) who kept destroying each other, but then were reanimated and rebuilt to continue fighting
  • The Rubber Man (1909), from the Lubin Company, about a mechanical creation that ran amok through a town and village before being short-circuited by being doused in a water trough
  • Dr. Smith's Automaton (1910, Fr.), from Pathé Frères
  • A Mechanical Husband (1910, UK), about a girl who objected to her father's choice of a man and fell in love with an automaton
  • The Automatic Motorist (1911, UK), a comedic fantasy take-off of Georges Melies' A Trip to the Moon (1902), and a mix of live-action and stop-motion animation, in which a mechanical chauffeur drove a newly-wed couple on a honeymoon trip to Saturn
  • The Inventor's Secret (1911), from Biograph (and writer/director Mack Sennett), about a cop (Dan, portrayed by Sennett) who set out to retrieve a missing girl and collect a $500 reward, but mistook an automatic doll for the child
  • The Electric Leg (1912, UK), about the invention of a primitive prosthetic or electric leg for disabled individuals by Professor Bound, but for one amputee, the artificial leg had a mind of its own he lost control of it and it took a man into a girls' dormitory
  • The House of Mystery (1912, Fr.), from Pathé Frères, with a mechanical policeman
  • Sammy's Automaton (1914, Fr.), about Sammy thoughtlessly turning a lifeless mannequin-dummy into an uncontrollable, lascivious automaton
  • The Automatic House (1915), from Empress, about an automatic maid in a "automatic house"
  • The Mechanical Man (1915), from Universal, about a "mechanical man" (Walter Frederick Trevallion, as Phroso)
  • Hoffmanns Erzählungen (aka Tales of Hoffman) (1916, Ger.), was told in three stories/parts about the hero's past loves in the first, the hero young Hoffmann (Kurt Wolowsky) fell in love with a life-sized automaton, a living marionette named Olympia (Alice Scheel-Hechy) he had been duped by Coppelius (Friedrich Kühne) into wearing a pair of magic eyeglasses that made inanimate objects come to life when the deception was revealed, the automaton was torn to pieces
  • Homunculus (1916, Ger.), an expressionistic, six-part serial about diabolical, mad scientist Dr. Hansen's (Adolf Paul) (and his assistant Edgar Rodin's (Friedrich Kühne)) creation of a bitter, soulless, artificial man, the Homunculus (Olaf Fønss), that became tyrannical
  • A Clever Dummy (1917) , from Mack Sennett and Triangle/Keystone, about an inventor named Samuel Tinker (James Donnelly) who created a remote-controlled mechanical robot dummy modeled after the building's janitor (silent film comedian Ben Turpin known for his crossed-eyes) then to further romance, the janitor traded places with the dummy during a vaudeville stage performance to get closer to a woman in the show with whom he was smitten.

The Golem (1920, Ger.) (aka Der Golem)

Golem

Paul Wegener directed three influential adaptations of the Golem legend by Gustav Meyrinck:

  • Der Golem (1914, Ger.) (aka The Monster of Fate)
  • Der Golem Und Die Tanzerin (1917, Ger.) (aka The Golem and the Dancer) - notably the first horror film sequel
  • Der Golem (1920, Ger.) (aka The Golem: or How He Came Into the World), with Karl Freund as cinematographer

The first expressionistic film was based upon Central European myths and influenced later 'Frankenstein' monster films in the early 1930s with themes of a creator losing control of his creation. The Golem, played by Wegener himself, was an ancient clay figure from Hebrew mythology that was brought to life by Rabbi Loew's magic amulet to defend and save the Jews in 16th century Prague from a pogrom threatened by Rudolf II of Habsburg.

The giant man-made, clay creature roamed and lumbered through the Jewish ghetto of medieval Prague to protect it from persecution.

The Master Mystery (1919 or 1920) (aka The Houdini Serial, and Le Maitre du Mystere)

Q, or The Automaton

Director Burton King's and Harry Grossman's independently-produced serial (with 15 episodes, some of which are lost) was made by Studio Pathe in France.

It starred magician and trick escapist artist Harry Houdini as heroic Justice Department/secret service agent Quentin Locke who battled a threatening and criminal international cartel/corporation (the Patent Company).

The serial featured a huge, mechanical, evil robot named Q or The Automaton (Floyd Buckley), the cartel's protective robot-servant. The criminal mastermind had a goofy-looking face and a barrel-shaped pelvis. Houdini exposed the robot as a human in disguise.

This film had one of the earliest (if not the first) on-screen theatrical representation of a traditional robot.

The Mechanical Man (1921, It.) (aka L&rsquoUomo Meccanico)

Mechanical Man

Writer/director Andre Deed's short silent film (only parts of which survive, in a fragmented form - in total, about a third of the original 80 minutes in length) featured a giant, super-powered, 9-10 foot-tall, colossal evil "mechanical" robot, designed to commit robberies and create mayhem.

It was programmed and remotely-controlled by evil villainess adventuress Mado (Valentina Frascaroli) to cause severe damage with its fiery, acetylene blow-torch hands and its massive bulk.

The lumbering robot had headlights for eyes, and had the capability of running at high speed.

The film's finale featured a climactic battle at a masked ball in the Opera House between the first monstrous robot and a second mechanical robot, specifically created (with similar specifications) to destroy the first one.

"Fake" Maria

This future dystopic silent film from director Fritz Lang featured one of the earliest robots (and also female!), a great iconic image. At the time, most robots were either asexual or male. The story was set in the year 2026 in the city of Metropolis.

The luxurious, futuristic, Art Deco city - an industrial world with skyscrapers and bridges, was divided or stratified into an upper, elite, privileged class of powerful industrialists and a subterranean, nameless, oppressed and exploited, ant-like worker/slave class. An elite, privileged ruling technocracy, led by Joh Fredersen (Alfred Abel), was run on the back-breaking labor of underground masses of toiling workers who ran the machines.

The children were cared for by the beautiful heroine Maria (Brigitte Helm), who brought them to a forbidden artificial grotto of the ruling class. There, her beauty overwhelmed Freder (Gustav Frohlich), the son of the ruler of Metropolis, and he fell in love with her. When he went searching for her, he became appalled by the horrors of the working world and the waste of life. After discovering the workers' clandestine meeting led by Maria, Freder's controlling, glacial father conspired with archetypal mad scientist Rotwang (Rudolf Klein-Rogge) to create an evil, robotic Maria look-alike duplicate (explicitly created to replace a specific human), in order to manipulate his workers and preach riot and rebellion.

The Art Deco-styled female robot (also Brigitte Helm) was constructed and brought to life by Rotwang as a metal android (later inspiring Guerra das Estrelas' C-3PO). It was supposed to resemble the dead wife of the city&rsquos ruler. Rotwang had kidnapped the virtuous and compassionate union leader heroine Maria, and created an evil doppelganger of her in his laboratory - in a stunning transformation scene in which he copied Maria's face and body onto the metal surface of the robot.

She was to deceptively become an evil, seductive and sadistic version of Maria. The robot had a fully-armored head, with slits for eyes and mouth, sculpted shoulders, as well as a mechanically-jointed body with armor-like coverings on the legs and feet.

The android was created in order to discredit the real Maria by - among other things, performing lascivious, erotic dances to a frenzied male audience to incite them to riot (as part of the aristocracy's plan to brutally subdue them).

Der Herr Der Welt (1934, Germ.) (aka Master of the World)

Giant Industrial Robot, and Army of Killer Robots

Prolific director Harry Piel's fourth science-fiction film (of a quartet of science fiction films) was a tale about robots created to take the place of human labor, but also posing a potential threat of taking over the world.

Robot inventor, machine manufacturer and scientist Dr. Erich Heller (Walter Janssen) and handsome mining engineer Werner Baumann (Siegfried Schürenberg) discussed a futuristic world where robotic machines would liberate mankind from hard labor or dangerous occupations (such as mining). In his work, Heller was assisted by Professor Wolf (Walter Franck), a demented and crazed colleague who had completed work on a giant robot (equipped with death rays) in Heller's long absence. While confronting Wolf with overstepping his authority, Heller ordered the entire project to be dismantled, and was 'accidentally' killed by the robot under Wolf's control.

Soon after, Wolf's evil plan was to displace mine workers with a vast army of killer robots, thus leaving the laborers unemployed. In fact, the robots were attacking the mine workers who tried to get their jobs back. Baumann had warned Wolf that the workers would revolt if they lost their jobs, although Wolf's evil plan was to crush any revolts with his 'war machines' and achieve world domination ("master of the world").

In a climactic scene in the laboratory, there was a stand-off between Baumann, now in love with Vilma (Sybille Schmitz) - the widow of Dr. Heller and rightful owner of her dead husband's company, and Wolf, who ordered his giant robot to attack Baumann. Wolf was assaulted and killed by his own machine when he was caught in the cross-fire of death rays (looking like static electricity bolts). The lab and the robot were destroyed in an explosion.

Flash Gordon (1936) (aka Space Soldiers)

Ming's Army/Guards (possibly non-robotic!)

In this popular 13-part serial, blonde polo player Flash Gordon (Larry 'Buster' Crabbe) and Dale Arden (Jean Rogers) joined up with Dr. Zarkov (Frank Shannon) on his home-made rocketship and went to the planet Mongo. There, they confronted the evil ruling emperor, Ming the Merciless (Charles Middleton), with pretty daughter Princess Aura (Priscilla Lawson).

At the time, the planet Mongo was on a collision course with Earth. Zarkov was able to persuade Ming to stop Mongo's destructive path, although the tyrannical Ming then decided to take over Earth himself - and abduct Dale for himself.

In the first chapter, Flash, Dale, and Zarkov were taken prisoner by Officer Torch and two helmeted, mechanized robotic guards, known as "Annihilants". Ming's deadly army was composed of these mechanical robotic soldiers with scientifically-advanced rifles. When they went outside, the guards appeared to be wearing some kind of undergarment under their armored suits.

[Note: Some regarded the army's soldiers as non-robotic, as per the comic strip which portrayed the guards as human when they took off their helmets.]

Undersea Kingdom (1936)

Volkites

This early action-packed Republic Pictures serial (with twelve episodes or chapters) was produced in haste to compete with Universal's Flash Gordon (1936) serials. It starred naval action hero Lt. Ray "Crash" Corrigan (Ray Corrigan) and featured the lost city of Atlantis at the bottom of the sea.

Trash can-like robot soldiers with zap rays guns (Atomguns) called Volkites were commanded by warlord Unga Khan (Monte Blue), the evil tyrannical ruler of the Black Robes and remote-controlled by his equally-evil henchman Captain Hakur (Lon Chaney, Jr.). The Volkites were used to attack the sacred city of Atlantis.

The Phantom Creeps (1939)

"Iron Man"

Universal's 12-part serial titled The Phantom Creeps, was advertised as having: 12 Spine-Shivering Action Chapters. This was the last serial for Bela Lugosi who starred as mad scientist Dr. Alex Zorka intent on taking over the world.

He invented a fearsome, slow-moving 8-foot golem-like iron monster or robot that he referred to as "his iron man" (played by 7'4" tall stuntman Ed Wolff), featuring a sculpted round human-like head.

The super-strong robot was remote-controlled, designed to "crush all opposition and make me the most powerful man in the world" - according to Dr. Zorka.

The Tin Man (aka The Tin Woodman)

In this beloved musical fantasy film, the Tin Man (Jack Haley) (aka The Tin Woodman in L. Frank Baum's original book) was one of the fanciful characters in the Wonderful Land of Oz. In fact in the novel, however, the Tin Woodman was originally born human as Nick Chopper, but because of many accidents with his own axe, he was forced to replace all of his body parts and limbs with tin - becoming a cyborg!

He was a silver-faced, funnel-capped robot who joined Dorothy (Judy Garland) on her journey to Oz' Wizard in the Emerald City to request a heart to fill his hollow chest ("The tinsmith forgot to give me a heart" and "If I only had a heart. "). He was first found rusted immobile from moisture and needed to be oiled to begin moving again.


Assista o vídeo: O maior guindaste do mundo (Julho 2022).


Comentários:

  1. Andwyrdan

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  2. Kolten

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