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Primeiro noticiário exibido no teatro - História

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O primeiro noticiário foi exibido em um teatro de Paris por Charles Pathe. No ano seguinte, os cinejornais foram introduzidos nos cinemas dos Estados Unidos, onde se tornaram muito populares

Primeiro noticiário exibido no teatro - História

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A história das drag queens é uma evolução de uma prática teatral comum para uma forma premiada de entretenimento que ganhou legitimidade no cenário nacional e internacional.

O drag como forma de arte explodiu em grande parte graças à vida e carreira de RuPaul Andre Charles - indiscutivelmente a drag queen mais famosa do mundo hoje. A atual reivindicação à fama de RuPaul é sua permanência como apresentador e rosto do reality show na TV RuPaul's Drag Race o que mudou a história do arrasto.

O reality show de competição para drag queens foi ao ar pela primeira vez na rede de TV Logo em 2009. Agora, quase 10 anos depois, o show tem uma audiência massiva que se estende além da comunidade LGBTQ + e seus aliados, uma série de derivados, incluindo RuPaul's Drag Race Tailândia e RuPaul's Drag Race Reino Unido, bem como um Prêmio Emmy 2018 para Programa de Competição de Realidade Extraordinária. RuPaul até ganhou o Emmy de melhor anfitrião em 2018.

Com seu sucesso mainstream, alguns podem se surpreender ao saber que a história do drag como forma de entretenimento remonta aos tempos de Shakespeare e para fins mais utilitários. Na verdade, a história do drag parece estar intimamente ligada ao teatro, e antes do teatro da época de Shakespeare, o palco era usado para fins religiosos.

Drag, então, tem um pouco de história no mundo religioso.

Mas no século 17, quando as peças de Shakespeare foram encenadas pela primeira vez no Globe Theatre em Londres, apenas os homens podiam participar das produções, como acontecia em ritos religiosos. Portanto, quando as peças incluíam papéis femininos, os atores masculinos se vestiam como mulheres para preencher o vazio.

Wikimedia Commons Uma representação de uma cena de King Lear, apresentando performers vestidos de travesti.

Acredita-se que é no teatro que se originou o termo "drag". Quando os homens desempenhavam papéis femininos, eles supostamente discutiam como suas fantasias "arrastavam" pelo chão.

Drag começou a assumir uma forma mais individual de entretenimento (em oposição a ser utilizado como parte de uma performance em conjunto) quando a personificação feminina foi introduzida na cultura americana através do gênero conhecido como "vaudeville".

A performance de vaudeville ganhou força no início do século 20 nos Estados Unidos e combina comédia, música, dança e burlesco para criar um tipo excêntrico de entretenimento ao vivo.

A personificação feminina rapidamente se tornou uma faceta da experiência de entretenimento vaudevilliana. Foi através do vaudeville que surgiu a primeira drag queen oficial, chamada Julian Eltinge. Sua popularidade foi além do vaudeville e seu sucesso lhe rendeu o título de ator mais bem pago do mundo - ultrapassando até mesmo Charlie Capelão na época.

Diz-se que a personificação feminina e a história do drag se entrelaçaram com a cultura gay por volta dos anos 1930. Quando os Estados Unidos entraram na era da Lei Seca, que aboliu a produção e o consumo de álcool de 1920 a 1933, os gays usaram os clubes undergrounds e bares clandestinos como uma oportunidade para se expressar e se divertir.

Public Romain Review Rae Bourbon, uma popular artista drag da era "Pansy Craze".

Fora da vista da lei, os gays se sentiam livres para serem eles mesmos no cenário underground da Lei Seca e se sentiam livres para se vestir como drag queens também.

A crescente popularidade dos bares clandestinos, onde o drag era bem-vindo durante a Lei Seca, ficou conhecida como "a Mania do Amor-perfeito". Mas, mesmo muito depois do fim da Lei Seca, os bares gays que apresentavam travessuras nessa época continuaram a operar bem nos anos 1950 e 60.

Enquanto isso, a cultura mais ampla continuou a criminalizar a cultura gay e a polícia reprimiu esses bares gays. Em resposta, a cena drag moveu-se de certa forma para o subsolo. A comunidade gay continuou a florescer, apesar do fato de que era ilegal para eles beber álcool em bares, ou mesmo dançar juntos. A State Liquor Authority e o Departamento de Polícia de Nova York invadiam regularmente bares que atendiam clientes gays.

Estranhamente, seria a máfia de Nova York, e a família Genovese em particular, que secretamente daria às drag queens e à comunidade gay uma saída. Em 1966, um membro da família do crime genovês comprou o Stonewall no Greenwich Village de Manhattan, que se tornaria um centro da cultura gay e o epicentro de uma série de motins em 1969 que resultaram na galvanização da comunidade gay contra seus opressores.

Na vanguarda desse movimento, a drag queen Flawless Sabrina organizou vários concursos nos Estados Unidos que exibiram drag queens muito parecidos com um concurso de beleza tradicional.

Grove Press / Photofest Drag queen Crystal Labeija competindo em um concurso de beleza drag no final dos anos 1960.

Ela foi presa muitas vezes e apareceu como uma travesti em público, inclusive enquanto era convidada em programas de entrevistas, o que era inédito na época.

Membros LGBTQ de cor simultaneamente criaram seus próprios refúgios na parte alta de Manhattan, em bairros como Harlem e Washington Heights. Foi aqui que se acredita que a cultura da "bola de arrasto" se originou no início dos anos 1970.

Foi então que a cultura drag pareceu se dobrar lentamente à sociedade dominante com as performances drag e distorção de gênero do ator Tim Curry no Rocky Horror Picture Show de 1975 e os estilos estéticos do músico David Bowie.

Francois LE DIASCORN / Gamma-Rapho via Getty Images Drag queen Divine se apresentando em Nova York na década de 1970.

A década de 1980 viu uma experimentação ainda maior com drag e gênero em música e cinema por meio de artistas como Boy George e Pete Burns.

Na década de 1990, o mundo estava pronto para tornar a drag queen mais popular do que nunca. Na verdade, a drag queen no comando dessa aceitação era ninguém menos que RuPaul Charles, que mudaria a história do drag na era moderna.

RuPaul fez seu nome no final dos anos 80 e início dos anos 90 no cenário dos clubes de Nova York. Ele se tornou uma celebridade local que lançou as bases para que ele alcançasse o sucesso em todo o país.

Esse sucesso veio na forma de seu single de sucesso de 1993 "Supermodel (You Better Work)". A música catapultou RuPaul, que logo depois se tornou a primeira drag queen a se tornar um porta-voz de uma grande empresa de cosméticos com a MAC Cosmetics, teve seu próprio talk show no VH1, e um programa de rádio matinal WKTU.

Catherine McGann / Getty Images RuPaul Charles posa para um retrato de grupo em novembro de 1992 na Times Square, Nova York.

Em 2009, RuPaul estreou sua série de competição de realidade RuPaul's Drag Race. Desde então, o show se tornou um fenômeno popular.

Na era moderna, onde a internet pode trazer comunidades marginalizadas para os holofotes, o drag encontrou uma base de fãs que se tornou maior que a vida. A drag queen entrou no mainstream mais uma vez - e desta vez, parece que está aqui para ficar.

Depois de conhecer a história das drag queens, dê uma olhada nas drag queens mais famosas do século XX. Em seguida, aprenda mais sobre os distúrbios de Stonewall e como os eventos impactaram a paisagem dos direitos dos homossexuais na América.


Os Irmãos Lumière, Pioneiros do Cinema

Depois que seu pai, Antoine, um conhecido pintor de retratos que se tornou fotógrafo, abriu um pequeno negócio de chapas fotográficas em Lyon, Louis Lumi & # xE8re começou a fazer experiências com o equipamento que seu pai estava fabricando. Em 1881, Louis, de 17 anos, inventou um novo processo de revelação de filme & # x201Cdry plate & # x201D, que impulsionou os negócios de seu pai o suficiente para alimentar a abertura de uma nova fábrica nos subúrbios de Lyon. Em 1894, o Lumi & # xE8res produzia cerca de 15 milhões de placas por ano.

Naquele ano, Antoine Lumi & # xE8re participou de uma exposição de Edison & # x2019s Kinetoscope em Paris. Ao retornar a Lyon, ele mostrou a seus filhos um comprimento de filme que recebera de um dos concessionários da Edison & # x2019s. Ele também disse que eles deveriam tentar desenvolver uma alternativa mais barata para o dispositivo de visualização de filmes pelo olho mágico e sua contraparte de câmera volumosa, o Kinetograph. Embora o cinetoscópio só pudesse mostrar um filme para um espectador individual, Antoine pediu a Auguste e Louis que trabalhassem em uma maneira de projetar o filme em uma tela, onde muitas pessoas pudessem vê-lo ao mesmo tempo.

Lumi & # xE8re Cinematographe, 1895 (Crédito: SSPL / Getty Images)

Auguste começou os primeiros experimentos no inverno de 1894 e, no início do ano seguinte, os irmãos criaram seu próprio dispositivo, que chamaram de Cin & # xE9matographe. Muito menor e mais leve que o Kinetograph, pesava cerca de cinco quilos (11 libras) e funcionava com o uso de uma manivela manual. O fotógrafo Cin & # xE9 fotografou e projetou filme a uma velocidade de 16 quadros por segundo, muito mais lento do que o dispositivo Edison & # x2019s (48 quadros por segundo), o que significava que era menos barulhento para operar e usava menos filme.

A principal inovação no cerne do Cin & # xE9matographe foi o mecanismo pelo qual o filme foi transportado pela câmera. Dois pinos ou garras foram inseridos nos orifícios da roda dentada perfurados na tira de filme de celulóide, os pinos moviam o filme e então retraíam, deixando o filme estacionário durante a exposição. Louis Lumi & # xE8re projetou esse processo de movimento intermitente com base na maneira como uma máquina de costura funcionava, uma tática que Edison havia considerado, mas rejeitou em favor do movimento contínuo.

Um dispositivo três em um que poderia gravar, revelar e projetar filmes, o Cin & # xE9matographe ficaria na história como a primeira câmera de filme viável. Usando-o, os irmãos Lumi e # xE8re filmaram os trabalhadores em sua fábrica saindo no final do dia. Eles mostraram o filme resultante, & # x201CLa Sortie des ouvriers de l & # x2019usine Lumi & # xE8re & # x201D (& # x201CWorkers Leaving the Lumi & # xE8re Factory & # x201D) em uma reunião industrial em Paris em março de 1895, é considerado o próprio primeiro filme.

Cartaz do primeiro filme exibido pelos irmãos Lumi & # xE8re (Crédito: Universal History Archives / Getty Images)

Depois de uma série de outras exibições privadas, os irmãos Lumi & # xE8re revelaram o Cin & # xE9matographe em sua primeira exibição pública em 28 de dezembro de 1895, no Grand Café em Paris & # x2019 Boulevard de Capuchines. No início de 1896, eles abririam os cinemas Cin & # xE9matographe em Londres, Bruxelas, Bélgica e Nova York. Depois de fazer mais de 40 filmes naquele ano, principalmente cenas da vida cotidiana francesa, mas também o primeiro noticiário (filmagem da conferência da Sociedade Fotográfica Francesa) e os primeiros documentários (sobre o Corpo de Bombeiros de Lyon), eles começaram a enviar outros cinegrafistas-projecionistas ao mundo para registrar cenas da vida e mostrar sua invenção.


LINHA DO TEMPO DE TEATRO

Filtre a linha do tempo para mostrar:

O encerramento antecipado de uma peça desastrosa do ditador italiano, Benito Mussolini, deixou o New Theatre - agora Noel Coward - precisando desesperadamente de uma produção. Robert Atkins e Sydney Carroll apresentar uma produção em "preto e branco" de Décima segunda noite, que posteriormente transferem para um teatro improvisado em Regent's Park.

A primeira temporada completa inclui um renascimento do ano anterior Décima segunda noite e a primeira de quase cinquenta produções diferentes de Sonho de uma noite de verão para jogar no teatro durante os próximos oitenta anos.

George Bernard Shaw escreve Os Seis de Calais para o teatro

Jack Hawkins e Anna Neagle estrela como Orsino e Olivia no Décima segunda noite. Robert Helpmann danças em um balé "al fresco".

Vivien Leigh tocam Ana Bolena no Henry VIII.

O país está em guerra e o teatro produz temporadas só de matinês devido aos apagões. Teatro ao ar livre do Regent’s Park e a Windmill Theatre são os únicos dois teatros em Londres que permaneceram abertos durante a guerra.

Dulcie Gray e Michael Bentine junte-se à empresa para Sonho de uma noite de verão, Décima segunda noite e A Megera Domada.

As comédias do pós-guerra dominam o programa, mas são equilibradas com Rei joão (1948), Fausto (1949), The Winter’s Tale (1950) e Cymbeline (1952).

Camarins de tijolos são construídos atrás do palco, substituindo as barracas que eram usadas anteriormente.

EIleen Atkins aparece como um atendente em Love’s Labour’s Lost.

A empresa é convidada a realizar Décima segunda noite e Aldeia no Festival Baalbek no Líbano. Isso marca o primeiro de muitos compromissos no Open Air Theatre no exterior nos anos seguintes, em conjunto com o British Council, a companhia se apresentaria em mais de vinte países diferentes, incluindo Dubai, Rússia, Israel e Egito.

Dávido Conville e David William estabelecer The New Shakespeare Company como uma empresa de caridade distribuidora sem fins lucrativos. Laurence Olivier é um dos principais investidores.

A produção do teatro de Décima segunda noite toca no Middle Temple Hall como parte do Festival da Cidade de Londres na presença de HM, a rainha-mãe.

Bernard Bresslaw tocam Launce no Os Dois Cavalheiros de Verona. Bresslaw's longa associação com o teatro o vê jogando Fundo muitas vezes e Dogberry duas vezes, bem como Malvolio, Petkoff e Ferrovius, até sua morte prematura em 1993, pouco antes de subir ao palco para jogar Grumio.

FElicity Kendal tocam Herói no Muito barulho por nada.

Em uma produção de Sonho de uma noite de verão Anthony Andrews tocam Semente de mostarda.

O atual auditório fixo em estilo de anfiteatro foi construído ao custo de £ 150.000, seguido por uma oficina, uma nova bilheteria, cozinha e gramado para piquenique. Atrasos no projeto de construção causam a temporada seguinte, que inclui A Megera Domada com Jeremy Irons e Zoë Wannamaker, a ser encenado no Roundhouse.

Robert stephens, que apareceu no ano anterior em uma produção de The Zoo Story com Michael Gambon, estrelas ao lado Edward Fox no Otelo.

Judi Dench aparece ao lado Penelope Keith e Dame Flora Robson no Doce senhor Shakespeare. Dench's A longa associação com o teatro a leva a atuar e dirigir em muitas ocasiões. Ela se juntou ao Conselho de Curadores em 1993 e permanece no Conselho até hoje.

UMA Esquema de Oficinas Escolares é lançado e se torna um recurso permanente do local.

Kcomeu O'Mara aparece em Muito barulho por nada. O'Mara apareceria novamente em As Alegres Mulheres de Windsor, Três anos depois.

Para celebrar o Jubileu de Ouro do teatro, uma noite especial é apresentada com HM a Rainha e SAR o duque de Edimburgo em atendimento.

euesley Garrett aparece em uma nota dupla de óperas inglesas do século 18 Thomas e Sally e Rosina.

O Regent’s Park Open Air Theatre produz seu primeiro musical, Bashville escrito pelo então Diretor Artístico David William.

Richard E. Grant aparece em Sonho de uma noite de verão com Natasha Richardson.

Ralph fiennes faz sua estreia profissional como Curio no Décima segunda noite. Um ano depois ele voltaria a jogar Romeo para Sarah Woodward’s Julieta em uma produção dirigida por Declan Donellan.

euum talbot, faz sua estreia como Diretor Artístico com uma produção de Feira de Bartolomeu, que usa porcos javalis emprestados do zoológico de Londres.

Caroline Smith nova produção de Sonho de uma noite de verão dá ao teatro sua primeira indicação ao Prêmio Laurence Olivier de Melhor Comédia do Ano.

A temporada musical vê Roy Hudd e Anthony O’Donnell estrela em The Fantasticks.

Judi Dench dirige The Boys from Syracuse, que foi indicada para quatro prêmios Laurence Oliver, vencendo Melhor Revivificação Musical e Melhor Atriz Coadjuvante por Jenny Galloway.

Empresário de teatro Cameron Mackintosh finanças O cartão que foi nomeado para dois prêmios Laurence Olivier.

Tim Piggott-Smith dirige Damian Lewis no Aldeia.

Toyah Wilcox tocam Puck no Sonho de uma noite de verão, dirigido por John Doyle.

Kiss Me Kate foi indicado para três prêmios Laurence Olivier, incluindo Melhor Revivificação.

UMATudo bem que acaba bem faz sua primeira aparição no teatro com Nigel Planer Como Parolles.

A última temporada do século vê Rachel Kavanaugh direto As Alegres Mulheres de Windsor e Alan Strachan direto Décima segunda noite. Para fechar a temporada, Uma coisa engraçada aconteceu no caminho para o fórum marca a primeira aparição de um musical de Sondheim no teatro.

Ao custo de dois milhões de libras, um grande trabalho de construção começa para reformar o auditório e as áreas públicas do teatro e para construir o Estúdio Robert Atkins.

Gilbert e Sullivan's Os Piratas de Penzance toca por duas temporadas antes de partir em uma turnê pelo Reino Unido com Gary Wilmot e Su Pollard.

Um concerto do 70º aniversário repleto de estrelas é apresentado por Judi Dench e Ian Talbot.

Halta sociedade foi indicada ao Prêmio Laurence Olivier de Melhor Revivificação de um Musical e Melhor Atriz Coadjuvante por Tracie Bennett. Depois de uma turnê pelo Reino Unido, a produção foi transferida para o Shaftsbury Theatre do West End no final de 2005.

Russ Abbott tocam Fundo em uma nova produção de Sonho de uma noite de verão.

Timothy Sheader faz sua estreia no Regent’s Park Open Air Theatre dirigindo Décima segunda noite.

euum talbot revive sua produção de 2003 de Sonho de uma noite de verão que inclui Sheridan Smith entre o elenco.

Timothy Sheader é nomeado Diretor Artístico, juntando-se William Village, que havia sido nomeado Diretor Executivo e Co-Diretor Executivo no ano anterior. Sheader primeira temporada, em 2008, o vê direto Romeu e Julieta e Lerner e Loewe’s Gigi quais estrelas Topol.

UMA Sonho de uma noite de verão reinventado para todas as pessoas a partir de seis anos é a primeira de muitas peças de Shakespeare de sucesso especialmente adaptadas para o público mais jovem.

TA importância de ser zeloso é apresentada como a primeira peça não-Shakespeare a ser produzida no teatro em vários anos e apresenta a capacidade de 96,5%. Olá, Dolly! ganha o Prêmio Evening Standard de Melhor Musical e é indicado para quatro prêmios Laurence Olivier, vencendo Melhor Revivificação Musical, Melhor Coreografia de Teatro por Stephen Meare Melhor Atriz em Musical por Samantha Spiro.

Começa a arrecadação de fundos para um projeto de construção que terá uma nova bilheteria, um complexo de camarins e uma suíte de escritórios a serem construídos no local, a tempo para a temporada de 2012.

STephen Sondheim visita o teatro duas vezes para ver Dentro da floresta. Oliver Ford Davies tocam Danforth no O cadinho, dirigido por Timothy Sheader.

Timothy Sheader dirige Sondheim's Dentro da floresta que se torna a produção de maior bilheteria na história do teatro e ganha duas indicações ao Prêmio Olivier, vencendo o Melhor Revival Musical.

Jem Bausor projeta um cenário épico para senhor das Moscas dirigido por Timothy Sheader e Liam Steel. Lucy Bailey faz sua estreia na direção no Park com uma produção de Hogarth A ópera do mendigo. Vencendo dois Prêmios Olivier (Melhor Revivificação Musical e Melhor Figurino) Louco por você torna-se a produção de maior bilheteria no teatro e é transferida diretamente para o West End por uma temporada de 6 meses.

80º aniversário do teatro e ano dos Jogos Olímpicos de Londres. Com um custo de £ 3,3 milhões, o projeto de redesenvolvimento do teatro está concluído.

Teumariposa Sheader e Liam Steel redirecionar sua produção de 2010 de Dentro da floresta no Central Park, Nova York.

Fazendo sua primeira aparição em Londres em 22 anos, Robert Sean Leonard recebe aclamação da crítica como Atticus Finch em Matar a esperança. Jane Asher aparece como Lady Catherine de Bourgh em Orgulho e Preconceito, que celebra seu 200º aniversário.

RAchel Kavanaugh retorna para direcionar um esgotamento e uma série prolongada de O som da música estrelando Charlotte Wakefield como Maria. Com mais de 188.000 visitantes, a temporada quebra todos os recordes.

Novos assentos são instalados no auditório pela primeira vez desde 1974. The Gershwins ' Porgy and Bess foi indicado aos prêmios Olivier e WhatsOnStage de Melhor Revivificação Musical.

To Mate um Mockingbird completou uma turnê de 25 semanas pelo Reino Unido, que terminou com uma residência de um mês no Barbican. Uma nova adaptação de Chekhov's A gaivota foi encomendado para o Parque para comemorar seu 120º aniversário. senhor das Moscas voltou ao parque para 14 apresentações antes de embarcar em uma turnê de 6 meses pelo Reino Unido.

Um novo arquivo digital foi lançado com o objetivo de preservar e compartilhar a rica história do teatro.

Running Wild traz novas composições para o palco do Open Air Theatre e um Young People’s Ensemble proveniente da comunidade local. Jesus Cristo Superstar ganha o prêmio Evening Standard Theatre de Melhor Musical, ao lado do Judas original, Tyrone Huntley, que ganha Talento Emergente.

Marcando o 400º aniversário da morte de Shakespeare, Michelle Terry assume o papel principal em Henry V. Matthew Kelly e Felicity Montagu aparecem como Sr. e Sra. Bennet em uma produção de revival de Orgulho e Preconceito, que então embarcou em uma turnê pelo Reino Unido.

Jesus Christ Superstar ganha um prêmio Olivier de Melhor Revivificação Musical e é indicado a mais cinco prêmios Olivier.

Miriam-Teak Lee ganha Melhor Atriz em Musical no Prêmio de Estreia no Palco por Na cidade. Oliver Twist criado para todos a partir de seis anos torna-se a produção mais vendida para o público familiar.

A um custo de £ 2,8 milhões, novas cozinhas e The Regent’s Park Rehearsal Studios são abertos.

Jesus Christ Superstar desempenha um contrato limitado na Lyric Opera of Chicago.

Tele volta do parafuso é a nossa primeira co-produção com a English National Opera.

euittle Shop of Horrors ganha três prêmios WhatsOnStage, incluindo Melhor Revivificação Musical.

O artista Lee Simmons foi encarregado de projetar uma escultura que celebra a vida de David Conville OBE, que faleceu em novembro de 2018. Como fundador da empresa, Diretor Artístico e Gerente, Presidente e Presidente Honorário, David se aposentou em 2012 após uma associação de 50 anos com o teatro.

Evita torna-se nossa produção de venda mais rápida e de maior arrecadação até hoje, ganhando o prêmio Evening Standard Theatre de Melhor Musical.


A história dos cinemas drive-in (e onde eles estão agora)

Muitas pessoas ouvem histórias de seus avós indo ao cinema drive-in para um ponto de encontro nas noites de sexta-feira, mas você conhece a história da experiência do cinema clássico?

Embora houvesse drive-ins já em 1910, o primeiro drive-in patenteado foi inaugurado em 6 de junho de 1933 por Richard Hollingshead em Nova Jersey. Ele o criou como uma solução para pessoas que não conseguiam caber confortavelmente em assentos menores de cinema depois de criar um mini drive-in para sua mãe. Apelando para as famílias, Hollingshead anunciou seu drive-in como um lugar onde & # 8220Toda a família é bem-vinda, independentemente do barulho das crianças. & # 8221

O sucesso do drive-in de Hollingshead fez com que mais e mais drive-ins aparecessem em todos os estados do país e também se propagassem internacionalmente. Os drive-ins ganharam imensa popularidade 20 anos depois, durante as décadas de 1950 e 1960, com a geração Baby Boomer. Houve mais de 4.000 drive-ins em todos os EUA, e a maioria foi em áreas rurais. Eles mantiveram a popularidade como um espaço para as famílias passarem mais tempo umas com as outras, bem como uma opção acessível para encontros noturnos.

Os drive-ins só podiam exibir filmes em certas épocas do ano e dependiam de um clima decente. Durante a crise do petróleo dos anos 70, as pessoas reduziram o tamanho de seus carros para economizar dinheiro no custo inflacionado da gasolina, tornando desconfortável assistir a filmes no drive-in. Para compensar a receita perdida, os drive-ins começaram a perder sua atmosfera familiar, exibindo filmes de exploração como terror de terror, bem como conteúdo adulto. O desenvolvimento do videocassete tornou mais atraente ficar em casa e assistir filmes sem pagar por um filme no drive-in.

Lentamente, os drive-ins começaram a perder seu apelo. Para ter um drive-in eficaz, era preciso ocupar pelo menos 15 acres de terra. Economicamente falando, tornou-se mais prático para os proprietários fecharem seus drive-ins para vender seus terrenos a incorporadores para a construção de shoppings ou complexos de edifícios múltiplos.

Mesmo que os drive-ins não sejam tão populares como costumavam ser (com alguns argumentando que ficarão obsoletos na próxima década), ainda existem drive-ins no mercado em todo o país. Os drive-ins modernos variam, mas muitos exibem filmes atuais e também filmes mais antigos. Muitos deles também planejam noites duplas. Assim como um drive-in clássico e um teatro normal, eles vendem refrescos como pipoca, doces e refrigerantes. Alguns até têm playgrounds para as famílias entreterem seus filhos.


Phoenix & # 39s primeiro cinema drive-in

Todos os cinemas drive-in em Phoenix fecharam, deixando o cinema Glendale 9 Drive-In em Glendale, como a única lembrança deste tipo de entretenimento de tempos passados. (Foto: Foto do arquivo da República)

Embora houvesse quase uma dúzia de cinemas drive-in em Phoenix, o Phoenix Drive-in Theatre na 36th Street e Van Buren foi o primeiro.

Harry Nace, que também construiu o Orpheum Theatre, abriu o cinema em 1940. Os clientes podiam assistir a filmes o ano todo "sob as estrelas".

O teatro exibia a imagem de uma mulher encantadora no verso da tela, que chamava os espectadores para ver o último show.

O Phoenix Drive-in Theatre é um exemplo de como os cinemas drive-in evoluíram. Os alto-falantes foram primeiro localizados no solo e depois migraram para os postes.

Um stand de concessão foi adicionado. O tamanho da tela cresceu e o número de vagas de estacionamento dobrou ao longo do tempo para cerca de 800.

Os cinemas drive-in ganharam mais popularidade na década de 1950. Em Phoenix, vários cinemas drive-in foram abertos e vários de seus nomes mudaram ao longo do tempo. Eles incluem:

- The Indian Drive-in Theatre na 27th Avenue e Indian School Road

- The Cinema Park (Southwest) Drive-in Theatre na Seventh Street e Missouri

- The Rodeo Drive-in Theatre perto de 12th Street e Buckeye Road

- The Vale (Big Sky) Drive-in Theatre perto de 39th Avenue e Indian School Road

- The Silver Dollar Drive-in Theatre a leste da South Central Avenue e ao norte da Baseline Road pelo Western Canal

- The Acres of Fun Drive-in Theatre na 37th Avenue com Van Buren.

Compartilhando o mesmo local com o Acres of Fun Drive-in estava o Peso Drive-in Theatre na parte norte da propriedade.

Os cinemas drive-in ainda eram populares na década de 1960, e o Northern Drive-in Theatre na Interstate 17 e Northern e o Nu-View Drive-in Theatre próximo à 31st Avenue e Buckeye Road foram inaugurados na década de 1960.

O último cinema drive-in a abrir em Phoenix foi o Valley Drive-in Theatre, na esquina sudoeste da Cave Creek Road e Sweetwater Avenue, mas nessa época a popularidade dos cinemas drive-in havia começado a diminuir.

O boom da construção imobiliária da década de 1980 realmente destruiu qualquer esperança de que esses cinemas florescessem. A terra era muito valiosa para ser reconstruída.

Lentamente, esses teatros foram substituídos por novos usos, como shopping centers e complexos de apartamentos. Também ficou difícil competir com cinemas fechados e sistemas de entretenimento doméstico.

Ainda há muitos fenícios que guardam boas lembranças desses antigos locais de entretenimento. Infelizmente, quem não teve o prazer tem que se aventurar fora da cidade para ter essa experiência.


Musicais na tela

Para aqueles momentos em que você não pode assistir ao teatro ao vivo, David Armstrong compartilha algumas de suas versões favoritas de musicais para filmes. “Além de estarem entre as melhores adaptações cinematográficas de musicais da Broadway”, diz ele, “esses filmes em particular giram em torno de alguns dos personagens principais mais memoráveis, fascinantes e dimensionais da história da Broadway e incluem algumas das melhores canções já escritas para o palco. ”

The Music Man (1962)

Uma das adaptações cinematográficas mais fiéis de um dos maiores musicais da Broadway, com Robert Preston recriando sua dinâmica atuação vencedora do Tony Award. Dirigido por Morton DeCosta e coreografado por Onna White, ambos encenaram a produção original da Broadway.

Cigano (1962)

Rosalind Russell assume um dos papéis mais desafiadores da história do teatro, “Mama Rose”, um personagem fascinante e complexo que o público adora e fica horrorizado em igual medida. GYPSY é considerado por muitos como o pináculo da "peça musical" do estilo Idade de Ouro da Broadway.

Fiddler On The Roof (1971)

Esta adaptação incorpora quase todo o livro original e a trilha sonora do original da Broadway e recria a emocionante coreografia original de Jerome Robbins. Apresenta uma brilhante atuação do ator israelense Topol, que interpretou o papel de Tevye na produção original de Londres.

Sweeney Todd, The Demon Barber of Fleet Street (1982)

Filmado durante a turnê nacional do show, o filme apresenta grande parte do elenco original da Broadway, incluindo Angela Lansbury. Mais significativamente, ele replica a direção e encenação brilhante e sensacional de Harold Prince. Isso é o mais próximo possível de ver a produção original, e muito preferível à versão em filme de Johnny Depp.

Hairspray (2007)

Esta adaptação cinematográfica é em muitos aspectos maravilhosamente fiel ao livro e à trilha sonora original da Broadway, e demonstra como até uma comédia musical deliciosa e divertida pode abordar grandes temas e assuntos importantes e sérios.


O FANTASMA DA ÓPERA PARA SE TORNAR O PRIMEIRO SHOW DA HISTÓRIA DA BROADWAY A COMEMORAR 20 ANOS

O musical de palco de maior sucesso de todos os tempos, a produção da Cameron Mackintosh / Really Useful Group, Inc. de THE PHANTOM OF THE OPERA, de Andrew Lloyd Webber, dirigido por Harold Prince, alcançará um marco sem precedentes ao comemorar seu vigésimo aniversário na Broadway no sábado , 26 de janeiro. Naquela data, apresentando suas 8.318 e 8.319 apresentações no The Majestic Theatre (247 West 44th Street), será a primeira produção da Broadway a ser executada por 20 anos.

O show mais antigo da história da Broadway (uma façanha que alcançou em janeiro de 2006, quando ultrapassou o recorde de Cats na época), o musical é o vencedor de 7 Tony Awards em 1988, incluindo Melhor Musical. Desde sua estreia na Broadway em 26 de janeiro de 1988, THE PHANTOM OF THE OPERA arrecadou mais de $ 675 milhões, tornando-se o show de maior bilheteria na história da Broadway. A assistência total em Nova York é de 12,5 milhões. Desde então, ele fez mais de 8.000 apresentações - o único show na história da Broadway a fazê-lo - e tudo sem fim à vista.

Seu sucesso internacional - igualmente impressionante - é representado por receitas totais mundiais estimadas em mais de US $ 5 bilhões. Esta figura colossal torna PHANTOM o empreendimento de entretenimento de maior sucesso de todos os tempos, ultrapassando não apenas qualquer outra produção teatral, mas também ultrapassando de longe o filme de maior bilheteria do mundo, Titanic (US $ 1,2 bilhão) e outros sucessos de bilheteria como O Senhor dos Anéis, Jurássico Park e Star Wars. A assistência mundial é de mais de 80 milhões de pessoas.

O FANTASMA DA ÓPERA sempre quebrou recordes, com a produção de Nova York estabelecendo benchmarks que dominaram a indústria: para capitalização (então espetaculares $ 8 milhões), avanço total (então enormes $ 18 milhões), total bruto e atendimento ($ 675 milhões e 12,5 milhões e contando), performances totais (tornando-se o primeiro e ainda o único show a chegar a 8.000) e até mesmo o número de anos antes de um único ingresso ser vendido na bilheteria TKTS em Times Square ( mais de 14 anos, que ainda é o recorde, de longe). E desde que se tornou o show mais antigo da história da Broadway em 2006, cada apresentação estabeleceu um novo recorde de longevidade.

O musical também quebrou todos os recordes de turnê. Continua a ser o show de turnê contínuo mais longo da história dos Estados Unidos, com a primeira de suas três Turnês Nacionais ocorrendo há mais de 19 anos em maio de 1989. A turnê atual é a produção de turnê mais longa da história dos Estados Unidos, tendo recentemente celebrado seu 15º aniversário em 13 de dezembro de 2007, tendo feito mais de 6.000 apresentações.

In addition to PHANTOM’s amazing longevity and continued box office success, the Broadway production consistently earns rave reviews from returning critics:

In The New York Times, Jason Zinoman proclaimed, “PHANTOM still delivers the goods! Judging by sheer invention, emotional punch and onstage talent, the venerable blockbuster still beats out almost all of the whippersnappers currently on Broadway. Maria Björnson’s flamboyant gothic design and Harold Prince’s fantastical staging still have the gleam of finely polished professionalism. The solid cast retains the freshness of opening night.”

Clive Barnes of The New York Post gave it “FOUR STARS! A marvelous musical! PHANTOM has stayed in terrific shape and right now it is still as taut and sharp as on that first night in 1988. Harold Prince’s crisp staging remains as shipshape as ever. Maria Björnson’s opulent production perfectly captures the spirit and style of the Paris Opera and Andrew Lloyd Webber’s sweepingly romantic score is one of the finest scores Broadway has ever heard. Don’t miss it!”

Roma Torre of NY-1 News proclaimed, “PHANTOM rules! It remains as fresh and spectacular as ever. Andrew Lloyd Webber’s score has a visceral tug more than almost any score written in the past 20 years. Beautiful and romantic, I have to tip my hat: THE PHANTOM OF THE OPERA has aged divinely.”

Time Out’s David Cote exclaimed, “They’re doing something right! A beautifully produced show, PHANTOM is lavish and played well enough to get standing ovations nearly two decades into its run!”

And David Richardson on WOR Radio raved, “PHANTOM is still wonderful and isn’t showing its age one bit! The chandelier still falls on cue and the show still rises to the top of all the musicals ever to appear on Broadway. I hope I listen to the music of the night forever!”

THE PHANTOM OF THE OPERA had its world premiere on October 9, 1986 at Her Majesty’s Theatre in London, winning every major British theatre award including the Olivier and Evening Standard Awards. The New York production opened on January 26, 1988 with a then record advance of $18 million. The musical went on to sweep the 1988 Tony Awards, winning seven, including Best Musical. THE PHANTOM OF THE OPERA also won seven Drama Desk Awards and three Outer Critics Circle Awards. The original London cast recording was the first in British musical history to enter the charts at number one. It has since gone both gold and platinum in Britain and the U.S. selling over 40 million copies worldwide.

Base on the classic novel Le Fantôme de L’Opéra by Gaston Leroux, THE PHANTOM OF THE OPERA tells the story of a masked figure who lurks beneath the catacombs of the Paris Opera House, exercising a reign of terror over all who inhabit it. He falls madly in love with an innocent young soprano, Christine, and devotes himself to creating a new star by nurturing her extraordinary talents and by employing all of the devious methods at his command.

THE PHANTOM OF THE OPERA stars Howard McGillin in the tile role with Jennifer Hope Wills as Christine and Tim Martin Gleason as Raoul. Having donned the mask in over 2,000 times, Mr. McGillin has performed the title role more than any other actor in the Broadway production.

The musical also co-stars George Lee Andrews (Monsieur André Mr. Andrews is the only cast member to have been with the Broadway production for the entire run), David Cryer (Monsieur Firmin), Patricia Phillips (Carlotta), Marilyn Caskey (Madame Giry), Wayne Hobbs (Piangi) and Heather McFadden (Meg Giry). At certain performances, Elizabeth Loyacano plays Christine.

THE PHANTOM OF THE OPERA has music by Andrew Lloyd Webber and is directed by Harold Prince. Lyrics are by Charles Hart (with additional lyrics by Richard Stilgoe) and the book is by Richard Stilgoe and Andrew Lloyd Webber. THE PHANTOM OF THE OPERA has production design by the late Maria Björnson, lighting by Andrew Bridge and sound by Martin Levan. Musical staging and choreography is by Gillian Lynne. Orchestrations are by David Cullen and Andrew Lloyd Webber.


The 1737 Licensing Act had a huge, and some would say devastating, impact on the development of British drama. It granted the Lord Chamberlain the authority to censor new British plays, removing anything that he considered to be inappropriate. Theatre owners could be heavily prosecuted if they staged a play that hadn't received official approval.


Mousetrap in Shanghai

The Mousetrap played to packed houses for two weeks in the Lyceum Theatre in Shanghai. Subtitles in Chinese ran on either side of the stage throughout the performance. Agatha Christie is ‘bigger than Shakespeare’ in China, and her plays are performed regularly in Chinese, but this was the first time a British Company had been invited

The Mousetrap tours Australia for 8 months playing to 150,000 theatre goers.

The Mousetrap goes on its first ever tour of the UK playing in over 120 venues across the UK.

The Diamond Anniversary Gala Performance with a star-studded cast DIRECTED BY PHYLLIDA LLOYD.

TAMSIN GREIG appears as Mollie Ralston

HUGH BONNEVILLE appears as Giles Ralston

HARRY LLOYD appears as Christopher Wren

JULIE WALTERS appears as Mrs. Boyle

NICHOLAS FARRELL appears as Major Metcalf

MIRANDA HART appears as Miss Casewell

PATRICK STEWART appears as Mr. Paravicini

IAIN GLEN appears as Detective Sergeant Trotter

The Mousetrap performs at the famous Raffles Hotel in Singapore.

The Mousetrap Company wins the first ever West End Bake Off raising £4000 for the Charity Acting for Others.

Janet Hudson-Holt became the Be Inspired champion at the Olivier Awards for her work as the Costume Supervisor for The Mousetrap. For 15 years she has been an integral part of the show, making the wheel of The Mousetrap turn. Her impact on the show is clearly visible, after Janet painstakingly recreated the costumes from the original incarnation of the show.

The Mousetrap has its third Producer as Adam Spiegel becomes the custodian of the longest running show in the world.

On the 18th of September 2018 the cast celebrate The Mousetrap passing yet another incredible milestone. 27,500 performances down.


Assista o vídeo: Oficina de teatro - Aula 02 - História do teatro mundial (Pode 2022).